Whitney célèbre les peintures en couleurs des années 1960 dans une nouvelle exposition

Bob Thompson est mort d'une overdose d'héroïne à l'âge de 28 ans, mais il a réalisé près de 1000 peintures et dessins au cours de sa brève carrière. Le Whitney Museum of American Art a célébré son œuvre lors d'une rétrospective en 1996, et ce printemps, ses peintures et ses paroles seront au cœur d'une grande exposition du Whitney consacrée à la couleur. Spilling Over : Peindre la couleur dans les années 1960 tire son nom d'une citation de Thompson : « J'ai quelque chose en moi qui déborde, se tord, colle, déborde pour sortir. Sortir dans les âmes, les bouches et les yeux qui n'ont jamais vu auparavant. » La poésie et la passion de ces mots transparaissent brillamment dans ses peintures, dont beaucoup empruntent les compositions des Maîtres anciens, en abstraisant les figures et les paysages pour créer des mondes expressionnistes, inspirés du jazz, définis par des palettes de couleurs vives et illusoires. Thompson représente parfaitement cette exposition, puisque la scénographie ignore les désignations traditionnelles liées aux mouvements et styles. Thompson n'a jamais été soumis à un seul mouvement ou méthode — il a puisé dans le Pop Art, le Fauvisme, l'Expressionnisme, la Figuration, l'Abstraction et tout ce qui servait sa vision. De même, Spilling Over : Peindre la couleur dans les années 1960 mettra en lumière une multitude de positions esthétiques, notamment l'Op Art, l'Abstraction à bords durs, la Peinture de champs colorés, l'Abstraction post-peintre, l'Expressionnisme abstrait, le Minimalisme, l'Art féministe, le Mouvement Motif et Décoration, et la première Abstraction géométrique moderniste. Elle comprendra également des œuvres d'un éventail tout aussi large et diversifié d'artistes, certains célèbres, tels que Josef Albers, Helen Frankenthaler, Sam Gilliam, Ellsworth Kelly, Morris Louis, Kenneth Noland et Frank Stella, et d'autres moins connus, tels que Kay Walkingstick, Emma Amos, Richard Anuszkiewicz, Frank Bowling, Marcia Hafif, Al Held, Alvin Loving et Miriam Schapiro. Puisée entièrement dans la collection existante du Whitney, elle offrira un aperçu complet de la véritable diversité de l'expression artistique qui existait durant l'une des périodes les plus fertiles de l'histoire de l'art du XXe siècle. En préparation, voici de brefs portraits de six des artistes moins connus présentés dans l'exposition.

Emma Amos

Lorsque Emma Amos est arrivée pour la première fois à New York au début des années 1960, elle a rencontré de la résistance de la part des universités, qui lui disaient qu'elle était trop jeune pour enseigner, et des galeristes, qui refusaient d'exposer son travail soit parce qu'elle était noire, soit parce qu'elle était femme. Son refuge s'est trouvé auprès d'autres artistes, qui ont enrichi sa longue formation artistique en partageant avec Amos les leçons de leur métier. Elle a appris le textile auprès de Dorothy Liebes ; la gravure auprès de Letterio Calapai ; et les subtilités d'aborder les questions sociales et politiques dans son travail auprès des membres du Spiral Group, dont Amos était la seule femme. Amos s'est longtemps distinguée par son imagination radicale et le courage qu'elle a montré à embrasser plusieurs styles, techniques et références historiques différents. Elle est l'une des grandes pionnières vivantes du postmodernisme.

Emma Amos - Baby, 1966. Huile sur toile. 118,1 × 129,5 cm. Whitney Museum of American Art, New York ; acheté conjointement par le Whitney Museum of American Art, avec des fonds du Comité de peinture et sculpture ; et The Studio Museum in Harlem, achat du musée avec des fonds fournis par Ann Tenenbaum et Thomas H. Lee T.2018.33a-b. © Emma Amos ; avec l'aimable autorisation de l'artiste et de la galerie RYAN LEE, New York.

Richard Anuszkiewicz

Avec Bridget Riley, Richard Anuszkiewicz est l'un des derniers pionniers vivants du mouvement Op Art. Jeune artiste, Anuszkiewicz remarqua que la couleur lui échappait, alors il partit étudier la théorie des couleurs à Yale auprès du grand Josef Albers. La voix visuelle unique qu'Anuszkiewicz développa rendit son travail révolutionnaire pour son époque. Beaucoup louaient son éclat, mais une seule peinture fut vendue lors de sa première exposition personnelle. Heureusement pour Anuszkiewicz, cet unique acheteur fut Alfred F. Barr, Jr., directeur du Museum of Modern Art. Ce seul et puissant admirateur attira l'attention des conservateurs du Whitney, qui l'inclurent rapidement dans une grande exposition collective sur l'abstraction géométrique, et assurèrent sa présence dans The Responsive Eye, l'exposition qui fit connaître l'Op Art.

Richard Anuszkiewicz - The Fourth of the Three, 1963. Acrylique sur panneau de composition. 122,1 × 122,1 cm. Whitney Museum of American Art, New York ; achat avec des fonds des Amis du Whitney Museum of American Art 64.4. © 2019 Richard Anuszkiewicz / Licence VAGA à Artists Rights Society (ARS), New York.

Frank Bowling

À 85 ans, Frank Bowling reçoit enfin la renommée mondiale qu'il mérite depuis des décennies. Ses toiles lumineuses rayonnent de couleur et d'atmosphère. Incorporant sans effort une multitude de méthodes, elles relient diverses positions esthétiques telles que le Pop Art, la Peinture de champs colorés, l'Expressionnisme abstrait, l'Arte Povera et l'Abstraction post-peintre. Plus tard cette année, Bowling sera mis à l'honneur dans une rétrospective monumentale à la Tate Britain, couvrant 60 ans de sa carrière.

Frank Bowling - Dan Johnson's Surprise, 1969. Acrylique sur toile. 294,5 × 264,5 cm. Whitney Museum of American Art, New York ; achat avec des fonds des Amis du Whitney Museum of American Art 70.14. © 2019 Frank Bowling / Licence Artists Rights Society (ARS), New York.

Kay Walkingstick

Parmi les acquisitions les plus récentes incluses dans cette exposition figurent des œuvres de Kay Walkingstick, une artiste amérindienne dont le travail crée des ponts transcendants entre les traditions esthétiques indigènes de ses racines cherokees et les esthétiques du postmodernisme mondial. Walkingstick est une prédécesseure et une influence pour de jeunes artistes indigènes comme Jeffrey Gibson, qui cherchent à explorer les répercussions des universalités partagées par les traditions artistiques anciennes et modernes. La quête de l'universalisme a toujours été cruciale pour Walkingstick, qui a déclaré : « Je veux que tous les peuples gardent leurs cultures — mais je veux aussi encourager une reconnaissance mutuelle d'un être partagé. »

Kay Walkingstick - Night/ᎤᎡᎢ (Usvi), 1991. Huile, acrylique, cire et cuivre sur toile. 92 x 183,5 x 5 cm. Avec l'aimable autorisation du Montclair Art Museum, acheté avec des fonds fournis par Alberta Stout.

Alvin Loving

Alvin Loving a créé un corpus visuellement saisissant qui, entre autres, a défini la couleur comme le facteur unificateur principal entre l'expressionnisme abstrait et l'abstraction géométrique à bords durs. Ses peintures énergiques et gestuelles ainsi que ses collages multimédias axés sur la matière sont émouvants et lyriques. Ses œuvres abstraites géométriques, quant à elles, sont calculées et audacieuses, et figurent parmi les plus saisissantes et intellectuellement stimulantes de sa génération. Contemporain d'artistes comme Sol Le Witt et Victor Vasarely, Loving a porté leurs idées et recherches à un autre niveau, insufflant à son travail une énergie visuelle qui le rend frais et vivant encore aujourd'hui, près d'une génération après sa mort.

Alvin Loving - Septehedron 34, 1970. Acrylique sur toile découpée. 225,1 × 260,4 cm. Whitney Museum of American Art, New York ; don de William Zierler, Inc. en l'honneur de John I. H. Baur 74.65. Avec l'aimable autorisation de la succession d'Al Loving et de la galerie Garth Greenan, New York.

Miriam Schapiro

Icône de l'art féministe, Miriam Schapiro a participé à l'installation révolutionnaire Womanhouse, et est devenue l'une des voix les plus influentes du Mouvement Motif et Décoration. Schapiro a confronté les préjugés sexistes dans le monde de l'art en utilisant des matériaux et techniques associés à la domesticité et à l'artisanat. La maîtrise indéniable, la beauté et l'intégrité intellectuelle de son œuvre ont mis en lumière les absurdités des préjugés patriarcaux qui ont toujours dominé le monde de l'art. La couleur était un élément essentiel de son œuvre, chargeant ses créations d'une énergie électrique, presque vibratoire, et attirant l'attention sur la capacité des éléments esthétiques formels à s'activer comme outils de changement social et politique.

Miriam Schapiro - Mechano/Flower Fan, 1979. Acrylique et collage de tissu sur papier. 76 x 112 cm. Don de Mary Ross Taylor en l'honneur de sa mère, Betty S. Abbott. Musée national des femmes dans les arts.

Image en vedette : Morris Louis - Gamma Delta, 1959-60. Magna sur toile. 262 × 387,4 cm. Whitney Museum of American Art, New York ; achat avec des fonds de la Glen Alden Foundation et de la McCrory Foundation, Inc. 69.57. © 2018 Maryland Institute College of Art (MICA) / Artists Rights Society (ARS), New York.
Toutes les images sont utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio