अवास्तविक चित्रों और उनकी विशेष सौंदर्यशास्त्र की सराहना करना

अमूर्त चित्र कलाकार अनोखी चुनौतियों का सामना करते हैं। जब हम हर चीज़ में चेहरे देखते हैं; इसे पैरेडोलिया कहते हैं। जब हम हर चीज़ को चेहरों में देखते हैं; इसे सहानुभूति कहते हैं। अमूर्त चित्र कहीं बीच के स्थान में रहते हैं, और उनके कलाकारों को दोनों के साथ एक साथ जूझना पड़ता है। कुछ मायनों में, मनुष्यों की वह स्वाभाविक आदत कि वे हर जगह परिचित दृश्य पैटर्न देखते हैं, चाहे वे वास्तव में वहां हों या नहीं, अमूर्त चित्र बनाने वालों के लिए लाभकारी हो सकती है। उन्हें मानव चेहरे या आकृति का संदर्भ लगभग नहीं देना पड़ता, फिर भी वे उसका आभास करवा सकते हैं। लेकिन अमूर्त चित्र में चेहरे और आकृतियों की खोज की लगन दर्शकों को कला के अन्य पहलुओं पर विचार करने से भटका भी सकती है। इसी तरह, अमूर्त चित्रकारों को भी उस स्वाभाविक प्रवृत्ति से लाभ हो सकता है कि दर्शक जब भी किसी परिचित अन्य की छवि को हल्के से भी महसूस करते हैं, सहानुभूति करते हैं। जो भी संवेदनाएँ सहानुभूतिपूर्ण दर्शक किसी छवि को देते हैं, वे उस कृति की अवधारणा के पक्ष में काम कर सकती हैं। लेकिन सहानुभूति समझ में बाधा भी डाल सकती है। किसी परिचित चेहरे या आकृति को पहचानना दर्शक के मन में व्यक्तिगत पूर्वाग्रह, सामान्यीकरण और भय उत्पन्न कर सकता है, जो कलाकार की मूल सोच को कमजोर और उलझा सकता है।

अमूर्त चित्रों की परिभाषा

16वीं सदी में, इतालवी लोगों ने यह तय किया कि कला के लिए कौन से विषय सबसे सम्माननीय हैं। सबसे सम्माननीय विषय को ऐतिहासिक दृश्य माना गया, जो आमतौर पर किसी पौराणिक या धार्मिक घटना का रूप होता था। दूसरा सबसे सम्माननीय विषय चित्र था। पारंपरिक अर्थ में, चित्र को आमतौर पर मानव की छवि के रूप में परिभाषित किया जाता था, जो अक्सर सिर से लेकर धड़ के मध्य तक दिखाया जाता था। लेकिन यह केवल इतना ही नहीं होना चाहिए। चित्र पूरे शरीर को भी दिखा सकता है, या केवल चेहरा भी। और यह केवल मानव की छवि भी नहीं हो सकती। यह किसी भी प्राणी की छवि हो सकती है, मानव, पशु, काल्पनिक, पौराणिक, आध्यात्मिक, या इनका कोई भी संयोजन।

एक अमूर्त चित्र माना जाने के लिए, एक कृति में दो गुण होने चाहिए: पहला, इसे किसी न किसी रूप में चित्रण की अवधारणा का उपयोग करना चाहिए; और दूसरा, यह अमूर्त होना चाहिए, अर्थात् इसे विचारों के क्षेत्र से संबंधित होना चाहिए, या कम से कम वास्तविकता के केवल वस्तुनिष्ठ या प्रतिनिधि दृष्टिकोण से बचना चाहिए। यह जरूरी नहीं कि यह कोई विशेष माध्यम या विधा हो। एक अमूर्त चित्र ड्राइंग या चित्रकला हो सकता है, या अमूर्त चित्र फोटोग्राफी, अमूर्त चित्र मूर्तिकला, अमूर्त चित्र स्थापना, अमूर्त चित्र प्रदर्शन कला आदि भी हो सकते हैं। कोई भी अमूर्त सौंदर्यात्मक घटना जो किसी भी प्राणी की आकृति को शामिल करती है, वास्तविक, काल्पनिक, या किसी भी संयोजन में, उसे अमूर्त चित्र माना जा सकता है।

जोन मिरो - एक महिला का सिर, 1938। कैनवास पर तेल। 18 x 21 5/8 इंच (45.72 x 54.93 सेमी) © कलाकार अधिकार समाज (ARS), न्यूयॉर्क / ADAGP, पेरिस

अपने आप का सामना

व्याख्यात्मक दृष्टिकोण से, अमूर्त चित्रों की सराहना में सबसे कठिन और कभी-कभी सबसे विवादास्पद बात यह है कि वे स्वाभाविक रूप से व्यक्तिगत होते हैं। सामाजिक संरचनावाद यह मानता है कि जीवन के बारे में हमारी सारी समझ हमारे अनुभवों से उत्पन्न होती है, और हमारे सभी शिक्षाप्रद अनुभव सामाजिक संवादों से उत्पन्न होते हैं। मनोवैज्ञानिक दृष्टि से, एक प्राणी का दूसरे प्राणी की छवि को देखना एक सामाजिक संवाद है। एक दर्शक का अमूर्त चित्रों से भरे कमरे के साथ संवाद एक समुदाय बनाता है।

अमूर्त चित्रों की व्यक्तिगत प्रकृति की कठिनाई यह है कि वे अन्य प्रकार की अमूर्त कला की तुलना में कहीं अधिक गहरे और गंभीर विचारों को आमंत्रित करते हैं। उदाहरण के लिए, एक अमूर्त ज्यामितीय मूर्ति या पूरी तरह से अमूर्त रचना जैसे रंग क्षेत्र चित्रकला या एकरंगी चित्रकला को केवल उसकी औपचारिक विशेषताओं, प्रतीकात्मक गुणों, या व्याख्यात्मक या चिंतनशील गुणों के अनुसार ही समझा जा सकता है। लेकिन इन सभी तत्वों के अलावा, अमूर्त चित्र दर्शकों को स्वयं के साथ संवाद करने के लिए भी मजबूर करते हैं।

फ्रैंक ऑरबाख - JYM ll का सिर, 1984-85। कैनवास पर तेल। 660 x 610 मिमी। निजी संग्रह। © फ्रैंक ऑरबाख

व्यक्तिगत होना

इसलिए, अमूर्त चित्रों की सराहना की मुख्य चुनौती अंतर्निहित पूर्वाग्रहों को पार करना है। जब कोई दर्शक एक प्रतिनिधि चित्र देखता है, जो यथासंभव वास्तविकता की नकल करने के लिए बनाया गया हो, तो पहचान का तथ्य दर्शक को उस छवि को सम्मानपूर्वक देखने में मदद करता है। एक कलात्मक और चित्रात्मक कौशल की भावना मांगती है कि चित्र में दर्शाया गया प्राणी विशेष और पूर्ण विचार का पात्र है। लेकिन अमूर्त चित्र अजीब सामान्यीकरण को आमंत्रित करते हैं। यह बात विशेष रूप से उन अमूर्त चित्रों के साथ स्पष्ट होती है जो पहले से हाशिए पर रखे गए समूहों की होती हैं। उदाहरण के लिए, महिलाओं के अमूर्त चित्रों पर विचार करें।

दो सबसे प्रसिद्ध अमूर्त चित्रकार पाब्लो पिकासो और विलेम डी कूनिंग हैं। उन्होंने मिलकर सैकड़ों अमूर्त चित्र बनाए। पिकासो के कई प्रसिद्ध अमूर्त चित्र महिलाओं के थे, जैसे उनका प्रसिद्ध रोती हुई महिला। लेकिन उनका सबसे विवादास्पद अमूर्त चित्र उनकी प्रेमिका मैरी-थेरेस वाल्टर का था, जिसे सपना कहा जाता है। यह चित्र विवादास्पद इसलिए है क्योंकि लोग उस आकृति के सिर में लिंग देखते हैं। इसलिए वे इसे कामुक चित्रकला के रूप में व्याख्यायित करते हैं। लेकिन क्या यह केवल पैरेडोलिया है? या यह सहानुभूति है? या यह पिकासो और मॉडल के संबंध के प्रति एक जासूसी लगाव है? चित्र का अमूर्त होना व्याख्यात्मक छलांगों के लिए दरवाजा खोलता है जो अंतर्निहित पूर्वाग्रहों को प्रकट करते हैं। क्या यह चित्र वास्तव में हमें पिकासो और उनकी प्रेमिका के बारे में कुछ दिखाता है? या यह हमें हमारे बारे में कुछ दिखाता है?

डी कूनिंग की महिलाएं

जब लोग विलेम डी कूनिंग द्वारा बनाई गई महिलाओं के अमूर्त चित्रों को देखते हैं, तो एक समान घटना होती है। जब अन्य अमूर्त डी कूनिंग चित्रों पर चर्चा होती है, तो आमतौर पर उनके भावात्मक गुण, उनकी जीवंत ऊर्जा, उनके विशिष्ट ब्रश के निशान, उनकी विशिष्ट रंग योजना, और उनकी अभिव्यक्तिपूर्ण रचनाओं के माध्यम से व्यक्त तनाव और जुनून की बात की जाती है। उनकी पूरी तरह से अमूर्त रचनाओं को जटिल, सूक्ष्म और शक्तिशाली कहा जाता है। उनके अमूर्त परिदृश्य को भव्य कहा जाता है।

लेकिन महिलाओं के अमूर्त चित्रों के संदर्भ में एक बहुत अलग शब्दावली उपयोग की जाती है। दर्शकों, विशेषकर समीक्षकों द्वारा इन चित्रों का वर्णन करने के लिए सामान्य विशेषण होते हैं: शत्रुतापूर्ण, क्रोधित, हिंसक, पागल, स्त्रीद्वेषी और पागलपन से भरे। डी कूनिंग ने कहा कि जब वे महिलाओं के चित्र बनाते थे, तो वे चाहते थे कि उन्हें केवल अद्वितीय और संभवतः हास्यपूर्ण माना जाए। वे अपनी शैली में महिला आकृति को एक पारंपरिक और फिर भी आधुनिक और अमूर्त तरीके से व्यक्त करने का प्रयास कर रहे थे, जैसा कि पहले किसी ने नहीं किया था। तो इन चित्रों में चित्रण के बारे में ऐसी कौन सी बात है जो इतने मानवीय टिप्पणियों को जन्म देती है? क्या डी कूनिंग ने ये विचार चित्र में डाले या हमने?

विलेम डी कूनिंग - महिला I, 1950–2। कैनवास पर तेल। 192.7 x 147.3 सेमी। © 2018 विलेम डी कूनिंग फाउंडेशन / कलाकार अधिकार समाज (ARS), न्यूयॉर्क (बाएं) / विलेम डी कूनिंग - विलेम महिला, 1949। कैनवास पर तेल, एनामेल, और चारकोल। 152.4 x 121.6 सेमी। निजी संग्रह। © 2018 विलेम डी कूनिंग फाउंडेशन / कलाकार अधिकार समाज (ARS), न्यूयॉर्क (दाएं)

अपने चित्रों में अमूर्त चित्रकारों को देखना

इन चित्रों में मौजूद अंतर्निहित अर्थ के बारे में अपने पूर्वाग्रहों को लागू करने के बजाय, अमूर्त चित्रों की सराहना करने का एक और तरीका यह है कि वे कलाकार की सोच को कैसे संप्रेषित करते हैं, इसे समझा जाए। उदाहरण के लिए, पॉल क्ले के अमूर्त चित्र उनके रंग, रूप और सामंजस्यपूर्ण रचनाओं में रुचि को दर्शाते हैं। वे प्रकृति के ज्यामितीय सार की खोज और अपनी कला में संतुलन पाने के प्रयास को संप्रेषित करते हैं।

इसी तरह, रॉबर्ट डेलोनाय के अमूर्त चित्रों को देखकर हम देख सकते हैं कि वे एक आकृतिवादी चित्रकार से अमूर्तवादी में कैसे विकसित हुए। उनके शुरुआती चित्र, जैसे 1906 में अपने मित्र जीन मेटजिंगर का चित्र, डिवीजनिज्म के उन्नत उपयोग के लिए सराहे जाते हैं। यह चित्र डेलोनाय के रंग के प्रति आकर्षण और विभिन्न रंगों को एक सतह पर एक साथ रखने से उत्पन्न होने वाले अमूर्त दृश्य प्रभावों को दर्शाता है। यह चित्र उनकी उस खोज को भी दर्शाता है जिसमें वे चित्र तल को समतल करना और छवि के सभी भागों को समान महत्व देना चाहते थे।

पॉल क्ले - सेनेसियो, 1922। कैनवास पर तेल। 40 सेमी x 38 सेमी। कुन्स्टम्यूजियम बेसल, बेसल, स्काला / आर्ट रिसोर्स, एनवाई © ARS, NY (बाएं) / रॉबर्ट डेलोनाय - जीन मेटजिंगर का चित्र, 1906। कैनवास पर तेल। 55 x 43 सेमी (दाएं)

अमूर्त चित्र फोटोग्राफी से क्या सीखें

अमूर्त चित्रों की सराहना का सबसे सीधा तरीका है कि उनके द्वारा प्रेरित विचारों का अनुसरण किया जाए। विचार अमूर्त चित्र फोटोग्राफी के केंद्र में होते हैं। मैन रे की तस्वीर नोइर एट ब्लांश में, हम एक महिला मानव मॉडल का चेहरा लकड़ी के मुखौटे के पास देखते हैं। चेहरा और मुखौटा आकार में समान हैं, और दोनों में एक समान अभिव्यक्ति है। यह छवि हमें वस्तुनिष्ठ वास्तविकता दिखाने के बावजूद प्रश्न करती है कि क्या एक तस्वीर हमें वास्तविकता दिखा सकती है, हमारे अपने चेहरे की सच्चाई को चुनौती देते हुए। यह दर्शक से पूछती है, "मुकौटा कौन सा है?"

बहुत अलग, लेकिन विचारों पर आधारित, विक्टर ऑब्ज़ाट्ज़ द्वारा 1953 में ली गई मार्सेल डुशांप की दोहरी छवि वाली चित्र फोटोग्राफी है। इसमें एक चिंतनशील डुशांप की खिड़की की ओर देखती छवि है, और उसके ऊपर एक मुस्कुराते हुए, आनंदित डुशांप की छवि सुपरइम्पोज़ की गई है जो हमें देख रही है। यह हमें गंभीर विचारक और खेलपूर्ण, व्यंग्यात्मक जोकर दोनों दिखाती है, जो इस कलाकार के व्यक्तित्व के हिस्से थे। यह तस्वीर हमें सभी अमूर्त चित्रों की सराहना करना सिखाती है; ऐसी छवियां जो वास्तविकताओं को मिलाती हैं, दुनिया के भीतर दुनिया की दृष्टि हैं। वे हमें अपनी छवि दिखाती हैं, और साथ ही संकेत देती हैं कि हमारे बारे में हमसे अधिक कुछ है।

मुख्य छवि: साल्वाडोर डाली - गैलेटिया ऑफ द स्फीयर, 1952। कैनवास पर तेल। डाली थिएटर और संग्रहालय, फिगुएरेस, स्पेन। © साल्वाडोर डाली, फंडासियो गाला-साल्वाडोर डाली, फिगुएरेस, 2018।
सभी चित्र केवल उदाहरण के लिए उपयोग किए गए हैं
फिलिप Barcio द्वारा