La Gloriosa Austerità di Ben Nicholson

Quando Ben Nicholson morì nel 1982 all'età di 88 anni, lasciò dietro di sé un'eredità problematica nella sua patria, l'Inghilterra. Da un lato, i suoi rilievi astratti sono considerati dalla maggior parte degli studiosi britannici come l'epitome del Modernismo britannico. Dall'altro lato, Nicholson aveva la reputazione di essere un po' un attore—un artista che cambiava frequentemente e strategicamente stile per rimanere rilevante sul mercato. Un giorno avrebbe realizzato un rilievo astratto, ma poi, vedendo che non si vendeva, il giorno successivo sarebbe tornato a dipingere un bel paesaggio. Qualsiasi versione di Nicholson si avvicini di più alla realtà continua a essere un argomento ampiamente dibattuto in Gran Bretagna ogni volta che appare una retrospettiva del suo lavoro. Eppure, per gli spettatori al di fuori della Gran Bretagna, la questione è puramente accademica. La verità a livello internazionale è che con i suoi dipinti a rilievo Nicholson ha aggiunto qualcosa di unico alla storia dell'arte astratta modernista—non un'impresa facile per chiunque. La sua eredità non ha nulla a che fare con il fatto che stesse realizzando queste opere perché pensava che si sarebbero vendute, o se stesse solo cercando di essere strategico per competere con i suoi contemporanei. I rilievi sono semplicemente esempi fenomenali di austerità e precisione, e come tali meritano di essere glorificati. È esattamente la loro austerità e precisione, infatti, che porta così tante persone a descrivere i rilievi come essenzialmente britannici. Sono come rappresentazioni concrete del desiderio britannico di ridurre tutto nel mondo caotico a qualcosa di semplice, nitido e diretto. Eppure, le loro superfici eccessivamente lavorate e la metodologia ossessiva rivelano anche forse qualcos'altro sulla cultura britannica—che proprio sotto la superficie di quella ricerca pubblica dell'austero si nasconde una corrente sotterranea di ansia e ossessione.

La Ricerca della Novità

Nicholson nacque nel 1894 in una famiglia che era letteralmente straripante di talento artistico. Suo padre e sua madre erano entrambi pittori, e sua nonna materna era la nipote degli artisti Robert Scott Lauder e James Eckford Lauder. Non solo Nicholson crebbe per diventare un artista, ma anche sua sorella, e suo fratello divenne un architetto. Tuttavia, piuttosto che godere del suo patrimonio artistico, Nicholson cercò di distaccarsi da quella che, secondo lui, era una visione romanticamente nauseante. Nicholson era un giovane modernista. Voleva creare opere aspirazionali che mostrassero gli aspetti più ideali del mondo moderno. Con queste aspirazioni in mente, all'età di 16 anni si iscrisse alla Slade School of Fine Art, la scuola d'arte britannica più prestigiosa, nel 1910. Ma evidentemente preferiva trascorrere il suo tempo a giocare a biliardo piuttosto che andare in classe, e finì per abbandonare dopo un semestre.

Ben Nicholson - moonshine, 1966. Incisione su una lastra usata (precedentemente I.C.I. shed, 1948). Prova BAT; inscritta a matita 'bon a tirer BN'; inscritta a matita al verso 'prova dell'artista (moonshine)'; annotazioni a matita al verso in un'altra mano. 12 3/5 × 15 in; 32 × 38 cm. Foto per gentile concessione di Alan Cristea Gallery, Londra.

Nicholson in seguito ricordò che la sua migliore esperienza educativa artistica si ebbe quando viaggiò negli Stati Uniti nel 1917. Durante una visita in California, si imbatté per la prima volta nel lavoro Cubista Sintetico di Picasso. La delineazione della realtà in masse e piani semplificati ebbe un effetto profondo su Nicholson, che paragonò il resto del lavoro che fece nella sua vita a quel standard. Eppure, non fu fino al 1924 che riuscì a creare la sua prima composizione astratta. Intitolata “1924 (prima pittura astratta, Chelsea),” misurava 55,4 x 61,2 cm. L'opera a olio e matita su tela consiste in un arrangiamento di quadrati e rettangoli sovrapposti e smorzati inclinati su un leggero angolo. La superficie è pittorica ma anche piatta. Sembra fare riferimento a composizioni geometriche di artisti come Malevich e Mondrian, ma le sue umili qualità materiali le conferiscono una qualità molto meno accademica rispetto alle opere di quegli artisti. Ma dopo aver dipinto questa composizione, Nicholson tornò subito ai suoi dipinti di paesaggi e nature morte. Sarebbero passati altri dieci anni prima che arrivasse alle opere di rilievo astratto che lo avrebbero reso famoso.

Ben Nicholson - Natura morta, 1962. Litografia su carta. 18 1/2 × 26 in; 47 × 66 cm. Foto per gentile concessione della Frestonian Gallery, Londra

Dolce sollievo

Secondo Picasso, l'artista che ha avuto l'influenza più profonda su Nicholson è stata Barbara Hepworth. Nicholson e Hepworth iniziarono a socializzare intorno al 1931. La loro associazione iniziò in modo professionale, ma presto si trasformò in una relazione, causando il divorzio della prima moglie di Nicholson. A differenza di Nicholson, Hepworth era sicura della sua ricerca per l'astrazione. Credeva fermamente nel valore delle masse e dei piani, e sapeva che una forma astratta poteva essere apprezzata interamente per le sue qualità materiali e formali. Tre anni dopo l'inizio della sua relazione con Hepworth, Nicholson realizzò i suoi primi rilievi scolpiti. Per creare queste opere, tagliò forme semplici come cerchi e quadrati da cartone, poi incollò i fogli di cartone sopra altri fogli di cartone. Le opere erano progettate per essere appese al muro, le loro qualità tridimensionali sfidavano la piattezza tradizionale della pittura. Dipinse le loro superfici con tonalità tenui e poi raschiò ossessivamente la vernice con lame da rasoio. Paragonò quel processo a osservare sua madre pulire il tavolo della cucina da bambino. L'estetica consumata contraddice la precisione minimale delle forme in modi che creano sia dissonanza che equilibrio.

Ben Nicholson - Frammento Olimpico, 1966. Incisione. 7 9/10 × 9 4/5 in; 20 × 25 cm. Edizione di 60. Foto Osborne Samuel, Londra

Nicholson e Hepworth si sposarono nel 1938 e divorziarono nel 1951. Durante la loro relazione, Nicholson maturò completamente la sua visione astratta e ridotta. Anche dopo la fine della loro relazione, continuò a realizzare i suoi rilievi geometrici e dipinti astratti ridotti. Ma ci furono anche molti periodi in cui si ritirò nel comfort del lavoro rappresentativo. Forse è vero che lo fece solo per guadagnare soldi, poiché i collezionisti britannici non erano sempre entusiasti di sostenere l'arte astratta all'epoca. O forse Nicholson era semplicemente curioso riguardo all'interrelazione tra astrazione e figurazione. Forse vedeva i suoi rilievi meno come astrazione, in sé, e più come esempi di eliminazione dell'ornamento. In questo senso, forse non stava cercando di abbandonare la realtà rappresentativa, ma piuttosto cercava di espandere la sua definizione. Se è così, allora come i Costruttivisti, Nicholson sfidò qualsiasi senso di stile e invece offrì una visione estetica complessa che racchiudeva le sue speranze per un mondo più nuovo, più stratificato e più onesto.

Immagine in evidenza: Ben Nicholson - Patmos lungo orizzontale, 1967. Incisione. Prova dell'artista; firmata e datata 'Nicholson 67'; iscritta al verso in matita. 'BN copia scatola copia dell'artista n. 6'. 11 7/10 × 17 4/5 in; 29,7 × 45,2 cm. Foto per gentile concessione di Alan Cristea Gallery, Londra.
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park