La joie de l'art abstrait coloré à la galerie Mnuchin

La galerie Mnuchin à New York présente actuellement La Joie de la Couleur, une exposition collective célébrant l’art abstrait coloré de 1939 à 2018. L’exposition offre un aperçu unique des multiples façons dont les artistes mobilisent la couleur à la fois comme contenu et comme concept. Elle présente des œuvres de nombreux artistes historiquement importants que la galerie représente, tels qu’Alexander Calder, Joan Mitchell, Mark Rothko, Morris Louis et Sam Gilliam, aux côtés d’artistes pionniers du XXe siècle comme Helen Frankenthaler, Alma Thomas, Kenneth Noland et Jack Bush. Sont également incluses des peintures d’artistes contemporains essentiels comme Laura Owens et Sean Scully ainsi que de nouveaux venus comme Sarah Crowner et Nathlie Provosty. Pour certains New-Yorkais, cette exposition pourrait représenter l’occasion idéale de revenir dans l’espace Mnuchin. En 2016, le critique d’art du magazine New York, Jerry Saltz, avait publié un coup de gueule intitulé « Pourquoi je ne vais plus à la galerie Mnuchin ». Il y évoquait Steven Mnuchin — fils du propriétaire de la galerie Robert Mnuchin — nommé responsable du financement de campagne pour le candidat à la présidence Donald Trump, comme raison. Depuis la parution de cet article, Steven Mnuchin a été nommé secrétaire au Trésor des États-Unis. Pour des raisons qui n’ont rien à voir avec l’art, mais tout avec l’idéologie, Saltz a encouragé ses lecteurs à punir le père vendeur d’art pour les péchés politiques supposés du fils. Un tel drame fabriqué est ridicule, mais néanmoins, quiconque a cédé à cette pression sociale devrait considérer La Joie de la Couleur comme l’excuse parfaite pour donner une nouvelle chance à la galerie. L’exposition ressemble davantage à une promenade dans la section moderne et contemporaine d’un petit musée important qu’à une visite dans une galerie commerciale. Les œuvres démontrent exactement comment l’art abstrait à son meilleur a la capacité de transcender les petites politiques et d’ouvrir de nouvelles portes de perception vers ce qui est beau et significatif dans ce monde.

La couleur comme stratégie

La Joie de la Couleur s’ouvre sur un humble mobile de Calder suspendu au plafond près d’un escalier. Des formes abstraites rouges, jaunes, blanches et grises tournent doucement dans les courants d’air créés par nos corps et notre souffle. Calder utilisait la couleur pour faire réfléchir les gens à « l’idée de corps détachés flottant dans l’espace. » Ces formes colorées fantaisistes offrent un plaisir visuel tout en invitant à contempler des questions universelles comme la physique et la mécanique. Au-delà du mobile, deux petites peintures encadrent un arc. À gauche se trouve « Lode » (2018) de Nathlie Provosty. À droite, un champ de couleur sans titre de Mark Rothko, vers 1959. Les deux compositions sont structurées, plates et rectangulaires. Elles utilisent des variations subtiles de couleur pour inviter le spectateur à une expérience contemplative. La couleur n’est pas tant un contenu ici qu’un point d’entrée dans une rencontre perceptive avec notre être intérieur. La peinture de Provosty en particulier, avec ses variations subtiles de jaune, révèle des différences nuancées entre des choses apparemment semblables — ce n’est qu’en généralisant qu’on peut parler de monochrome. Chaque jaune n’est pas identique.

Nathlie Provosty - Lode, 2018. Huile sur lin sur panneau d’aluminium. 48,3 x 38,1 cm (19 x 15 pouces). © Nathlie Provosty. Avec l’aimable autorisation de la galerie Mnuchin

D’autres peintures de l’exposition qui utilisent la couleur comme stratégie pour aborder d’autres types de contenu incluent « Aleph Series V » (1960) de Morris Louis, « Landline Green Bolt » (2018) de Sean Scully, une peinture sans titre de Laura Owens de 2006, et une toile sans titre de Joan Mitchell de 1958. La peinture de Louis attire notre regard par des relations vibratoires de couleurs sur ses bords, mais à mesure que les couleurs fusionnent dans l’obscurité au centre, nous devenons plus conscients de la surface : la toile non apprêtée devient une avec la peinture tout comme les couleurs et les formes deviennent une avec l’autre — tout fond en un seul. La peinture de Scully utilise la couleur pour nous engager dans une réflexion sur les coups de pinceau et les textures, une invitation à apprécier les qualités matérielles de la peinture. La peinture d’Owens emploie la couleur comme déclencheur émotionnel. Sa palette joyeuse reflète les aspects figuratifs de l’œuvre, qui prennent plaisir à la féminité, à l’ouverture et à la nature. Enfin, les coups de pinceau tumultueux sur la toile de Mitchell nous montrent comment la couleur peut devenir synonyme d’humeur, exprimant l’angoisse la plus profonde de l’esprit humain.

Sean Scully - Landline Green Bolt, 2018. Huile sur aluminium. 215,9 x 190,5 cm (85 x 75 pouces). © Sean Scully. Avec l’aimable autorisation de la galerie Mnuchin

La couleur comme espace

De nombreuses peintures dans La Joie de la Couleur emploient la couleur dans un sens plus formel, montrant la couleur comme un créateur et délimiteur efficace de l’espace visuel. « Nature’s Red Impressions » (1968) d’Alma Thomas offre une élucidation épique de ce concept. De loin, les couleurs déclarent une structure linéaire, divisant l’architecture visuelle en barres verticales. À un examen plus attentif, les colonnes se fracturent en une multitude de formes organiques. L’espace blanc entre les formes et les colonnes s’affirme comme un monde au-delà de la surface. Une magie similaire opère dans « Strawberry » (1970) de Jack Bush. Une forme massive en « U » rosée fait écho par sa teinte au titre de la peinture, tandis qu’un fond rose clair parsemé de taches sombres établit la dimension. Une barre de couleur complémentaire le long du bas de la toile aplatie l’espace et trompe l’œil en suggérant une ligne d’horizon combinée à un défilé cinétique de formes géométriques.

Alma Thomas - Nature’s Red Impressions, 1968. Acrylique sur toile. 129,5 x 125,7 cm (51 x 49 1/2 pouces). © Alma Thomas. Avec l’aimable autorisation de la galerie Mnuchin

Parmi les compositions spatiales les plus saisissantes de l’exposition figurent « Elberta » (1975) de Helen Frankenthaler, « Mysteries: Aglow » (2002) de Kenneth Noland, et « The Wave (Urszula) » (2014) de Sarah Crowner. Frankenthaler crée une vaste ouverture dans sa peinture par taches imbibées, ouvrant l’œil à un univers visuel expansif et lumineux ; Noland obtient l’effet inverse, simplifiant et centralisant l’espace avec sa composition familière en cible ; Crowner organise l’espace en une dissonance harmonieuse avec des formes ondulantes biomorphiques rouges et orange vibrantes. Pourtant, la création d’espace la plus profonde revient à « Atmosphere » (1972) de Sam Gilliam. Sa technique signature de chanfreiner les bords de sa surface permet aux couleurs de créer un espace au-delà des limites physiques de l’œuvre. La peinture nous invite à nous interroger sur ce qui se trouve au-delà des limites de ce que nous pouvons voir — une préoccupation vitale à notre époque, et une que peut-être même M. Saltz voudrait venir considérer à la galerie. La Joie de la Couleur est visible jusqu’au 8 décembre 2018.

Image en vedette : La Joie de la Couleur - exposition collective à la galerie Mnuchin, New York, 2018. © Tom Powel Imaging. Avec l’aimable autorisation de la galerie Mnuchin
Par Phillip Barcio