La joie de l'art abstrait coloré à la galerie Mnuchin

La Mnuchin Gallery de New York présente actuellement The Joy of Color, une exposition collective festive d'art abstrait coloré datant de 1939 à 2018. L'exposition offre un aperçu unique de la multitude de façons dont les artistes mobilisent la couleur à la fois en tant que contenu et concept. Il présente le travail de nombreux artistes historiquement importants que la galerie représente, tels qu'Alexander Calder, Joan Mitchell, Mark Rothko, Morris Louis et Sam Gilliam, aux côtés de ceux d'artistes pionniers du XXe siècle comme Helen Frankenthaler, Alma Thomas, Kenneth Noland et Jack. Buisson. Sont également incluses des peintures d'artistes contemporains essentiels comme Laura Owens et Sean Scully et de nouveaux venus comme Sarah Crowner et Nathlie Provosty. Pour certains New-Yorkais, ce show pourrait représenter l’occasion idéale de revenir dans l’espace Mnuchin. En 2016, le critique d’art du magazine new-yorkais Jerry Saltz a publié un discours intitulé « Pourquoi je ne vais plus à la galerie Mnuchin ». Il a cité comme raison Steven Mnuchin, fils du galeriste Robert Mnuchin, nommé chef des finances de la campagne du candidat à la présidentielle de l'époque, Donald Trump. Depuis la parution de cet article, Steven Mnuchin a été nommé secrétaire au Trésor des États-Unis. Pour des raisons qui n'ont rien à voir avec l'art, mais tout à voir avec l'idéologie, Saltz a encouragé ses lecteurs à punir le père vendeur d'art pour les péchés politiques perçus de son fils. Un tel drame fabriqué est ridicule, mais néanmoins, quiconque cède à la pression sociale créée devrait considérer La joie de la couleur comme l'excuse parfaite pour donner un nouveau souffle à la galerie. chance. L'exposition ressemble plus à une promenade dans la section moderne et contemporaine d'un petit mais important musée qu'à une promenade dans une galerie commerciale. L’œuvre démontre exactement comment l’art abstrait, à son meilleur, a la capacité de transcender la petite politique et d’ouvrir de nouvelles portes de perception de ce qui est beau et significatif dans ce monde.

La couleur comme stratégie

La Joie de la Couleur s'ouvre avec un humble mobile de Calder suspendu au plafond près d'un escalier. Des formes abstraites rouges, jaunes, blanches et grises tournent doucement dans les brises produites par nos corps et notre souffle. Calder utilisait la couleur pour amener les gens à réfléchir à « l'idée de corps détachés flottant dans l'espace. » Ces formes colorées et fantaisistes offrent quelque chose à apprécier tout en contemplant des questions universelles comme la physique et la mécanique. Au-delà du mobile, deux petites peintures flanquent de chaque côté d'une arche. À gauche se trouve « Lode » (2018) de Nathlie Provosty. À droite se trouve un champ de couleur sans titre de Mark Rothko, vers 1959. Les deux compositions sont structurées, plates et rectangulaires. Les deux utilisent des variations subtiles de couleur pour inviter le spectateur à une expérience contemplative. La couleur n'est pas ici un contenu tant qu'elle est un point d'entrée dans des rencontres perceptuelles avec notre être intérieur. La peinture de Provosty en particulier, avec ses variations subtiles de jaune, expose des différences nuancées entre des choses apparemment similaires—ce n'est qu'en généralisant que nous pouvons l'appeler monochrome. Chaque jaune n'est pas le même.

Nathlie Provosty - Lode, 2018. Huile sur lin sur panneau d'aluminium. 19 x 15 pouces (48,3 x 38,1 cm). © Nathlie Provosty. Avec l'aimable autorisation de la galerie Mnuchin

D'autres peintures de l'exposition qui utilisent la couleur comme stratégie pour engager d'autres types de contenu incluent "Aleph Series V" (1960) de Morris Louis, "Landline Green Bolt" (2018) de Sean Scully, une peinture sans titre de Laura Owens de 2006, et une toile sans titre de Joan Mitchell de 1958. La peinture de Louis attire nos yeux avec des relations de couleur vibratoires autour de son bord, mais à mesure que les couleurs fusionnent dans l'obscurité au centre, nous devenons plus conscients de la surface : la toile non apprêtée devient une avec la peinture tout comme les couleurs et les formes deviennent une avec les autres - tout fond dans un. La peinture de Scully utilise la couleur pour nous engager dans une réflexion sur les coups de pinceau et les textures, une invitation à apprécier les qualités matérielles de la peinture. La peinture d'Owens emploie la couleur comme un déclencheur émotionnel. Sa palette jubilante reflète les aspects figuratifs de l'œuvre, qui prennent plaisir à la féminité, à l'ouverture et à la nature. Enfin, les marques de pinceau tumultueuses sur la toile de Mitchell nous montrent comment la couleur peut devenir synonyme d'humeur, exprimant l'angoisse la plus profonde de l'esprit humain.

Sean Scully - Landline Green Bolt, 2018. Huile sur aluminium. 85 x 75 pouces (215,9 x 190,5 cm). © Sean Scully. Avec la courtoisie de la Mnuchin Gallery.

La couleur comme espace

De nombreuses peintures de La joie de la couleur emploient la couleur dans un sens plus formel, montrant la couleur comme un créateur et un délimitateur efficace de l'espace visuel. « Nature's Red Impressions » (1968) d'Alma Thomas offre une élucidation épique de ce concept. De loin, les couleurs déclarent une structure linéaire, divisant l'architecture visuelle en barres verticales. En y regardant de plus près, les colonnes se fracturent en une multitude de formes organiques. L'espace blanc entre les formes et les colonnes s'affirme comme un monde au-delà de la surface. Une magie similaire est à l’œuvre dans « Strawberry » (1970) de Jack Bush. Une forme massive en « U » rosé fait écho au titre du tableau par sa teinte, tandis qu'un fond rose plus clair grêlé de taches sombres établit la dimensionnalité. Une barre de couleur complémentaire au bas de la toile aplatit l’espace et incite l’œil à détecter une combinaison de ligne d’horizon et de défilé cinétique de formes géométriques.

Alma Thomas - Nature's Red Impressions, 1968. Acrylique sur toile. 51 x 49 1/2 pouces (129,5 x 125,7 cm). © Alma Thomas. Avec l'aimable autorisation de la galerie Mnuchin

Parmi les compositions spatiales les plus accrocheuses de l'exposition figurent "Elberta" (1975) de Helen Frankenthaler, "Mysteries: Aglow" (2002) de Kenneth Noland, et "The Wave (Urszula)" (2014) de Sarah Crowner. Frankenthaler crée une vaste ouverture dans sa peinture à taches, ouvrant l'œil à un univers visuel expansif et lumineux ; Noland atteint l'effet inverse, simplifiant et centralisant l'espace avec sa composition familière en cible ; Crowner organise l'espace en une dissonance harmonieuse avec des formes ondulatoires biomorphiques rouges et oranges. Pourtant, la création d'espace la plus profonde vient de "Atmosphere" (1972) de Sam Gilliam. Sa technique signature de biseautage des bords de sa surface permet aux couleurs de créer un espace au-delà des limites physiques de l'œuvre. La peinture nous invite à nous interroger sur ce qui se trouve au-delà des limites de ce que nous pouvons voir—une préoccupation vitale pour nous à cette époque, et peut-être même que M. Saltz voudrait s'arrêter à la galerie pour y réfléchir. The Joy of Color est visible jusqu'au 8 décembre 2018.

Image en vedette : The Joy of Color - exposition collective à la Mnuchin Gallery, New York, 2018. © Tom Powel Imaging. Avec l'aimable autorisation de la galerie Mnuchin
Par Phillip Barcio