La glorieuse austérité de Ben Nicholson

Lorsque Ben Nicholson est décédé en 1982 à l'âge de 88 ans, il a laissé derrière lui un héritage troublé dans son pays natal, l'Angleterre. D’une part, ses reliefs abstraits sont considérés par la plupart des chercheurs britanniques comme la quintessence du modernisme britannique. D’un autre côté, Nicholson avait la réputation d’être en quelque sorte un jambon, un artiste qui changeait fréquemment de style et de manière stratégique afin de rester pertinent sur le marché. Un jour, il réalisait un relief abstrait, mais voyant qu'il ne se vendait pas, il se remettait le lendemain à peindre un joli paysage. Quelle que soit la version de Nicholson qui se rapproche le plus de la réalité, elle continue d'être un sujet très débattu en Grande-Bretagne à chaque fois qu'une rétrospective de son travail apparaît. Pourtant, pour les téléspectateurs en dehors de la Grande-Bretagne, la question est purement académique. L’essentiel à l’échelle internationale est qu’avec ses peintures en relief, Nicholson a ajouté quelque chose d’unique à l’histoire de l’art abstrait moderniste – ce qui n’est une réalisation facile pour personne. Son héritage n'a rien à voir avec le fait qu'il ait réalisé ces œuvres parce qu'il pensait qu'elles se vendraient ou qu'il essayait simplement d'être stratégique pour rivaliser avec ses contemporains. Les reliefs sont tout simplement des exemples phénoménaux d’austérité et de précision et, à ce titre, méritent d’être glorifiés. En fait, c’est précisément leur austérité et leur précision qui amènent tant de gens à décrire les reliefs comme étant typiquement britanniques. Ils sont comme des représentations concrètes du désir britannique de voir tout dans ce monde désordonné être réduit à quelque chose de simple, clair et direct. Pourtant, leurs surfaces surmenées et leur méthodologie obsessionnelle révèlent peut-être aussi autre chose sur la culture britannique : juste sous la surface de cette quête publique de l’austérité se cache un courant sous-jacent d’anxiété et d’obsession.

La quête de la nouveauté

Nicholson est né en 1894 dans une famille débordante de talents artistiques. Son père et sa mère étaient tous deux peintres et sa grand-mère maternelle était la nièce des artistes Robert Scott Lauder et James Eckford Lauder. Non seulement Nicholson a grandi pour devenir un artiste, mais sa sœur aussi et son frère est devenu architecte. Cependant, plutôt que de se réjouir de son héritage artistique, Nicholson a cherché à se distancer de ce qui était, à son avis, une vision romantique et écoeurante. Nicholson était un moderniste en herbe. Il voulait créer des œuvres ambitieuses qui montraient les aspects les plus idéaux du monde moderne. C'est avec ces aspirations à l'esprit qu'à 16 ans, il s'inscrit à la Slade School of Fine Art, la plus prestigieuse école d'art britannique, en 1910. Mais il préfère évidemment passer son temps à jouer au billard plutôt qu'aller en cours, et finit par abandonner après un semestre.

Ben Nicholson - Moonshine, 1966. Gravure sur une plaque usagée (anciennement I.C.I. hangar, 1948). Preuve de BAT ; inscrit au crayon « bon à tirer BN » ; inscrit au verso au crayon « épreuve d'artiste (moonshine) » ; annotations au crayon verso dans une autre main. 12 3/5 × 15 po ; 32 × 38 cm. Photo avec l'aimable autorisation de la Alan Cristea Gallery, Londres

Nicholson se souvint plus tard que sa meilleure expérience éducative en art avait eu lieu lorsqu'il avait voyagé aux États-Unis en 1917. Lors d'une visite en Californie, il rencontra par hasard le travail cubiste synthétique de Picasso pour la première fois. La délimitation de la réalité en masses et plans simplifiés eut un effet profond sur Nicholson, qui comparait le reste de son œuvre à cette norme. Pourtant, ce n'est qu'en 1924 qu'il réussit à créer sa première composition abstraite. Intitulée "1924 (première peinture abstraite, Chelsea)", elle mesurait 55,4 x 61,2 cm. L'œuvre à l'huile et au crayon sur toile consiste en un agencement de carrés et de rectangles atténués, se chevauchant et inclinés sur un léger angle. La surface est picturale mais aussi plate. Elle semble faire référence à des compositions géométriques d'artistes comme Malevich et Mondrian, mais ses qualités matérielles humbles lui confèrent une qualité bien moins académique que les œuvres de ces artistes. Mais après avoir peint cette composition, Nicholson retourna immédiatement à ses peintures de paysages et de natures mortes. Il faudrait encore dix ans avant qu'il n'arrive aux œuvres de relief abstrait qui le rendraient célèbre.

Ben Nicholson - Nature morte, 1962. Lithographie sur papier. 18 1/2 × 26 pouces ; 47 × 66 cm. Photo avec l'aimable autorisation de la Frestonian Gallery, Londres

Doux soulagement

Deuxième après Picasso, l'artiste qui a eu l'influence la plus profonde sur Nicholson était Barbara Hepworth. Nicholson et Hepworth ont commencé à se fréquenter vers 1931. Leur association a commencé par un aspect professionnel, mais a rapidement évolué en une liaison, ce qui a conduit sa première femme à divorcer de Nicholson. Contrairement à Nicholson, Hepworth était confiante dans sa quête d'abstraction. Elle croyait fermement à la valeur des masses et des plans, et savait qu'une forme abstraite pouvait être appréciée uniquement pour ses propres qualités matérielles et formelles. Trois ans après le début de sa relation avec Hepworth, Nicholson a réalisé ses premières reliefs sculptés. Pour créer ces œuvres, il a découpé des formes simples comme des cercles et des carrés dans du carton, puis a collé les feuilles de carton sur d'autres feuilles de carton. Les œuvres étaient conçues pour être accrochées au mur, leurs qualités tridimensionnelles défiant la planéité traditionnelle de la peinture. Il a peint leurs surfaces avec des teintes atténuées, puis a obsédément gratté la peinture avec des lames de rasoir. Il comparait ce processus à regarder sa mère frotter la table de la cuisine lorsqu'il était enfant. L'esthétique usée contredit la précision minimale des formes de manière à créer à la fois dissonance et équilibre.

Ben Nicholson - Fragment olympique, 1966. Eau-forte. 7 9/10 × 9 4/5 po ; 20 × 25 cm. Édition de 60 exemplaires. Photo Osborne Samuel, Londres

Nicholson et Hepworth se sont mariés en 1938 et ont divorcé en 1951. Pendant leur relation, Nicholson a pleinement mûri sa vision abstraite et épurée. Même après la fin de leur relation, il a continué à réaliser ses reliefs géométriques et ses tableaux abstraits. Mais il y a aussi eu de nombreuses périodes où il est retourné au confort du travail figuratif. Peut-être est-il vrai qu'il l'a fait uniquement pour gagner de l'argent, puisque les collectionneurs britanniques n'étaient pas toujours enclins à soutenir l'art abstrait à l'époque. Ou peut-être que Nicholson était simplement curieux de l'interrelation entre abstraction et figuration. Il a peut-être vu ses reliefs moins comme de l'abstraction, à proprement parler, que comme des exemples de l'élimination de l'ornement. Dans ce sens, peut-être qu'il n'essayait pas d'abandonner la réalité représentative, mais plutôt d'élargir sa définition. Si tel est le cas, alors comme les Constructivistes, Nicholson a défié tout sens du style et a plutôt offert une vision esthétique complexe qui englobait ses propres espoirs pour un monde plus novateur, plus stratifié et plus honnête.

Image à la une : Ben Nicholson - longue Patmos horizontale, 1967. Eau-forte. Epreuve d'artiste ; signé et daté « Nicholson 67 » ; inscrit au verso au crayon. 'Copie BN copie d'artiste n° 6'. 11 7/10 × 17 4/5 po ; 29,7 × 45,2 cm. Photo avec l'aimable autorisation de la Alan Cristea Gallery, Londres
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio