Energia Illimitata - L'Arte di Julio Le Parc

Il mondo ha riscoperto Julio Le Parc. L’artista nato in Argentina e residente in Francia, ancora attivo nel suo studio oggi, alla fine degli anni Ottanta, ha contribuito a definire l’arte cinetica negli anni Sessanta ed è stato un precursore dell’idea dell’arte come esperienza interattiva e democratica. Ma rispetto ai suoi contemporanei, Le Parc non ha esattamente ricevuto il rispetto che merita. Questo è in parte una sua scelta. Nel 1966, vinse il Gran Premio di Pittura alla 33ª Biennale di Venezia. Poco dopo, gli fu offerta una mostra retrospettiva al Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris. Tuttavia, secondo la leggenda, lasciò che il lancio di una moneta decidesse se rifiutare l’opportunità. Questa storia illustra il suo disprezzo per l’establishment artistico e la sua convinzione che l’arte debba essere prima di tutto per il popolo. Spiega anche in gran parte perché, nonostante continuasse a creare opere, o come lui le chiama, a condurre “indagini di ricerca”, cadde nell’oblio negli anni Settanta. Nel 2013, Le Parc riemerse con una mostra personale al Palais de Tokyo di Parigi. Per la maggior parte di chi vide quella mostra, Le Parc fu una rivelazione. L’anno successivo, ebbe la sua prima grande mostra personale nel Regno Unito, alla Serpentine Gallery. Poi, nel 2016, godette finalmente della sua prima mostra retrospettiva in un museo, al Perez Art Museum di Miami. Quest’anno, finora, le sue opere sono state protagoniste di una grande mostra personale a New York e sono attualmente incluse in altre due importanti esposizioni: una collettiva con Jesús Rafael Soto al Palm Springs Art Museum intitolata Kinesthesia: Latin American Kinetic Art, 1954-1969; e una mostra personale da Perrotin a Parigi. Il mese prossimo si aprirà un’altra mostra retrospettiva delle sue opere presso l’Istituto Tomie Ohtake a São Paulo, Brasile. Questa mostra segnerà un momento storico importante per questo artista che lasciò il Sud America per paura di essere troppo rivoluzionario, ma che ora ritorna come un pioniere riconosciuto che più di mezzo secolo fa comprese le implicazioni sociali e politiche dell’arte astratta.

Radici Socio-Politiche

Le opere di Julio Le Parc sono rivoluzionarie. Alcune lo sono letteralmente, essendo costruite con pezzi di metallo riflettente che ruotano mentre pendono da fili appesi al soffitto. Ma la sua produzione è rivoluzionaria anche in un altro senso, poiché rappresenta una dichiarazione di indipendenza e libertà. Le Parc nacque nella città operaia di Mendoza, situata ai piedi delle Ande, a circa 1100 km dalla capitale argentina Buenos Aires. Come la maggior parte delle persone nella sua città natale a quel tempo, Le Parc iniziò a lavorare da giovane. Dai 13 ai 18 anni svolse molti lavori, tra cui fattorino di giornali, riparatore di biciclette, confezionatore di frutta, lavoratore della pelle, impiegato in biblioteca e operaio in una fabbrica di metalli.

Ma da bambino aveva anche altri due interessi. Era bravo a disegnare immagini di celebrità e si interessava alle proteste studentesche che si svolgevano mentre i giovani cercavano modi per riformare gli elementi autoritari del governo. Già a 15 anni, Le Parc trovò un modo per unire questi tre fattori — l’etica del lavoro, il talento artistico e l’interesse per l’illuminazione sociale — frequentando corsi serali alla Scuola di Belle Arti. Fu lì che ebbe la fortuna di essere allievo di Lucio Fontana, l’innovativo artista modernista i cui esperimenti con lo spazio lo resero una delle figure più importanti dell’avanguardia globale della metà del XX secolo. Fontana introdusse Le Parc al nascente movimento Neo-Concreto sudamericano, che lo ispirò a guardare al futuro e ad adottare un approccio innovativo all’estetica.

Julio Le Parc - Bifurcations, mostra personale da Perrotin, Parigi, vista dell’installazione, © Perrotin

Verso Parigi

A 18 anni, Le Parc lasciò la scuola e anche la sua famiglia. Per otto anni viaggiò per il paese. A 26 anni tornò a Buenos Aires con un rinnovato entusiasmo per il suo futuro e si iscrisse all’Accademia di Belle Arti. Lì imparò a realizzare dipinti, sculture e stampe, e si connettè con gli altri giovani artisti della sua generazione. Insieme, lui e i suoi contemporanei sfidarono tutto, dagli standard accettati dell’arte a quelli del governo e della società. A un certo punto, Le Parc partecipò a un’azione politica diretta che portò gli studenti a occupare le tre principali scuole d’arte in Argentina, cacciando i direttori e tentando di instaurare un governo scolastico gestito dagli studenti. Sebbene alla fine quel movimento fu soffocato e Le Parc e molti suoi amici furono arrestati, ciò li fece riflettere sul loro futuro come artisti.

Le Parc e i suoi amici esaminarono con attenzione ciò che potevano ottenere in Argentina e decisero che l’unico modo per connettersi veramente con l’avanguardia internazionale era trasferirsi a Parigi. Sebbene molti dei suoi contemporanei non avessero mai la possibilità di realizzare quel sogno, Le Parc vinse un concorso artistico sponsorizzato dal Servizio Culturale Francese e ricevette una borsa di studio per trasferirsi a Parigi e studiare arte. Lasciò l’Argentina nel 1958. Dopo essere arrivato a Parigi, fece subito amicizia con altri immigrati, come Jesús Rafael Soto e Francisco Sobrino, spiriti affini. Conobbe anche una generazione più anziana di artisti, guidata da Victor Vasarely, il cui lavoro con la cinetica e le illusioni ottiche li poneva all’avanguardia secondo l’opinione di Le Parc e dei suoi amici.

Julio Le Parc - Bifurcations, mostra personale da Perrotin, Parigi, vista dell’installazione, © Perrotin

Interventi Sociali e Luce Utopica

Ciò che più interessava Le Parc dell’arte cinetica è il fatto che essa cambia costantemente a seconda delle circostanze e di chi la osserva. Le Parc dedusse che l’arte statica ha la capacità di essere autoritaria, poiché gli oggetti immutabili richiedono di essere considerati in modo formale. Vide il movimento come un modo per democratizzare l’esperienza di osservare l’arte. Suppose che se l’opera è diversa ogni volta che qualcuno la guarda, nessuno potrà mai arrivare a una spiegazione autorevole di essa. L’arte cinetica è quindi aperta, democratica e libera per natura. Gli spettatori di tali opere non sono sotto il controllo delle accademie, delle istituzioni e dei critici che spesso si comportano come un regime fascista che controlla il modo in cui il pubblico vive la cultura.

Questa consapevolezza fondamentale fu trasformativa per Le Parc. Lo portò a fare altre due grandi scoperte. La prima fu che l’arte dovrebbe essere un’esperienza pubblica, non solo istituzionale. Mise in pratica questa idea quando lui e i suoi amici istigarono una serie di interventi pubblici, in cui introdussero fenomeni estetici cinetici in spazi pubblici in modo giocoso, richiedendo al pubblico di interagire con l’arte. La seconda grande scoperta fu che una delle forze visive più potenti che può cambiare il modo in cui le persone vedono un’opera d’arte è la luce. Questa scoperta lo portò a una fascinazione duratura con la luce come elemento cinetico — un elemento che ha usato come componente interattiva in molte delle sue opere più potenti.

Julio Le Parc - Bifurcations, mostra personale da Perrotin, Parigi, vista dell’installazione, © Perrotin

Un’eredità di Apertura

Oggi molti giovani artisti sono interessati alla pratica sociale nell’arte e sono curiosi riguardo al diritto che gli spettatori rivendicano di definire la propria esperienza estetica. Ma molti non riconoscono Julio Le Parc come un leader della generazione di artisti che per primi portarono queste questioni all’attenzione dell’avanguardia. Come rivelano le sue mostre recenti, Le Parc merita uno status elevato accanto ad artisti come Victor Vasarely, Bridget Riley, Yves Klein, Alexander Calder, Yaacov Agam, Carlos Cruz-Diez e naturalmente Jesús Rafael Soto e Francisco Sobrino — artisti che furono pionieri del cinetismo, dell’ottica e dell’arte di pratica sociale. Le Parc ha preso la semplice idea dell’azione — costringere gli spettatori a muoversi e reagire per completare un’esperienza — e l’ha trasformata in un modo per democratizzare l’arte. La sua opera si pone come un’alternativa radicale all’assolutismo concreto così spesso associato alle cose estetiche. È un richiamo a continuare a muoversi, a restare aperti e ad abbracciare una costante volontà di trasformarsi.

E la sua opera è anche un invito a non prendersi troppo sul serio e a essere disposti a giocare. Ribadì questo punto in un’intervista del 2016 al New York Times. Mentre camminava nel suo studio, l’intervistatrice, Emily Nathan, trovò un’opera che Le Parc realizzò nel 1965 chiamata “Ensemble de onze mouvements-surprise” (insieme di undici movimenti a sorpresa). L’opera, come suggerisce il nome, aveva undici elementi diversi fatti di materiali differenti e attivati da motori che lo spettatore poteva controllare. Poiché Nathan ovviamente voleva toccarla, Le Parc disse: “Vai avanti, gioca con essa.” Lei lo fece e notò subito che ogni parte in movimento produceva anche un suono. Nacque una sinfonia di azione e canto. In una perfetta sintesi del suo contributo all’eredità della cultura democratizzata, Le Parc disse dei diversi comandi: “Tutti fanno disegni diversi. Io potrei vedere una cosa in essi, ma ogni persona ha il permesso di vedere ciò che vede.”

Julio Le Parc - Sphère rouge (Sfera rossa), realizzata in plexiglass e nylon. Credito Julio Le Parc © 2017 Artists Rights Society (ARS), New York/ADAGP, Parigi, Foto: André Morin

Immagine in evidenza: Julio Le Parc - Bifurcations, mostra personale da Perrotin, Parigi, vista dell’installazione, © Perrotin

Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo

Di Phillip Barcio