Mnuchin Gallery में रंगीन अमूर्त कला की खुशी

न्यूयॉर्क में म्नुचिन गैलरी वर्तमान में The Joy of Color प्रदर्शित कर रही है, जो 1939 से 2018 तक के रंगीन अमूर्त कला का एक उत्सवात्मक समूह शो है। यह प्रदर्शनी इस बात की अनूठी झलक प्रदान करती है कि कलाकार रंग को सामग्री और अवधारणा दोनों के रूप में कैसे सक्रिय करते हैं। इसमें कई ऐतिहासिक रूप से महत्वपूर्ण कलाकारों के काम शामिल हैं, जिनका प्रतिनिधित्व गैलरी करती है, जैसे कि अलेक्जेंडर कैल्डर, जोआन मिशेल, मार्क रोथको, मॉरिस लुईस, और सैम गिलियम, साथ ही 20वीं सदी के अग्रणी कलाकारों जैसे कि हेलेन फ्रैंकेंथालर, अल्मा थॉमस, केनेथ नोलैंड और जैक बुश के काम भी शामिल हैं। इसमें समकालीन कलाकारों जैसे कि लॉरा ओवेन्स और शॉन स्कली के साथ-साथ नए कलाकारों जैसे कि सारा क्रॉwner और नथली प्रोवोस्टी के चित्र भी शामिल हैं। कुछ न्यू यॉर्कर्स के लिए, यह शो म्नुचिन स्थान पर लौटने का सही अवसर हो सकता है। 2016 में, न्यूयॉर्क मैगज़ीन के कला समीक्षक जेरी साल्ट्ज़ ने "Why I Am Not going to the Mnuchin Gallery Anymore" शीर्षक से एक भड़ास प्रकाशित की। उन्होंने गैलरी के मालिक रॉबर्ट म्नुचिन के बेटे स्टीवन म्नुचिन को उस समय के राष्ट्रपति पद के उम्मीदवार डोनाल्ड ट्रम्प के लिए अभियान वित्त प्रमुख के रूप में नामित किए जाने को अपने कारण के रूप में उद्धृत किया। उस लेख के प्रकाशन के बाद, स्टीवन म्नुचिन को संयुक्त राज्य अमेरिका के ट्रेजरी सचिव के रूप में नामित किया गया। कला से संबंधित कारणों के बिना, और विचारधारा से संबंधित सभी कारणों के लिए, साल्ट्ज़ ने अपने पाठकों को बेटे के कथित राजनीतिक पापों के लिए कला बेचने वाले पिता को दंडित करने के लिए प्रोत्साहित किया। ऐसा निर्मित नाटक हास्यास्पद है, लेकिन फिर भी, जो कोई भी सामाजिक दबाव में आया है, उसे The Joy of Color को गैलरी को एक नई मौका देने का सही बहाना मानना चाहिए। यह प्रदर्शनी एक छोटे लेकिन महत्वपूर्ण संग्रहालय के आधुनिक और समकालीन अनुभाग के माध्यम से चलने के अधिक समान है, न कि एक वाणिज्यिक गैलरी के माध्यम से चलने के। यह काम ठीक से प्रदर्शित करता है कि कैसे अमूर्त कला अपने सर्वश्रेष्ठ रूप में तुच्छ राजनीति को पार करने की क्षमता रखती है और इस दुनिया में सुंदर और अर्थपूर्ण चीजों के लिए नई धाराओं के दरवाजे खोलती है।

रणनीति के रूप में रंग

रंगों की खुशी एक विनम्र काल्डर मोबाइल के साथ सीढ़ी के पास छत से लटकता है। लाल, पीला, सफेद और ग्रे अमूर्त रूप हमारे शरीरों और सांसों द्वारा निर्मित हल्की हवा में धीरे-धीरे घूमते हैं। काल्डर ने लोगों को "अलग-अलग शरीरों के अंतरिक्ष में तैरने के विचार" के बारे में सोचने के लिए रंग का उपयोग किया। ये मनमोहक रंगीन रूप कुछ ऐसा प्रदान करते हैं जिसमें भौतिकी और यांत्रिकी जैसे सार्वभौमिक मुद्दों पर विचार करते समय आनंद लिया जा सके। मोबाइल के आगे, एक मेहराब के दोनों ओर दो छोटे चित्र हैं। बाईं ओर "लोड" (2018) है, जो नाथली प्रोवोस्टी द्वारा है। दाईं ओर एक बिना शीर्षक का रंग क्षेत्र है, जो मार्क रोथको द्वारा, लगभग 1959 का है। दोनों रचनाएँ संरचित, सपाट और आयताकार हैं। दोनों रंग में सूक्ष्म बदलावों का उपयोग करते हैं ताकि दर्शक को एक चिंतनशील अनुभव में आमंत्रित किया जा सके। यहाँ रंग सामग्री नहीं है, बल्कि यह हमारे आंतरिक अस्तित्व के साथ एक संवेदनात्मक मुठभेड़ में प्रवेश का एक बिंदु है। विशेष रूप से प्रोवोस्टी का चित्र, जिसमें पीले रंग के सूक्ष्म भिन्नताएँ हैं, समान रूपों के बीच सूक्ष्म अंतर को उजागर करता है—केवल सामान्यीकरण करके हम इसे एक मोनोक्रोम कह सकते हैं। हर पीला एक जैसा नहीं होता।

Nathlie Provosty - Lode, 2018. लिनन पर तेल, एल्युमिनियम पैनल पर। 19 x 15 इंच (48.3 x 38.1 सेमी)। © Nathlie Provosty. सौजन्य Mnuchin Gallery

प्रदर्शनी में अन्य चित्र जो रंग का उपयोग करते हैं ताकि अन्य प्रकार की सामग्री को संलग्न किया जा सके, उनमें "Aleph Series V" (1960) मोरिस लुईस द्वारा, "Landline Green Bolt" (2018) शॉन स्कली द्वारा, 2006 का एक बिना शीर्षक चित्र लौरा ओवेन्स द्वारा, और 1958 का एक बिना शीर्षक कैनवास जोआन मिशेल द्वारा शामिल हैं। लुईस का चित्र हमारे नेत्रों को इसके किनारे के चारों ओर कंपनकारी रंग संबंधों के साथ आकर्षित करता है, लेकिन जैसे-जैसे रंग केंद्र में अंधकार में विलीन होते हैं, हम सतह के प्रति अधिक जागरूक हो जाते हैं: बिना प्राइम किया गया कैनवास रंग के साथ एक हो जाता है जैसे रंग और रूप एक-दूसरे के साथ एक हो जाते हैं—सब एक में मिल जाता है। स्कली का चित्र हमें ब्रश स्ट्रोक और बनावट पर विचार करने के लिए रंग का उपयोग करता है, पेंट की भौतिक विशेषताओं की सराहना करने के लिए एक निमंत्रण। ओवेन्स का चित्र रंग का उपयोग एक भावनात्मक ट्रिगर के रूप में करता है। इसका उत्साही पैलेट काम के चित्रात्मक पहलुओं को दर्शाता है, जो स्त्रीत्व, खुलापन और प्रकृति में आनंद लेते हैं। अंत में, मिशेल के कैनवास पर उथल-पुथल भरे ब्रश मार्क्स हमें दिखाते हैं कि रंग मूड के साथ कैसे समानार्थक हो सकता है, मानव आत्मा की गहन चिंता को व्यक्त करते हुए।

Sean Scully - Landline Green Bolt, 2018. ऑयल ऑन एल्युमिनियम. 85 x 75 इंच (215.9 x 190.5 सेमी). © Sean Scully. सौजन्य Mnuchin Gallery

अंतरिक्ष के रूप में रंग

The Joy of Color में कई चित्र रंग का एक अधिक औपचारिक अर्थ में उपयोग करते हैं, रंग को दृश्य स्थान के प्रभावी निर्माता और सीमांकन के रूप में दिखाते हैं। अल्मा थॉमस द्वारा "Nature’s Red Impressions" (1968) इस अवधारणा का एक महाकाव्य स्पष्टीकरण प्रस्तुत करता है। दूर से, रंग एक रेखीय संरचना की घोषणा करते हैं, दृश्य वास्तुकला को ऊर्ध्वाधर बार में विभाजित करते हैं। निकटता से देखने पर, स्तंभ एक multitude जैविक आकृतियों में टूट जाते हैं। आकृतियों और स्तंभों के बीच का सफेद स्थान एक ऐसी दुनिया के रूप में प्रकट होता है जो सतह के परे है। जैक बुश द्वारा "Strawberry" (1970) में समान जादू काम कर रहा है। एक विशाल, गुलाबी "U" आकार अपने रंग में चित्र के शीर्षक की गूंज करता है, जबकि एक हल्का गुलाबी पृष्ठभूमि जो गहरे धब्बों से भरी हुई है, आयाम स्थापित करता है। कैनवास के नीचे एक पूरक रंग पट्टी स्थान को समतल करती है और आंख को एक संयोजन क्षितिज रेखा और ज्यामितीय आकृतियों की गतिशील परेड का अनुभव करने के लिए धोखा देती है।

आल्मा थॉमस - नेचर'स रेड इम्प्रेशंस, 1968। ऐक्रेलिक ऑन कैनवास। 51 x 49 1/2 इंच (129.5 x 125.7 सेमी)। © आल्मा थॉमस। सौजन्य मुनुचिन गैलरी

प्रदर्शनी में सबसे आकर्षक स्थानिक रचनाओं में "Elberta" (1975) हेलेन फ्रैंकेंथालर द्वारा, "Mysteries: Aglow" (2002) केनेथ नोलैंड द्वारा, और "The Wave (Urszula)" (2014) सारा क्रॉwner द्वारा शामिल हैं। फ्रैंकेंथालर अपनी सोखने वाली पेंटिंग में विशाल खुलापन पैदा करती हैं, जो आंख को एक विस्तृत और चमकदार दृश्य ब्रह्मांड की ओर खोलती है; नोलैंड विपरीत प्रभाव प्राप्त करते हैं, अपने परिचित बुल्सआई रचना के साथ स्थान को सरल और केंद्रीकृत करते हैं; क्रॉwner स्थान को जीवंत, जैविक लाल और नारंगी लहर के रूपों के साथ सामंजस्यपूर्ण असंगति में व्यवस्थित करती हैं। फिर भी, स्थान की सबसे गहन रचना "Atmosphere" (1972) सैम गिलियम की है। उनकी सतह के किनारों को बीवल करने की विशिष्ट तकनीक रंगों को कार्य की भौतिक सीमाओं के परे स्थान बनाने की अनुमति देती है। यह पेंटिंग हमें यह सोचने के लिए आमंत्रित करती है कि हमारे देखने की सीमाओं के परे क्या है—यह हमारे लिए इस युग में एक महत्वपूर्ण चिंता है, और शायद श्री सॉल्ट्ज़ भी गैलरी में आकर इस पर विचार करना चाहेंगे। The Joy of Color 8 दिसंबर 2018 तक प्रदर्शित है।

विशेष छवि: रंगों की खुशी - समूह प्रदर्शनी मुनुचिन गैलरी, न्यूयॉर्क, 2018। © टॉम पॉवेल इमेजिंग। मुनुचिन गैलरी की सौजन्य।
फिलिप Barcio द्वारा