Whitney célèbre les peintures en couleurs des années 1960 dans une nouvelle exposition

Bob Thompson est mort d'une overdose d'héroïne à l'âge de 28 ans, mais il a réalisé près de 1 000 peintures et dessins au cours de sa brève carrière. Le Whitney Museum of American Art a célébré son travail lors d'une rétrospective en 1996, et ce printemps, ses peintures et ses mots seront le point d'ancrage d'une grande exposition de Whitney sur la couleur. Spilling Over: Painting Color dans les années 1960 tire son nom d’une citation de Thompson : « J’ai quelque chose en moi qui éclate, se tord, colle, déborde pour sortir. Dans des âmes, des bouches et des yeux jamais vus auparavant. La poésie et la passion de ces mots transparaissent brillamment dans ses peintures, dont beaucoup s'approprient les compositions des maîtres anciens, abstrayant les figures et les paysages pour créer des mondes expressionnistes inspirés du jazz définis par des palettes de couleurs vives et illusoires. Thompson représente parfaitement cette exposition, puisque la curation ignore les appellations traditionnelles liées aux mouvements et aux styles. Thompson n'a jamais été redevable à aucun mouvement ou méthode : il s'est inspiré du Pop Art, du Fauvisme, de l'Expressionnisme, de la Figuration, de l'Abstraction et de tout ce qui servait sa vision. De même, Spilling Over: Painting Color in the 1960s mettra en lumière une myriade de positions esthétiques, notamment l’Op Art, l’abstraction Hard Edge, la peinture sur champs de couleurs, l’abstraction post-picturale, l’expressionnisme abstrait, le minimalisme, l’art féministe, le mouvement des motifs et de la décoration et les premiers mouvements géométriques modernistes. Abstraction. Et il comprendra des œuvres d'un assortiment tout aussi large et diversifié d'artistes, certains célèbres, comme Josef Albers, Helen Frankenthaler, Sam Gilliam, Ellsworth Kelly, Morris Louis, Kenneth Noland et Frank Stella, et d'autres moins connus, comme comme Kay Walkingstick, Emma Amos, Richard Anuszkiewicz, Frank Bowling, Marcia Hafif, Al Held, Alvin Loving et Miriam Schapiro. Entièrement tiré de la collection Whitney existante, il offrira un aperçu complet de la véritable diversité de l'expression artistique qui existait au cours de l'une des époques les plus fertiles de l'histoire de l'art du XXe siècle. En préparation, voici de brefs profils de six des artistes les moins connus présentés dans l'exposition.

Emma Amos

Lorsqu'Emma Amos est arrivée à New York au début des années 1960, elle s'est heurtée à la résistance des universités, qui lui disaient qu'elle était trop jeune pour enseigner, et des galeristes, qui ne voulaient pas montrer son travail parce qu'elle était noire ou de sexe féminin. Son refuge a été trouvé en compagnie d'autres artistes, qui ont élargi sa formation artistique déjà longue en partageant avec Amos les leçons de leur métier. Elle a découvert les textiles auprès de Dorothy Liebes ; sur la gravure de Letterio Calapai ; et sur les nuances de l'approche des questions sociales et politiques dans son travail par les membres du Groupe Spiral, dont Amos était la seule femme membre. Amos s'est longtemps distinguée par son imagination radicale et le courage dont elle a fait preuve pour adopter de multiples styles, techniques et références historiques différents. Elle est l’une des grandes pionnières vivantes du postmodernisme.

Emma Amos - Bébé, 1966. Huile sur toile. 46 1/2 × 51 po (118,1 × 129,5 cm). Whitney Museum of American Art, New York ; acheté conjointement par le Whitney Museum of American Art, avec des fonds du Comité de peinture et de sculpture ; et The Studio Museum in Harlem, achat du musée avec des fonds fournis par Ann Tenenbaum et Thomas H. Lee T.2018.33a-b. © Emma Amos ; avec la courtoisie de l'artiste et de RYAN LEE Gallery, New York.

Richard Anuszkiewicz

Avec Bridget Riley, Richard Anuszkiewicz est l'un des derniers pionniers vivants du mouvement Op Art. En tant que jeune artiste, Anuszkiewicz a remarqué que la couleur était la seule chose qui lui échappait, alors il est parti à Yale pour étudier la théorie des couleurs avec le grand Josef Albers. La voix visuelle unique qu'Anuszkiewicz a développée a rendu son travail révolutionnaire pour son époque. Beaucoup de gens ont vanté son éclat, mais une seule peinture s'est vendue lors de sa première exposition personnelle. Heureusement pour Anuszkiewicz, cet unique acheteur était Alfred F. Barr, Jr., directeur du Museum of Modern Art. Ce fan unique et puissant a attiré l'attention des conservateurs de Whitney, qui l'ont rapidement inclus dans une grande exposition collective sur l'abstraction géométrique, et ont assuré son inclusion dans The Responsive Eye, l'exposition qui a mis l'Op Art sur la carte.

Richard Anuszkiewicz - Le Quatrième des Trois, 1963. Acrylique sur carton de composition. 48 1/16 × 48 1/16 po (122,1 × 122,1 cm). Musée d'art américain Whitney, New York ; achat avec les fonds des Amis du Whitney Museum of American Art 64.4. © 2019 Richard Anuszkiewicz/Sous licence VAGA de l'Artists Rights Society (ARS), New York.

Le bowling de Frank

À 85 ans, Frank Bowling reçoit enfin la notoriété mondiale qu'il mérite depuis des décennies. Ses toiles lumineuses rayonnent de couleur et d'atmosphère. Incorporant de manière transparente une multitude de méthodes, elles établissent des ponts entre diverses positions esthétiques telles que le Pop Art, la peinture Color Field, l'expressionnisme abstrait, l'Arte Povera et l'abstraction post-peintre. Plus tard cette année, Bowling sera mis en lumière dans une exposition rétrospective monumentale à Tate Britain, qui couvrira 60 ans de sa carrière.

Frank Bowling - La Surprise de Johnson, 1969. Acrylique sur toile. 115 15/16 × 104 1/8 po (294,5 × 264,5 cm). Whitney Museum of American Art, New York ; achat avec des fonds des Amis du Whitney Museum of American Art 70.14. © 2019 Frank Bowling/Droits d'auteur par Artists Rights Society (ARS), New York.

Canne Kay

Parmi les acquisitions les plus récentes incluses dans cette exposition figurent des œuvres de Kay Walkingstick, une artiste amérindienne dont le travail crée des ponts transcendants entre les traditions esthétiques indigènes de ses racines Cherokee et l'esthétique du postmodernisme mondial. Walkingstick est le prédécesseur et l'influence de jeunes artistes autochtones comme Jeffrey Gibson qui s'efforcent d'explorer les ramifications des universalités partagées par les traditions artistiques anciennes et modernes. La quête de l’universalisme a toujours été cruciale pour Walkingstick, qui a déclaré : « Je veux que tous les gens s’accrochent à leur culture, mais je veux aussi encourager la reconnaissance mutuelle d’un être commun. »

Kay Walkingstick - Night/ᎤᎡᎢ (Usvi), 1991. Huile, acrylique, cire et cuivre sur toile. 36,25 x 72,25 x 2 po. Avec l'aimable autorisation du Montclair Art Museum, acheté grâce aux fonds fournis par Alberta Stout.

Alvin l'aimant

Alvin Loving a créé un corpus d'œuvres visuellement époustouflant qui, entre autres choses, a défini la couleur comme le principal facteur unificateur entre l'Expressionnisme Abstrait et l'Abstraction Géométrique à Bord Franc. Ses peintures énergiques et gestuelles ainsi que ses collages multimédias axés sur le matériau sont émouvants et lyriques. Ses œuvres abstraites géométriques, quant à elles, sont calculées et audacieuses, et figurent facilement parmi les œuvres les plus accrocheuses et intellectuellement stimulantes de sa génération. Contemporain d'artistes comme Sol Le Witt et Victor Vassarely, Loving a élevé leurs idées et leur érudition à un autre niveau, insufflant à son travail une énergie visuelle qui le rend frais et vivant même aujourd'hui, près d'une génération après sa mort.

Alvin Loving - Septéèdre 34, 1970. Acrylique sur toile façonnée. 88 5/8 × 102 1/2 po (225,1 × 260,4 cm). Musée d'art américain Whitney, New York ; don de William Zierler, Inc. en l'honneur de John I. H. Baur 74,65. Avec l'aimable autorisation de la succession d'Al Loving et de la Garth Greenan Gallery, New York.

Miriam Schapiro

L'icône de l'art féministe Miriam Schapiro a participé à l'installation révolutionnaire Womanhouse et est devenue l'une des voix les plus influentes du mouvement Pattern and Decoration. Schapiro a confronté les biais de genre dans le monde de l'art en utilisant des matériaux et des techniques associés à la domesticité et à l'artisanat. La maîtrise indéniable, la beauté et l'intégrité intellectuelle de son travail ont exposé les absurdes préjugés patriarcaux qui ont toujours dominé le monde de l'art. La couleur était un élément essentiel de son œuvre, chargeant ses travaux d'un sens d'action électrique, presque vibrant, et attirant l'attention sur la capacité des éléments esthétiques formels à devenir des outils de changement social et politique.

Miriam Schapiro - Mechano/Flower Fan, 1979. Collage acrylique et tissu sur papier. 30 x 44 po. Don de Mary Ross Taylor en l'honneur de sa mère, Betty S. Abbott. Musée National des Femmes dans les Arts.

Image en vedette : Morris Louis - Gamma Delta, 1959-60. Magna sur toile. 103 1/8 × 152 1/2 po (261,9 × 387,4 cm). Musée d'art américain Whitney, New York ; achat avec les fonds de la Glen Alden Foundation et de la McCrory Foundation, Inc. 69,57. © 2018 Maryland Institute College of Art (MICA) / Artists Rights Society (ARS), New York.
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio