Dan Flavin e le Installazioni di Luce Astratta

Un'atmosfera di spiritualità accompagna spesso l'arte astratta. Il misticismo prospera dove la bellezza è abbondante e il significato ambiguo. Ma alcuni artisti astratti negano che le loro opere contengano profondità, qualità trascendentali o qualsiasi significato al di là delle formalità estetiche. Dan Flavin è un esempio esemplare di questo fenomeno. Uno degli artisti più influenti del XX secolo, Flavin ha aperto nuove strade nell'uso della luce nell'arte modernista. Le sue opere sono belle e senza precedenti, rendendole pronte per un'interpretazione creativa. La loro natura eterea, la luminescenza che brilla e persino i loro titoli invitano a associazioni con il sacro. Ma Flavin sosteneva che tali associazioni non avessero alcun valore. Insistendo sul fatto che la sua arte consisteva semplicemente nella luce che illuminava l'architettura, Flavin disse: “Non si potrebbe pensare alla luce come a un dato di fatto, ma io sì. Ed è, come ho detto, un'arte così semplice, aperta e diretta come non ne troverai mai."

Iconico o ironico

Flavin è cresciuto in una famiglia cattolica irlandese a Queens, New York. Da adolescente studiò per diventare sacerdote. Ma non impressionato dall'idea di una vita in chiesa, all'età di 19 anni si arruolò nell'esercito con suo fratello. Durante il suo servizio in Corea iniziò a studiare seriamente l'arte e, dopo aver completato il suo tour di servizio, tornò a New York dove continuò a studiare arte e lavorò in vari lavori nei musei. Nel 1961, dopo aver sperimentato vari stili di pittura e collage, creò le sue prime opere basate sulla luce, una serie di scatole dipinte che pendevano dal muro e erano collegate a lampadine. Chiamò queste opere "icone."

La parola icona si riferiva a dipinti luminosi e sacri realizzati da pittori ortodossi russi in epoca bizantina. Combinata con la sua storia personale di essere cresciuto in una famiglia cattolica e i cinque anni trascorsi a studiare per diventare sacerdote, l'uso della parola icona da parte di Flavin per questi oggetti potrebbe facilmente implicare intenzioni spirituali. Tranne per il fatto che i dipinti iconici bizantini erano realizzati con grande cura secondo standard estetici rigorosi. Incorporavano materiali costosi e rari per ottenere il loro effetto luminoso e furono creati per abbellire gli interni di spazi sacri e gloriosi costruiti per onorare il divino. Le icone di Flavin erano oggetti vuoti e minimali costruiti con materiali economici. Utilizzavano luce prodotta in serie per ottenere la loro luminosità e, secondo Flavin, erano "costruzioni concentrate che celebrano stanze spoglie". Erano in ogni senso l'opposto dei loro omologhi storici. Quindi erano iconiche, o Flavin stava facendo ironia?

Dan Flavin - Senza titolo (a Véronique), 1987. Luce fluorescente rossa, gialla, blu e verde. 96 in; 243,8 cm. Waddington Custot, Londra

Monumenti alla luce

Due anni dopo aver realizzato la sua prima icona, Flavin ha vissuto una svolta. Ha fatto il salto di eliminare le scatole dipinte, rinunciando all'uso di qualsiasi tipo di supporto estetico secondario e optando invece per attaccare le sue luci direttamente al muro. Utilizzando luci fluorescenti leggermente modificate, acquistate in negozio, come oggetti d'arte, si è affiliato a movimenti come l'Arte Povera e Dadaismo, per il loro uso di materiali quotidiani e oggetti pronti all'uso, e Minimalismo, per la sua dipendenza da materiali e processi industriali. Flavin ha dedicato la sua prima opera in questo nuovo stile all'artista Constantin Brancusi la cui scultura Colonna Infinita ha influenzato il suo pensiero.

Limitandosi a una palette di colori austera e a un piccolo intervallo di dimensioni delle lampadine, Flavin iniziò un'esplorazione prolifica delle possibilità offerte dal suo nuovo stile. Realizzò 50 "Monumenti" a forma di piramide dedicati all'artista costruttivista russo Vladimir Tatlin, e creò decine di composizioni fluorescenti senza titolo dedicate ad altri artisti che lo influenzarono, come Alexander Calder, Robert Ryman e Jasper Johns. Ciò che era notevole era che queste composizioni non solo servivano come oggetti estetici, ma contribuivano anche a modificare la percezione dello spazio in cui erano esposte.

Dan Flavin - "Monumento" 1 per V. Tatlin, 1964. Tubo di luce fluorescente (bianco freddo). 96 1/10 × 23 1/5 in; 244 × 59 cm. Mostra "Sole Nero" presso la Fondation Beyeler, Riehen.

Angoli, Barriere e Corridoi

Con l'aumentare dell'interesse per il lavoro di Flavin, gli fu data accesso a una gamma sempre più ampia di spazi architettonici in cui esporre. Sfruttò questo sviluppo per esplorare più a fondo il modo in cui le sue composizioni luminose potessero influenzare la natura dello spazio architettonico. Catalogò le sue varie idee in base agli spazi che abitavano, utilizzando nomi come “angoli”, “barriere” e “corridoi”. I suoi “angoli” abitavano lo spazio architettonico di un angolo, creando un fenomeno estetico nell'angolo stesso o utilizzando l'angolo come punto di partenza da cui influenzare il resto dello spazio. Le sue “barriere” creavano divisioni artificiali nello spazio, facendo sì che la luce agisse sia come il fulcro che come il disturbatore dell'esperienza del fruitore.

Le "corridoi" di Flavin utilizzavano la luce per alterare l'esperienza estetica dei corridoi. In alcuni casi, distorcevano il modo in cui venivano percepiti i corridoi. In altri casi, il corridoio sembrava fungere da spazio espositivo per una composizione di luci. E in alcune circostanze, le luci sembravano semplicemente esaltare la bellezza estetica dello spazio.

Dan Flavin - senza titolo (in onore di Leo per il 30° anniversario della sua galleria), 1987. Luce fluorescente rossa, rosa, gialla, blu e verde. 96 × 96 in; 243,8 × 243,8 cm. Museo d'Arte Moderna di San Francisco (SFMOMA), San Francisco

Situazioni e Proposte

L'ambiguità delle creazioni di Flavin lo portò a smettere di riferirsi a esse come opere d'arte. Era consapevole che le sue composizioni luminose costituivano solo una parte dell'esperienza che gli spettatori potevano avere in presenza dell'opera. L'interezza dell'esperienza dello spettatore era molto più grande di quanto lui stesso potesse prevedere. Iniziò quindi a chiamare le sue creazioni "situazioni" e "proposte", implicando che rappresentassero solo l'inizio di un processo estetico in corso.

Alcune “situazioni” abitavano luoghi sacri, come le chiese. Altre abitavano spazi industriali. Altre ancora abitavano ambienti artistici tradizionali come un museo. L'esperienza completa di una Situazione Flavin dipende dalla luce, dall'architettura, dalle condizioni atmosferiche, così come da qualsiasi fattore personale che lo spettatore porta nell'ambiente in base alla propria relazione preesistente con quel particolare tipo di spazio.

Dan Flavin - La diagonale del 25 maggio 1963, 1963. Luce fluorescente blu. 96 in; 243,8 cm. Museo d'Arte Moderna di San Francisco (SFMOMA), San Francisco

Luci splendenti

Quindi, come contestualizziamo il lavoro di Flavin? Le sue qualità astratte contengono un significato più profondo e nascosto oltre alle sue qualità formali? Dipende da chi chiedi. Poiché le installazioni luminose di Flavin si integrano così bene negli spazi che occupano, è naturale che gli spettatori reagiscano emotivamente quando le incontrano. Per la maggior parte di noi, la maggior parte del tempo, una stanza è solo uno spazio utilitario, illuminato non per piacere ma per funzionalità. Quando qualcuno illumina uno spazio per bellezza piuttosto che per affari, lo chiamiamo illuminazione d'atmosfera, a causa delle vivide reazioni emotive che tende a ispirare.

Ma in riferimento alla sua insistenza sulla mancanza di significato sottostante delle sue opere, Flavin coniò famosamente l'espressione “È quello che è,” continuando, “e non è nient'altro... Tutto è chiaramente, apertamente, semplicemente consegnato.” Tuttavia, come i bambini che usano un cacciavite invece del martello previsto per battere un chiodo, rimaniamo tentati di ricontestualizzare l'arte di Flavin per i nostri scopi. Forse riflette un senso di diritto. Lo consideriamo un nostro diritto sovrano oggettivare un'opera d'arte in qualunque modo funzioni per noi, indipendentemente dall'intento dell'artista. O forse dovremmo semplicemente chiamarlo lo Sguardo dell'Interprete: un dono che noi spettatori d'arte conferiamo a noi stessi che consente al valore della combinazione di un'opera d'arte e noi stessi di sommare a più della somma delle sue parti individuali.

Immagine in evidenza: Dan Flavin - La diagonale del 25 maggio 1963 (a Constantin Brancusi), 1963
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park