अर्शिल गॉर्की को 2019 में पहला इतालवी रेट्रोस्पेक्टिव मिलेगा
वेनेशिया में कै' पेसारो अंतरराष्ट्रीय आधुनिक कला दीर्घा 2019 में एक महत्वाकांक्षी अर्शिले गोरकी पुनरावलोकन प्रदर्शनी आयोजित करेगी। जिसका शीर्षक होगा “अर्शिले गोरकी: 1904 – 1948,” यह 58वें वेनेशिया बिएनाले के साथ चलेगी। यह इटली में आयोजित पहली व्यापक गोरकी सर्वेक्षण होगी, और इसके क्यूरेटर कलाकार के बारे में एक नई सिद्धांत प्रस्तुत करने की आशा रखते हैं: कि उनके परिपक्व शैली के आधार “उनके करियर के सबसे प्रारंभिक चरणों से ही मौजूद थे।” गोरकी के बारे में लिखते समय, अधिकांश समीक्षक उनकी पेंटिंग्स में मौजूद विभिन्न प्रभावों की ओर इशारा करते हैं। वे कहते हैं कि उनके प्रारंभिक कार्य पॉल सेज़ान से प्रभावित थे; उनके मध्यकालीन कार्य पाब्लो पिकासो, जॉर्ज ब्राक, और पिएट मोंड्रियन से प्रभावित थे; और उनके परिपक्व कार्य जोआन मिरो से प्रभावित थे। “अर्शिले गोरकी: 1904 – 1948” इस धारणा को खारिज करने का लक्ष्य रखता है। यदि यह सफल होता है, तो यह इस आकर्षक कलाकार की प्रतिष्ठा के लिए एक बड़ी सेवा होगी और साथ ही उनकी विरासत का विश्लेषण करने के लिए एक नई दृष्टि भी प्रदान करेगा। क्या वह वास्तव में छापवाद, क्यूबिज्म, अतियथार्थवाद और अमूर्त अभिव्यक्तिवाद के बीच एक आधुनिकतावादी सेतु थे, जैसा कि इतिहासकार अक्सर तर्क करते हैं? या वह वास्तव में पहले उत्तर-आधुनिकतावादी थे? आखिरकार, उन्होंने इस विचार को अस्वीकार किया कि सिद्धांत और कला ऐतिहासिक कथाएँ व्यक्तिगत कलात्मक प्रेरणाओं से ऊपर हैं। और उत्तर-आधुनिकतावादियों की तरह, वे भी दर्शक के उस अंतर्निहित अधिकार में विश्वास करते थे कि वे अपनी व्यक्तिगत व्याख्या के साथ कला के कार्य को “पूरा” कर सकते हैं। यदि यह प्रदर्शनी वह सब कुछ साबित कर पाती है जो हो सकती है, तो गोरकी को अन्य शैलियों की नकल करने वाला या अनुकरण करने वाला कहने के बजाय, हम उन्हें पहले उपार्जन कलाकार के रूप में देख सकते हैं, एक अग्रगामी विचारक जो एक ही समय में अतीत की प्रामाणिकता और मौलिकता का उत्सव मनाते और प्रश्न करते थे।
व्यक्तिगत शैली का निर्माण
“अर्शिले गोरकी: 1904 – 1948” में सबसे प्रारंभिक कृतियाँ 1920 के दशक की होंगी, जब गोरकी पहली बार संयुक्त राज्य अमेरिका पहुँचे थे। 1904 में तुर्की में जन्मे गोरकी ने अपने बचपन के वर्ष एक शरणार्थी के रूप में बिताए, जब वे अपनी बहन और माँ के साथ ओटोमन तुर्कों द्वारा किए गए आर्मेनियाई नरसंहार से भागे थे। जब गोरकी 14 वर्ष के थे, तब उनकी माँ भूख से उनकी बाँहों में मर गईं। 1919 में, वे और उनकी बहन अमेरिका भागने में सफल रहे और अपने पिता से जुड़ गए, जो प्रोविडेंस, रोड आइलैंड में रहते थे, जहाँ वे कई वर्ष पहले आकर बसे थे। यहीं गोरकी ने अपनी पहली औपचारिक कलात्मक शिक्षा प्राप्त की। उन्होंने बोस्टन के न्यू स्कूल ऑफ डिज़ाइन में पढ़ाई के दौरान सेज़ान के कार्यों से परिचय पाया। 1925 में, वे न्यूयॉर्क शहर चले गए और ग्रैंड सेंट्रल स्कूल ऑफ आर्ट और नेशनल अकादमी ऑफ डिज़ाइन में कक्षाएँ लीं, जहाँ उन्होंने जर्मन अभिव्यक्तिवाद, फॉविज़्म, क्यूबिज्म, और अतियथार्थवाद जैसी आधुनिकतावादी शैलियों का अनुभव किया।
अर्शिले गोरकी - आत्मचित्र, लगभग 1937, कैनवास पर तेल, 141 x 86.4 सेमी / 55 ½ x 34 इंच। © 2018 द अर्शिले गोरकी फाउंडेशन / कलाकार अधिकार समाज (ARS), न्यूयॉर्क
न्यूयॉर्क वह जगह भी थी जहाँ गोरकी ने अपने जैसे अन्य प्रवासी कलाकारों से मुलाकात की, जो दुनिया के अन्य युद्धग्रस्त देशों से भागे थे। इन समान विचारधारा वाले लोगों से संपर्क में आने से उन्हें अमेरिका द्वारा प्रदान किए गए अवसर का एहसास हुआ। उन्होंने खुद को पुनः आविष्कार करने और अपनी कला से जो चाहें बनाने का अधिकार महसूस किया। उन्होंने अपना नाम वॉस्टानिक मनौग अडोयान से बदलकर अर्शिले गोरकी रख लिया और उन विभिन्न शैलियों से उदारतापूर्वक प्रेरणा ली जिनसे वे परिचित हो रहे थे। “स्टेटन आइलैंड” (1927) पोस्ट-इम्प्रेशनिज्म और फॉविज़्म की झलक देता है। “स्टिल लाइफ विद पिचर” (1928) संश्लेषित क्यूबिज्म की ओर संकेत करता है। “ऑर्गनाइजेशन (1933-36)” डि स्टाइल का संदर्भ देता है। फिर भी इन पेंटिंग्स में से कोई भी यह नहीं दिखाती कि गोरकी वास्तव में इन शैलियों के दर्शन में विश्वास करते थे। उन्होंने केवल उनकी रूपात्मक प्रवृत्तियों को अपनाया—बाकी सब कुछ उन्होंने अपना बना लिया। जैसे उन्होंने अपने नाम और पहचान के टुकड़ों को दूसरों के नामों और पहचानों से जोड़कर बनाया, वैसे ही उन्होंने अपनी सौंदर्यशास्त्र शैली को अतीत की शैलियों के टुकड़ों से बनाया।
अर्शिले गोरकी - द लिमिट, 1947, कागज पर तेल, कैनवास पर चढ़ाया गया, 128.9 x 157.5 सेमी / 50 3/4 x 62 इंच। © 2018 द अर्शिले गोरकी फाउंडेशन / कलाकार अधिकार समाज (ARS), न्यूयॉर्क
सार्वजनिक-निजी साझेदारी
“अर्शिले गोरकी: 1904 – 1948” में अधिकांश ध्यान उनके जीवन के अंतिम पाँच वर्षों पर केंद्रित होगा। उनके बचपन की दुखद स्थिति के बावजूद, उनके अंतिम वर्ष सबसे दुखद माने जाते हैं। गंभीर स्वास्थ्य समस्याओं और प्रेम संबंधों की परेशानियों की एक श्रृंखला के बाद उनके स्टूडियो में आग लग गई, जिससे उनका अधिकांश कार्य नष्ट हो गया, और अंततः 1948 में गोरकी ने आत्महत्या कर ली। इस भयानक समय के बीच उन्होंने अपनी सबसे मनमोहक पेंटिंग्स बनाई। उन्होंने पूरी तरह से अमूर्त सौंदर्यशास्त्र अपनाया, लेकिन प्रत्येक चित्र को एक कथा शीर्षक दिया जो उनके अपने जीवन के एक अंतरंग विवरण को संदर्भित करता था। ये अंतिम चित्र अक्सर अतीत के अन्य कलाकारों के कार्यों से तुलना नहीं किए जाते; बल्कि इन्हें भविष्य की कलाओं के रूप में माना जाता है। “हाउ माई मदर्स एम्ब्रॉयडर्ड एप्रन अनफोल्ड्स इन माई लाइफ” (1944) में ढीली रचना, गीतात्मक ब्रश स्ट्रोक और स्वतंत्र रूप से टपकती हुई रंग की छींटें इतनी सहज हैं कि इन्हें 20 साल बाद जोआन मिशेल द्वारा बनाया गया माना जा सकता है। “मेकिंग द कैलेंडर” (1947) में दाग, खरोंच और चित्रकारी के निशान इतने प्राकृतिक हैं कि इन्हें तीन दशक बाद साई ट्वॉम्बली द्वारा बनाया गया माना जा सकता है।
अर्शिले गोरकी - मास्टर बिल का चित्र, लगभग 1937, कैनवास पर तेल, 132.4 x 101.9 सेमी / 52 1/8 x 40 1/8 इंच। © 2018 द अर्शिले गोरकी फाउंडेशन / कलाकार अधिकार समाज (ARS), न्यूयॉर्क
ये अंतिम चित्र भी एक मुख्य कारण हैं कि गोरकी को अमूर्त अभिव्यक्तिवादियों पर इतना प्रभावशाली माना जाता है। यह उनके जीवन का वह समय था जब कहा जाता है कि उन्होंने विलेम डी कूनिंग को उनकी आवाज़ खोजने में मदद की, और जैकसन पोलक को उनकी अवचेतन से जुड़ने में सहायता दी। लेकिन मुझे आशा है कि वेनेशिया में यह आगामी प्रदर्शनी यह साबित करेगी कि ये बातें गोरकी के सिखाने की सीमा नहीं थीं। वे केवल अपने समकालीनों को किसी विशेष विधि का पालन करने के लिए नहीं कह रहे थे। वे उन्हें आत्मनिर्भरता सिखा रहे थे; कि वे सभी शैलियों और विधियों को एक साथ मिलाकर अपनी राह खोजने के लिए स्वतंत्र थे। उनकी अपनी विधि उन सभी चीज़ों का मिश्रण थी जो उन्होंने कभी देखी और अनुभव की थीं। उनके जैसा, यह आंशिक सत्य, आंशिक कल्पना, आंशिक यथार्थवाद, और आंशिक अमूर्तता थी। “अर्शिले गोरकी: 1904 – 1948” उम्मीद है कि गोरकी को इस तरह पुनर्परिभाषित करेगा—न कि एक अनुकरणकर्ता के रूप में, बल्कि 20वीं सदी के पहले कलाकारों में से एक के रूप में जिन्होंने कलाकार की स्वतंत्रता को अपनाया कि वे यह न मानें कि कलात्मक आंदोलनों का कोई एक समय या कलाकारों का कोई एक शैली से संबंध होता है।
“अर्शिले गोरकी: 1904 – 1948” 8 मई से 22 सितंबर 2019 तक कै’ पेसारो अंतरराष्ट्रीय आधुनिक कला दीर्घा, वेनेशिया में प्रदर्शित होगी।
मुख्य छवि: अर्शिले गोरकी - वन ईयर द मिल्कवीड, 1944, कैनवास पर तेल, 94.2 x 119.3 सेमी / 37 1/16 x 46 15/16 इंच। नेशनल गैलरी ऑफ आर्ट, वाशिंगटन, डी.सी. ऐल्सा मेलोन ब्रूस फंड © 2018 द एस्टेट ऑफ अर्शिले गोरकी / कलाकार अधिकार समाज (ARS), न्यूयॉर्क।
फिलिप Barcio द्वारा
