अवास्तविक चित्रों और उनकी विशेष सौंदर्यशास्त्र की सराहना करना

अब्द्स्ट्रैक्ट पोर्ट्रेट कलाकार अजीब चुनौतियों का सामना करते हैं। जब हम हर चीज़ में चेहरे देखते हैं; इसे पैरिडोलिया कहा जाता है। जब हम चेहरों में हर चीज़ देखते हैं; इसे सहानुभूति कहा जाता है। अब्स्ट्रैक्ट पोर्ट्रेट्स एक ऐसी जगह में निवास करते हैं जो इन दोनों के बीच है, और उनके कलाकारों को दोनों के साथ एक साथ निपटना पड़ता है। कुछ तरीकों से, मनुष्यों की प्राकृतिक आदत जो हर जगह परिचित दृश्य पैटर्न को देखने की होती है, चाहे वे वास्तव में वहां हों या नहीं, अब्स्ट्रैक्ट पोर्ट्रेट्स के निर्माताओं के लिए फायदेमंद हो सकती है। उन्हें इसे जगाने के लिए मानव चेहरे या आकृति का संदर्भ देने की आवश्यकता नहीं होती है। लेकिन एक अब्स्ट्रैक्ट छवि में चेहरों और आकृतियों की तलाश करने की जुनून भी दर्शकों को कला के अन्य पहलुओं पर विचार करने से हटा सकता है। इसी तरह, अब्स्ट्रैक्ट पोर्ट्रेट पेंटर्स को इस प्राकृतिक प्रवृत्ति का लाभ मिल सकता है कि दर्शक जब भी वे किसी पहचाने जाने वाले अन्य की छवि को, भले ही हल्के से, देखते हैं, तो सहानुभूति व्यक्त करते हैं। एक सहानुभूतिपूर्ण दर्शक द्वारा किसी छवि पर डाले गए संवेदनाओं का काम के विचार के पक्ष में काम कर सकता है। लेकिन सहानुभूति समझने में भी बाधा डाल सकती है। कला के एक काम में एक परिचित चेहरे या आकृति की पहचान दर्शक के मन में व्यक्तिगत पूर्वाग्रह, सामान्यीकरण और चिंता को जन्म दे सकती है, जो कलाकार के मूल विचारों को कमजोर और उलझा सकती है।

अवास्तविक चित्रों की परिभाषा

16वीं सदी में, इटालियंस ने यह विकसित किया कि कला के काम के लिए कौन से विषय सबसे सम्माननीय हैं। सबसे सम्माननीय विषय वस्तु ऐतिहासिक दृश्य मानी जाती थी, जो आमतौर पर किसी प्रकार के पौराणिक या धार्मिक एपिसोड के रूप में समाप्त होती थी। दूसरी सबसे सम्माननीय विषय वस्तु पोर्ट्रेट थी। एक शास्त्रीय अर्थ में, पोर्ट्रेट को आमतौर पर मानव की छवि के रूप में परिभाषित किया जाता था, जिसे अक्सर सिर से लेकर लगभग धड़ के मध्य तक चित्रित किया जाता था। लेकिन यह केवल वही नहीं होना चाहिए। एक पोर्ट्रेट पूरे शरीर को भी चित्रित कर सकता है, या केवल चेहरे को। और यह केवल मानव की छवि नहीं होनी चाहिए। यह किसी भी प्राणी की छवि हो सकती है, मानव, पशु, काल्पनिक, पौराणिक, आध्यात्मिक, या इनमें से किसी भी संयोजन की।

एक अब्स्ट्रैक्ट पोर्ट्रेट के रूप में माना जाने के लिए, एक कलाकृति में दो क्षमताएँ शामिल होनी चाहिए: पहले, इसे किसी न किसी तरीके से पोर्ट्रेट के सिद्धांत का उपयोग करना चाहिए; और दूसरे, इसे अमूर्त होना चाहिए, जिसका अर्थ है कि इसे विचारों के क्षेत्र से संबंधित होना चाहिए, या कम से कम वास्तविकता के प्रति एक पूरी तरह से वस्तुगत या प्रतिनिधित्वात्मक दृष्टिकोण से बचना चाहिए। इसे एक विशेष माध्यम या अनुशासन होना आवश्यक नहीं है। एक अमूर्त पोर्ट्रेट एक चित्रण या एक पेंटिंग हो सकता है, या अमूर्त पोर्ट्रेट फोटोग्राफी, अमूर्त पोर्ट्रेट मूर्तिकला, अमूर्त पोर्ट्रेट स्थापना, अमूर्त पोर्ट्रेट प्रदर्शन कला आदि भी हो सकते हैं। कोई भी अमूर्त सौंदर्यात्मक घटना जो किसी भी प्राणी, वास्तविक, काल्पनिक, या उनके किसी भी संयोजन के रूप को शामिल करती है, उसे एक अमूर्त पोर्ट्रेट माना जा सकता है।

Joan Miro - Head of a Woman, 1938. Oil on canvas. 18 x 21 5/8 in. (45.72 x 54.93 cm) © Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris

स्वयं का सामना

व्याख्यात्मक दृष्टिकोण से, अमूर्त चित्रों की सराहना में सबसे कठिन और कभी-कभी सबसे विवादास्पद बात यह है कि वे स्वाभाविक रूप से व्यक्तिगत होते हैं। सामाजिक निर्माणवाद यह मानता है कि जीवन के बारे में हमारी जो भी समझ है, वह हमारे अनुभवों से निकलती है, और हमारे सभी शिक्षाप्रद अनुभव सामाजिक इंटरैक्शन से उत्पन्न होते हैं। मनोवैज्ञानिक दृष्टिकोण से, एक प्राणी का दूसरे प्राणी की छवि को देखना एक सामाजिक इंटरैक्शन है। एक दर्शक जो अमूर्त चित्रों से भरे कमरे के साथ इंटरैक्ट कर रहा है, वह एक समुदाय का निर्माण करता है।

अवास्तविक चित्रों की व्यक्तिगत प्रकृति के बारे में जो कठिनाई है, वह यह है कि वे अन्य प्रकार की अवास्तविक कला द्वारा आमंत्रित की जा सकने वाली गहराई और अधिक गहन विचारों को आमंत्रित करते हैं। उदाहरण के लिए, एक अवास्तविक ज्यामितीय मूर्ति या एक पूरी तरह से अवास्तविक रचना जैसे कि एक रंग क्षेत्र चित्र या एक मोनोक्रोम केवल इसके औपचारिक गुणों, या इसके प्रतीकात्मक गुणों, या इसके व्याख्यात्मक या ध्यानात्मक गुणों के अनुसार बातचीत की जा सकती है। लेकिन इन सभी तत्वों के अलावा, अवास्तविक चित्र भी दर्शकों को अपने साथ बातचीत करने के लिए मजबूर करते हैं।

Frank Auerbach - Head of JYM ll, 1984-85. Oil on canvas. 660 x 610 mm. Private collection. © Frank Auerbach

व्यक्तिगत होना

इसलिए अमूर्त चित्रों की सराहना करने की मुख्य चुनौती अंतर्निहित पूर्वाग्रहों को पार करना है। जब एक दर्शक एक प्रतिनिधि चित्र को देखता है, जो वास्तविकता की नकल करने के लिए बनाया गया है, तो पहचान का केवल तथ्य दर्शक को छवि को सम्मानपूर्वक देखने में मदद करता है। कलात्मक और चित्रात्मक कौशल की एक भावना यह मांग करती है कि चित्र में दर्शाए गए व्यक्ति को विशेष और पूर्ण विचार की आवश्यकता है। लेकिन अमूर्त चित्र अजीब सामान्यीकरणों को आमंत्रित करते हैं। एक क्षेत्र जहां यह स्पष्ट है, वह पहले से ही हाशिए पर पड़े जनसंख्या के अमूर्त चित्रों के साथ है। उदाहरण के लिए, महिलाओं के अमूर्त चित्रों पर विचार करें।

दो सबसे प्रसिद्ध अमूर्त चित्रकारों में पाब्लो पिकासो और विलेम डी कूनिंग शामिल हैं। उन्होंने मिलकर सैकड़ों अमूर्त चित्र बनाए। पिकासो द्वारा बनाए गए सबसे प्रसिद्ध अमूर्त चित्रों में से कई महिलाएं थीं, जैसे कि उनकी प्रसिद्ध रोती हुई महिला। लेकिन उनका सबसे विवादास्पद एक अमूर्त चित्रकला था, जो उनकी प्रेमिका मैरी-थेरसे वाल्टर का था, जिसे द ड्रीम कहा जाता है। यह चित्र विवादास्पद है क्योंकि लोग सोचते हैं कि वे आकृति के सिर में एक लिंग देख रहे हैं। इसलिए वे इसे एक यौन चित्र के रूप में व्याख्यायित करते हैं। लेकिन क्या यह केवल पैरिडोलिया है? या यह सहानुभूति है? या यह पिकासो के मॉडल के साथ संबंध के प्रति एक व्यूरिस्टिक चिंता है? तथ्य यह है कि चित्र अमूर्त है, व्याख्यात्मक कूदने के लिए दरवाजा खोलता है जो अंतर्निहित पूर्वाग्रहों को सामने लाने की अनुमति देता है। क्या चित्र वास्तव में हमें पिकासो और उनकी प्रेमिका के बारे में कुछ दिखाता है? या यह हमें अपने बारे में कुछ दिखाता है?

डे कूनिंग की महिलाएँ

जब लोग विलेम डी कूनिंग द्वारा महिलाओं के बनाए गए अमूर्त चित्रों को देखते हैं, तो एक समान घटना होती है। जब अन्य अमूर्त डी कूनिंग पेंटिंग्स पर चर्चा की जाती है, तो जिन गुणों का सबसे अधिक उल्लेख किया जाता है, वे हैं उनकी इशारों की गुणवत्ता, उनकी जीवंत ऊर्जा, उनके विशिष्ट ब्रश मार्क्स, उनके विशिष्ट रंगों की योजना, और उनके अभिव्यक्तिशील रचनाओं के माध्यम से व्यक्त की गई तनाव और जुनून। उनकी पूरी तरह से अमूर्त रचनाओं को जटिल, पेचीदा और शक्तिशाली कहा जाता है। उनकी अमूर्त परिदृश्यों को अद्भुत कहा जाता है।

लेकिन जब महिलाओं के लिए डि कूनिंग द्वारा बनाए गए अमूर्त चित्रों का संदर्भ दिया जाता है, तो एक बहुत अलग शब्दावली का उपयोग किया जाता है। दर्शकों, विशेष रूप से आलोचकों द्वारा इन चित्रों का वर्णन करने के लिए सामान्य विशेषण अधिकतर शत्रुतापूर्ण, क्रोधित, हिंसक, पागल, स्त्रीविरोधी और पागलपन के करीब होते हैं। डि कूनिंग ने नोट किया कि जब उन्होंने महिलाओं के अपने चित्र बनाए, तो वे उम्मीद कर रहे थे कि उन्हें बस अद्वितीय और संभवतः हास्यपूर्ण के रूप में देखा जाएगा। वे अपनी शैली में महिला रूप को एक शास्त्रीय और फिर भी आधुनिक और अमूर्त तरीके से व्यक्त करने की कोशिश कर रहे थे, जैसा कि पहले किसी ने नहीं किया था। तो इन चित्रों में चित्रण के बारे में ऐसा क्या है जो ऐसे मानवविज्ञान संबंधी टिप्पणियों को सामने लाता है? क्या डि कूनिंग ने उन विचारों को चित्र में डाला या हमने?

Willem de Kooning - Woman I, 1950–2. Oil on canvas. 192.7 x 147.3 cm. © 2018 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York (Left) / Willem de Kooning - Willem Woman, 1949. Oil, enamel, and charcoal on canvas. 152.4 x 121.6 cm. Private Collection. © 2018 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York (Right)

अपने चित्रों में अमूर्त चित्रकारों को देखना

इन चित्रों में निहित अर्थ के बारे में अपनी पूर्वाग्रहों को खेलने के बजाय, अमूर्त चित्रों की सराहना करने का एक और तरीका यह है कि हम उन तरीकों की व्याख्या करें जिनसे वे उस कलाकार के विचारों को संप्रेषित करते हैं जिसने उन्हें बनाया। उदाहरण के लिए, पॉल क्ले के अमूर्त चित्र इस चित्रकार की रंग, रूप और सामंजस्यपूर्ण रचनाओं में रुचि को दर्शाते हैं। वे प्रकृति के ज्यामितीय सार की खोज और अपने कला में उस संतुलन को पकड़ने की कोशिश को संप्रेषित करते हैं।

इसी तरह, रॉबर्ट डेलौने के अमूर्त चित्रों को देखकर, हम देख सकते हैं कि वह एक चित्रात्मक चित्रकार से अमूर्त चित्रकार में कैसे विकसित हुए। 1906 में अपने मित्र जीन मेटजिंगर का जो चित्र उन्होंने बनाया, जैसे प्रारंभिक चित्रों की प्रशंसा उनके उन्नत विभाजनवाद के उपयोग के लिए की जा सकती है। यह चित्र डेलौने की रंगों के प्रति रुचि को दर्शाता है, और जब विभिन्न रंगों को एक सतह पर एक-दूसरे के बगल में रखा जाता है, तो उत्पन्न होने वाले विभिन्न अमूर्त दृश्य प्रभावों को भी। यह चित्र की सतह को समतल करने और छवि के सभी भागों को समान ध्यान देने की उनकी खोज को भी संप्रेषित करता है।

Paul Klee - Senecio, 1922. Oil on canvas. 40 cm x 38 cm. Kunstmuseum Basel, Basel, Scala / Art Resource, NY © ARS, NY (Left) / Robert Delaunay - Portrait de Jean Metzinger, 1906. Oil on canvas. 55 x 43 cm (Right)

एब्स्ट्रैक्ट पोर्ट्रेट फोटोग्राफी क्या सिखाती है

अवास्तविक चित्रों की सराहना करने का सबसे सीधा तरीका यह है कि हम उन विचारों के मार्ग का पालन करें जो वे प्रेरित करते हैं। विचार अवास्तविक चित्र फोटोग्राफी के लिए केंद्रीय हैं। मैन रे की तस्वीर Noire et Blanche में, हम एक महिला मानव मॉडल का चेहरा देखते हैं जो एक लकड़ी के मुखौटे के बगल में पोज़ कर रहा है। चेहरा और मुखौटा एक समान आकार के हैं, और दोनों एक सामान्य अभिव्यक्ति साझा करते हैं। यह छवि हमें वस्तुनिष्ठ वास्तविकता दिखाने के बावजूद, यह सवाल उठाती है कि क्या एक तस्वीर हमें वास्तविकता दिखा सकती है, हमारे अपने चेहरे की सच्चाई को चुनौती देकर। यह दर्शक से पूछ रही है, "कौन सा मुखौटा है?"

काफी अलग, लेकिन विचारों में भी आधारित, यह डबल इमेज पोर्ट्रेट फ़ोटोग्राफ़ है जो मार्सेल ड्यूचंप का है, जिसे विक्टर ओब्ज़ात्ज़ ने 1953 में लिया था। यह एक चिंतनशील ड्यूचंप की छवि दिखाता है जो खिड़की से बाहर देख रहा है, और इसके ऊपर एक मुस्कुराते हुए, आनंदित ड्यूचंप की छवि है जो हमारी ओर देख रहा है। यह हमें गंभीर विचारक और खेलपूर्ण, व्यंग्यात्मक मजाकिया व्यक्ति दोनों को दिखाता है, जो इस कलाकार में समाहित हैं। यह फ़ोटोग्राफ़ हमें सभी अमूर्त पोर्ट्रेट्स की सराहना करना सिखाता है; जैसे कि छवियाँ जो वास्तविकताओं को जोड़ती हैं, जैसे कि दुनिया के भीतर दुनिया के दृष्टिकोण। ये हमें अपने आप की एक छवि दिखाते हैं, और यह भी संकेत देते हैं कि हमारे बारे में जानने के लिए और भी बहुत कुछ है।

विशेष चित्र: सल्वाडोर डाली - गैलेटिया ऑफ़ द स्पीयर्स, 1952। कैनवास पर तेल। डाली थियेटर और संग्रहालय, फिगुएरेस, स्पेन। © सल्वाडोर डाली, फंडेशियन गाला-सल्वाडोर डाली, फिगुएरेस, 2018।
सभी चित्र केवल उदाहरणात्मक उद्देश्यों के लिए उपयोग किए गए हैं
फिलिप Barcio द्वारा