Energia Illimitata - L'Arte di Julio Le Parc

Il mondo ha riscoperto Julio Le Parc. L'artista argentino, residente in Francia, che è ancora attivo nel suo studio oggi, nella sua tarda ottantina, ha contribuito a definire l'arte cinetica negli anni '60 ed è stato un precursore dell'idea dell'arte come esperienza interattiva e democratica. Ma rispetto ai suoi contemporanei, Le Parc non ha esattamente ricevuto il rispetto che merita. Questo è parzialmente una sua scelta. Nel 1966, ha vinto il Gran Premio di Pittura alla 33ª Biennale di Venezia. Poco dopo, gli è stata offerta una mostra retrospettiva al Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris. Tuttavia, secondo la leggenda, ha lasciato che il lancio di una moneta decidesse che dovesse rifiutare l'opportunità. Quella storia illustra il suo disprezzo per l'establishment artistico e la sua convinzione che l'arte debba essere prima di tutto per il popolo. Spiega anche in gran parte perché, nonostante continui a creare opere, o come le chiama, a condurre "indagini di ricerca", sia caduto nell'oscurità negli anni '70. Nel 2013, Le Parc è riemerso con una mostra personale al Palais de Tokyo di Parigi. Per la maggior parte delle persone che hanno visto quella mostra, Le Parc è stato una rivelazione. L'anno successivo, ha avuto la sua prima grande mostra personale nel Regno Unito, alla Serpentine Gallery. Poi, nel 2016, ha finalmente goduto della sua prima retrospettiva in un museo, al Perez Art Museum Miami. Quest'anno, finora, il suo lavoro è stato presentato in una grande mostra personale a New York ed è attualmente incluso in altre due importanti mostre: una mostra collettiva con Jesús Rafael Soto al Palm Springs Art Museum intitolata Kinesthesia: Latin American Kinetic Art, 1954-1969; e una mostra personale da Perrotin a Parigi. E il mese prossimo si aprirà un'altra retrospettiva museale del suo lavoro presso l'Istituto Tomie Ohtake a San Paolo, Brasile. Quella mostra segnerà un importante momento storico per questo artista che ha lasciato il Sud America per paura di essere troppo rivoluzionario, ma che ora ritorna come un pioniere riconosciuto che ha compreso più di mezzo secolo fa le sfumature sociali e politiche dell'arte astratta.

Radici Socio-Politiche

Le opere d'arte di Julio Le Parc sono rivoluzionarie. Alcune lo sono letteralmente, nel senso che sono costruite con pezzi di metallo riflettente che ruotano mentre pendono da fili appesi al soffitto. Ma la sua opera è rivoluzionaria anche in un altro senso, poiché è una dichiarazione di indipendenza e libertà. Le Parc è nato nella città operaia di Mendoza, situata ai piedi delle Ande, a circa 1100 km (600 miglia) dalla capitale argentina Buenos Aires. Come la maggior parte delle persone nella sua città natale in quel periodo, Le Parc ha iniziato a lavorare giovane. Dall'età di 13 anni fino a 18 ha avuto molti lavori, tra cui ragazzo delle consegne di giornali, riparatore di biciclette, imballatore di frutta, artigiano del cuoio, impiegato in biblioteca e operaio in una fabbrica di metallo.

Ma aveva anche due altri interessi da bambino. Era bravo a disegnare ritratti di celebrità e si interessava alle proteste studentesche che si stavano verificando mentre i giovani cercavano modi per riformare gli elementi autoritari nel governo. Già all'età di 15 anni, Le Parc trovò un modo per unire tutti e tre questi fattori: l'etica del lavoro, il talento artistico e l'interesse per l'illuminazione sociale, frequentando corsi serali alla Scuola di Belle Arti. Fu lì che ebbe la fortuna di essere studente di Lucio Fontana, l'innovativo artista modernista le cui esperienze con lo spazio lo resero una delle figure più importanti dell'avanguardia globale della metà del XX secolo. Fontana introdusse Le Parc al nascente movimento Neo-Concreto dell'America del Sud, che lo ispirò a guardare verso il futuro e ad adottare un approccio innovativo all'estetica.

Julio Le Parc - Bifurcations, solo show at Perrotin, Paris, installation view, © Perrotin

Diretti a Parigi

All'età di 18 anni, Le Parc lasciò la scuola e anche la sua famiglia. Per otto anni viaggiò per il paese. All'età di 26 anni, tornò a Buenos Aires con un rinnovato entusiasmo per il suo futuro e si iscrisse all'Accademia di Belle Arti. Lì, imparò a fare pitture, sculture e stampe, e si connesse con gli altri giovani artisti della sua generazione. Insieme, lui e i suoi contemporanei sfidarono tutto, dagli standard accettati dell'arte agli standard accettati del governo e della società. A un certo punto, Le Parc partecipò a un'azione politica diretta che portò gli studenti a occupare le tre principali scuole d'arte in Argentina, cacciando i direttori e cercando di installare un governo scolastico gestito dagli studenti. Anche se alla fine quel movimento fu represso e Le Parc e molti dei suoi amici furono arrestati, li portò a riflettere sul loro futuro come artisti.

Le Parc e i suoi amici hanno esaminato attentamente ciò che potevano realizzare in Argentina e hanno deciso che l'unico modo per connettersi veramente con l'avanguardia internazionale era trasferirsi a Parigi. Anche se molti dei suoi contemporanei non avrebbero mai avuto la possibilità di realizzare quel sogno, Le Parc vinse un concorso d'arte sponsorizzato dal Servizio Culturale Francese e ricevette una borsa di studio per trasferirsi a Parigi e studiare arte. Lasciò l'Argentina nel 1958. Dopo essere arrivato a Parigi, fece subito amicizia con diversi altri trapiantati, come Jesús Rafael Soto e Francisco Sobrino, che erano anime affini. Fece anche la conoscenza di una generazione più anziana di artisti, guidata da Victor Vasarely, il cui lavoro con la cinetica e le illusioni ottiche li poneva in prima linea nell'avanguardia secondo l'opinione di Le Parc e dei suoi amici.

Julio Le Parc - Bifurcations, solo show at Perrotin, Paris, installation view, © Perrotin

Interventi Sociali e Luce Utopica

Ciò che interessava di più Le Parc riguardo all'arte cinetica è il fatto che cambia costantemente a seconda delle circostanze e di chi la osserva. Le Parc dedusse che l'arte statica ha la capacità di essere autoritaria, poiché gli oggetti immutabili richiedono di essere considerati in modo formale. Egli vedeva il movimento come un modo per democratizzare l'esperienza di osservare l'arte. Suppose che se l'opera è diversa ogni volta che qualcuno la guarda, nessuno può mai arrivare a una spiegazione autoritaria di essa. L'arte cinetica è quindi aperta, democratica e libera per natura. Gli spettatori di tali opere d'arte non sono sotto il controllo delle accademie, delle istituzioni e dei critici che spesso si comportano come se fossero un regime fascista che controlla il modo in cui il pubblico vive la cultura.

Questa realizzazione fondamentale è stata trasformativa per Le Parc. Lo ha portato a fare altre due importanti scoperte. La prima è che l'arte dovrebbe essere un'esperienza pubblica, non solo istituzionale. Ha messo in pratica questa idea quando lui e i suoi amici hanno avviato una serie di interventi pubblici, nei quali hanno introdotto fenomeni estetici cinetici in aree pubbliche in modi giocosi, richiedendo al pubblico di interagire con l'arte. La seconda grande scoperta è stata che una delle forze visive più potenti che possono cambiare il modo in cui le persone vedono un'opera d'arte è la luce. Questa scoperta lo ha portato a una fascinazione per tutta la vita con la luce come elemento cinetico—un elemento che ha utilizzato come componente interattiva in molti dei suoi pezzi più potenti.

Julio Le Parc - Bifurcations, solo show at Perrotin, Paris, installation view, © Perrotin

Un Eredità di Apertura

Oggi, molti giovani artisti sono interessati alla pratica sociale nell'arte e sono curiosi riguardo al diritto che gli spettatori rivendicano di definire la propria esperienza estetica. Ma molti non riconoscono Julio Le Parc come un leader della generazione di artisti che per primi hanno portato queste questioni in primo piano nell'avanguardia. Come rivelano le sue recenti esposizioni, Le Parc merita uno status elevato accanto ad artisti come Victor Vasarely, Bridget Riley, Yves Klein, Alexander Calder, Yaacov Agam, Carlos Cruz-Diez e, naturalmente, Jesús Rafael Soto e Francisco Sobrino—artisti che hanno pionierato il cinetismo, l'ottica e l'arte della pratica sociale. Le Parc ha preso l'idea semplice di azione—di costringere gli spettatori a muoversi e reagire per completare un'esperienza—e l'ha trasformata in un modo per democratizzare l'arte. Il suo lavoro si erge come un'alternativa radicale all'assolutismo concreto così spesso associato alle cose estetiche. È un promemoria per continuare a muoversi, rimanere aperti e abbracciare una costante disponibilità a trasformarsi.

E il suo lavoro è anche un invito a ricordare di non essere così seri e a essere disposti a giocare. Ha ribadito questo punto in un'intervista del 2016 al New York Times. Mentre camminava nel suo studio, l'intervistatrice, Emily Nathan, trovò un'opera che Le Parc realizzò nel 1965 chiamata “Ensemble de onze mouvements-surprise” (insieme di undici momenti a sorpresa). Il pezzo, come suggerisce il nome, aveva undici elementi diversi realizzati con materiali diversi e attivati da motori che il pubblico poteva controllare. Poiché Nathan voleva ovviamente toccarlo, Le Parc intervenne. Disse: “Vai avanti e gioca con esso.” Lei lo fece e notò immediatamente che ogni parte mobile creava anche un suono. Una sinfonia di azione e canto prese vita. In una perfetta sintesi del suo contributo all'eredità della cultura democratizzata, Le Parc disse dei diversi controlli: “Fanno tutti disegni diversi. Potrei vedere una cosa in essi, ma ogni persona ha il permesso di vedere ciò che vede.”

Julio Le Parc - Sphère rouge (Red Sphere), made of plexiglass and nylon. Credit Julio Le Parc © 2017 Artists Rights Society (ARS), New York/ADAGP, Paris, Photo: André Morin

Immagine in evidenza: Julio Le Parc - Bifurcazioni, mostra personale da Perrotin, Parigi, vista dell'installazione, © Perrotin

Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo

Di Phillip Park