Scultura Astratta - Il Linguaggio del Pieno e del Vuoto

Sin dai primi giorni del Modernismo, sono state sollevate domande sulla natura e sulla differenza tra arte astratta bidimensionale e tridimensionale. Nel primo decennio del XX secolo, Constantin Brancusi pose la domanda fondamentale su cosa la scultura astratta dovesse trasmettere: l’immagine di un soggetto o la sua essenza? Nel decennio successivo, Pablo Picasso dimostrò che una scultura non doveva necessariamente essere scolpita, modellata o fusa: poteva essere assemblata. Nel decennio seguente, Alexander Calder dimostrò che la scultura poteva muoversi. E ancora, decenni dopo, in riferimento alle sue opere interdisciplinari, Donald Judd propose “Oggetti Specifici” come alternativa alle parole pittura e scultura. Sebbene l’argomento potrebbe riempire diversi libri, oggi vi offriamo una breve, seppur molto sintetica, cronologia di alcuni momenti salienti della storia della scultura astratta.

Il Padre della Scultura Astratta

Constantin Brâncusi nacque in Romania nel 1876, quando l’universo dell’arte europea consisteva sostanzialmente in pittura e scultura, entrambe quasi interamente figurative. Sebbene fosse iniziata una graduale evoluzione verso l’astrazione, pochi artisti professionisti avevano avuto il coraggio di tentare l’astrazione pura, o anche solo di definire cosa significasse esattamente. La prima esperienza di Brâncusi con la scultura fu del tutto pratica, intagliando attrezzi agricoli da usare come lavoratore minorenne. Anche quando arrivò alla scuola d’arte, ricevette una formazione classica. Ma quando Brâncusi lasciò la Romania nel 1903, arrivando infine a Parigi, si coinvolse nel dibattito modernista. Accolse con entusiasmo le idee che circolavano sull’astrazione e presto concluse che lo scopo moderno della scultura fosse presentare “non la forma esteriore ma l’idea, l’essenza delle cose.”

Nel 1913, alcune delle prime sculture astratte di Brâncusi furono esposte a New York come parte dell’Armory Show di quell’anno, la mostra in gran parte responsabile dell’introduzione dell’arte modernista negli Stati Uniti. I critici derisero pubblicamente la sua scultura Ritratto di Mademoiselle Pogany per, tra le altre cose, sembrare un uovo. Tredici anni dopo, Brâncusi ebbe l’ultima risata sugli americani quando una sua scultura causò una modifica alla legge federale statunitense. Ciò accadde quando un collezionista acquistò e tentò di spedire negli Stati Uniti una delle sculture di uccelli di Brâncusi, che in nessun modo assomigliava a uccelli, ma rappresentava il volo. Invece di esentare la scultura astratta come opera d’arte, i funzionari doganali imposero al collezionista una tassa d’importazione. Il collezionista fece causa e vinse, ottenendo una dichiarazione ufficiale dai tribunali statunitensi che un’opera non doveva essere rappresentativa per essere considerata arte.

Constantin Brancusi - Il Bacio, 1907 (a sinistra) e Ritratto di Mademoiselle Pogany, 1912 (a destra), Philadelphia Museum of Art, Philadelphia, © 2018 Constantin Brancusi / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, Parigi

Pablo Picasso e l’Arte dell’Assemblaggio

Pablo Picasso fu un altro pioniere fondamentale della scultura astratta, anche se forse non aveva intenzione di esserlo. Intorno al 1912, Picasso iniziò ad espandere le sue idee sul Cubismo nel regno tridimensionale. Cominciò realizzando collage, che per la loro superficie stratificata e l’uso di materiali e oggetti trovati al posto della pittura avevano già una sorta di qualità tridimensionale. Poi tradusse l’idea del collage nello spazio tridimensionale completo assemblando oggetti reali, specialmente chitarre, con materiali come cartone, legno, metallo e filo di ferro.

Tradizionalmente, la scultura derivava da uno stampo, o dalla modellazione di una massa come l’argilla, o da qualche processo riduttivo come l’intaglio. Picasso sfidò inconsapevolmente quella tradizione creando un oggetto scultoreo attraverso l’atto di assemblare pezzi disparati di materiali trovati in una forma. Inoltre, stupì tutti appendendo questo assemblaggio al muro invece di posizionarlo su un piedistallo. Gli spettatori d’arte rimasero confusi e persino indignati dalle chitarre di Picasso, chiedendosi se fossero dipinti o sculture. Picasso insistette che non erano né l’uno né l’altro, dicendo, “Non è niente, è la chitarra!” Ma, volente o nolente, aveva sfidato la definizione fondamentale di scultura e avviato uno dei dibattiti più duraturi sull’arte astratta.

Pablo Picasso - Costruzione di chitarra in cartone, 1913, MoMA

Readymade

Per quanto rivoluzionari potessero sembrare artisti come Picasso e Brâncusi ai loro contemporanei, è interessante notare che il 1913 è anche l’anno in cui l’artista dadaista Marcel Duchamp adottò il termine “readymade” per designare opere d’arte costituite da oggetti trovati, firmate ed esposte da un artista come sue opere. Secondo Duchamp, oggetti ordinari potevano essere “elevati alla dignità di opera d’arte dalla semplice scelta di un artista.” Nel 1917, Duchamp espose Fountain, forse il suo readymade più famoso, costituito da un orinatoio posto di lato e firmato “R. Mutt.”

Duchamp aveva creato Fountain per la prima mostra della Society of Independent Artists di New York, presentata come una mostra completamente aperta di arte contemporanea, senza giurie né premi. L’opera fu stranamente respinta dalla mostra, causando scalpore nella comunità artistica poiché lo scopo della mostra era proprio quello di non giudicare le opere. Il consiglio della Società emise una dichiarazione su Fountain affermando che “non è, per nessuna definizione, un’opera d’arte.” Tuttavia, l’opera ispirò generazioni di creativi a venire.

Una copia realizzata nel 1964 dell’originale Fountain di Duchamp del 1917

Faktura e Tektonika

Nel 1921, in Russia emerse un gruppo di artisti chiamato Il Primo Gruppo di Lavoro dei Costruttivisti. Lo scopo del loro movimento, chiamato Costruttivismo, era creare un’arte pura basata su principi formali, geometrici e astratti che coinvolgessero attivamente lo spettatore. I principi scultorei del Costruttivismo furono suddivisi in due elementi distinti: faktura si riferiva alle qualità materiali di una scultura, e tektonika alla presenza della scultura nello spazio tridimensionale.

I Costruttivisti credevano che la scultura non avesse bisogno di alcun soggetto e potesse assumere proprietà completamente astratte. Ciò che contava per loro era l’esplorazione della materialità e dello spazio. Erano particolarmente consapevoli del modo in cui un oggetto occupava lo spazio espositivo, così come di come interagiva con lo spazio tra esso e lo spettatore. La scultura costruttivista contribuì a definire le nozioni che una scultura potesse contenere e definire lo spazio oltre a semplicemente occuparlo, e che lo spazio stesso potesse diventare un elemento importante dell’opera.

La prima Mostra Costruttivista, 1921

Disegnare nello Spazio

Alla fine degli anni Venti, il linguaggio scultoreo astratto modernista includeva rilievi dimensionali, oggetti trovati, astrazione geometrica e figurativa e la nozione di pienezza e vuoto dello spazio fisico. I futuristi italiani avevano persino tentato di usare la scultura per dimostrare il movimento, o dinamismo, in opere come le Forme uniche della continuità nello spazio di Umberto Boccioni (trattate più dettagliatamente qui). Ma l’onore di introdurre il movimento reale nella scultura, creando un nuovo campo chiamato Scultura Cinetica, va ad Alexander Calder.

Calder si formò come ingegnere meccanico e solo in seguito frequentò la scuola d’arte. Dopo la laurea, iniziò a realizzare giocattoli meccanici, progettando infine un intero circo meccanico. Intorno al 1929, iniziò a creare delicate e giocose sculture di filo, che descrisse come “disegni nello spazio.” Nel 1930, quando aggiunse parti mobili alle sue sculture di filo, Marcel Duchamp chiamò queste opere “mobiles.” I mobiles cinetici di Calder sono ora la parte più immediatamente riconoscibile della sua opera e ispirarono artisti come Jean Tinguely, creatore della Metameccanica. Influenzarono anche forse il più prolifico maestro modernista del “disegnare nello spazio,” l’artista venezuelana Gego, che portò il concetto a estremi elaborati negli anni Sessanta.

Gego, costruzione spaziale in filo, vista parziale dell’installazione

Combines e Accumulazioni

Negli anni Cinquanta, gli artisti concettuali ripresero le idee pionieristiche di Picasso e Duchamp. Il concetto di oggetto trovato divenne onnipresente mentre le grandi città metropolitane si sovraccaricavano di rifiuti e la produzione e il consumo di prodotti industriali raggiungevano nuovi livelli. L’artista poliedrico Robert Rauschenberg incorporò i fondamenti dei collage e assemblaggi di Picasso con i concetti di Duchamp sugli oggetti trovati e le scelte dell’artista per creare ciò che divenne il suo contributo distintivo alla scultura astratta. Li chiamò “Combines,” e si trattava essenzialmente di assemblaggi scultorei fatti di rifiuti assortiti, detriti e prodotti industriali, combinati con cura in un’unica massa dall’artista.

Robert Rauschenberg - Monogram, Combine indipendente, 1955, © 2018 Robert Rauschenberg Foundation

All’incirca nello stesso periodo, l’artista concettuale Arman, uno dei membri fondatori dei Nouveaux Réalistes, utilizzò l’idea del Readymade di Duchamp come punto di partenza per una serie di opere scultoree che chiamò Accumulazioni. Per queste opere, Arman raccolse multipli dello stesso oggetto readymade e li saldò insieme in una massa scultorea. Utilizzando i prodotti in questo modo, ricollegò l’idea di prodotto readymade, usandolo invece come forma astratta, rimuovendone il significato originario e trasformandolo in qualcosa di simbolico e soggettivo.

Arman - Accumulation Renault No.106, 1967, © Arman

Materiali e Processo

Negli anni Sessanta, gli scultori si concentrarono sempre più sugli aspetti puramente formali delle loro opere. Come una sorta di rifiuto dell’emozione e del dramma dei loro predecessori, scultori come Eva Hesse e Donald Judd si focalizzarono sui materiali grezzi impiegati nelle loro opere e sui processi con cui i loro oggetti venivano realizzati. Eva Hesse fu pioniera nell’uso di materiali industriali spesso tossici come il lattice e la fibra di vetro.

Eva Hesse - Repetition Nineteen III, 1968. Fibra di vetro e resina poliestere, diciannove unità, ciascuna 48-51 cm x 27,8-32,2 cm di diametro. Collezione MoMA. Dono di Charles e Anita Blatt. © 2018 Estate di Eva Hesse. Galerie Hauser & Wirth, Zurigo

A differenza di Hesse, la cui tecnica e individualità erano ben evidenti nelle sue forme scultoree, Donald Judd cercò di rimuovere completamente ogni traccia della mano dell’artista. Lavorò per creare ciò che chiamò Oggetti Specifici, oggetti che trascendevano le definizioni di arte bidimensionale e tridimensionale, che utilizzavano processi e materiali industriali e che venivano solitamente fabbricati da macchine o da operai diversi dall’artista.

Donald Judd - Senza titolo, 1973, ottone e Plexiglas blu, © Donald Judd

Arte Contemporanea Omnidisciplinare

Grazie ai progressi compiuti dagli scultori modernisti negli ultimi 100+ anni, oggi viviamo un’epoca di straordinaria apertura nell’arte astratta. Gran parte della pratica contemporanea è omnidisciplinare, dando luogo a fenomeni estetici eccitanti e polimorfi. Le opere di molti artisti astratti contemporanei hanno una presenza così unica da sfidare etichette semplici come “pittura,” “scultura” o “installazione.” I pionieri modernisti della scultura astratta sono, in larga misura, responsabili di gran parte dell’apertura e della libertà di cui godono gli artisti contemporanei e delle innumerevoli modalità con cui possiamo apprezzare le loro interpretazioni estetiche del nostro mondo.

Immagine in evidenza: Alexander Calder - Piuma Blu, 1948, scultura cinetica in filo, © Calder Foundation
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio