La Gloriosa Austerità di Ben Nicholson

Quando Ben Nicholson morì nel 1982 all'età di 88 anni, lasciò un'eredità controversa nella sua terra natale, l'Inghilterra. Da un lato, i suoi rilievi astratti sono considerati dalla maggior parte degli studiosi britannici come l'apice del Modernismo britannico. Dall'altro lato, Nicholson aveva la reputazione di essere un po' un esibizionista—un artista che cambiava stile frequentemente e strategicamente per rimanere rilevante sul mercato. Un giorno realizzava un rilievo astratto, ma vedendolo non vendere, il giorno dopo tornava a dipingere un bel paesaggio. Qualunque versione di Nicholson si avvicini di più alla realtà continua a essere un tema molto dibattuto in Gran Bretagna ogni volta che si organizza una retrospettiva della sua opera. Tuttavia, per gli spettatori fuori dalla Gran Bretagna la questione è puramente accademica. Il punto fondamentale a livello internazionale è che con i suoi dipinti in rilievo Nicholson ha aggiunto qualcosa di unico alla storia dell'arte astratta modernista—non un risultato facile per nessuno. La sua eredità non ha nulla a che fare con il fatto che realizzasse queste opere perché pensava che si sarebbero vendute, o se stesse solo cercando di essere strategico per competere con i suoi contemporanei. I rilievi sono semplicemente esempi fenomenali di austerità e precisione, e come tali meritano di essere glorificati. È proprio la loro austerità e precisione, infatti, che spinge molte persone a descrivere i rilievi come tipicamente britannici. Sono come rappresentazioni concrete del desiderio britannico che tutto nel mondo caotico venga ridotto a qualcosa di semplice, nitido e diretto. Eppure le loro superfici eccessivamente lavorate e la metodologia ossessiva forse rivelano anche qualcos'altro sulla cultura britannica—che appena sotto la superficie di quella ricerca pubblica dell'austero si nasconde una corrente di ansia e ossessione.

La ricerca della novità

Nicholson nacque nel 1894 in una famiglia letteralmente traboccante di talento artistico. Suo padre e sua madre erano entrambi pittori, e sua nonna materna era nipote degli artisti Robert Scott Lauder e James Eckford Lauder. Non solo Nicholson crebbe diventando un artista, ma anche sua sorella e suo fratello divennero rispettivamente artista e architetto. Tuttavia, invece di crogiolarsi nella sua eredità artistica, Nicholson cercò di prendere le distanze da quella che a suo avviso era una visione nauseantemente romantica. Nicholson era un giovane modernista. Voleva creare opere aspirazionali che mostrassero gli aspetti più ideali del mondo moderno. Con queste aspirazioni in mente, a 16 anni si iscrisse alla Slade School of Fine Art, la scuola d'arte britannica più prestigiosa, nel 1910. Ma evidentemente preferiva passare il tempo a giocare a biliardo invece di andare a lezione, e finì per abbandonare dopo un semestre.

Ben Nicholson - moonshine, 1966. Acquaforte su lastra usata (precedentemente capannone I.C.I., 1948). Prova BAT; iscrizione a matita 'bon a tirer BN'; iscrizione a matita sul retro 'prova d'artista (moonshine)'; annotazioni a matita sul retro in altra mano. 12 3/5 × 15 in; 32 × 38 cm. Foto per gentile concessione Alan Cristea Gallery, Londra

Nicholson ricordò in seguito che la sua migliore esperienza educativa artistica avvenne durante un viaggio negli Stati Uniti nel 1917. Durante una visita in California, incontrò per la prima volta l'opera cubista sintetica di Picasso. La scomposizione della realtà in masse e piani semplificati ebbe un effetto profondo su Nicholson, che paragonò tutto il resto del lavoro che fece nella sua vita a quel modello. Tuttavia, solo nel 1924 riuscì a creare la sua prima composizione astratta. Intitolata “1924 (prima pittura astratta, Chelsea)”, misurava 55,4 x 61,2 cm. L'opera a olio e matita su tela consiste in un insieme di quadrati e rettangoli sovrapposti e smorzati inclinati leggermente. La superficie è pittorica ma anche piatta. Sembra fare riferimento a composizioni geometriche di artisti come Malevich e Mondrian, ma le sue umili qualità materiali le conferiscono una qualità molto meno accademica rispetto alle opere di quegli artisti. Dopo aver dipinto questa composizione, Nicholson tornò subito a dipingere paesaggi e nature morte. Passarono altri dieci anni prima che arrivasse ai rilievi astratti che lo avrebbero reso famoso.

Ben Nicholson - Natura morta, 1962. Litografia su carta. 18 1/2 × 26 in; 47 × 66 cm. Foto per gentile concessione Frestonian Gallery, Londra

Dolce sollievo

Secondo solo a Picasso, l'artista che ebbe l'influenza più profonda su Nicholson fu Barbara Hepworth. Nicholson e Hepworth iniziarono a frequentarsi intorno al 1931. La loro relazione iniziò in modo professionale, ma presto divenne una storia d'amore, causando il divorzio della prima moglie di Nicholson. A differenza di Nicholson, Hepworth era sicura della sua ricerca dell'astrazione. Credeva fermamente nel valore delle masse e dei piani, e sapeva che una forma astratta poteva essere apprezzata interamente per le sue qualità materiali e formali. Tre anni dopo l'inizio della loro relazione, Nicholson realizzò i suoi primi rilievi intagliati. Per creare queste opere, tagliava forme semplici come cerchi e quadrati dal cartone e poi incollava i fogli di cartone sopra altri fogli di cartone. Le opere erano pensate per essere appese al muro, le loro qualità tridimensionali sfidavano la tradizionale piattezza della pittura. Dipingeva le loro superfici con tonalità smorzate e poi raschiava ossessivamente la vernice con lamette da barba. Paragonava quel processo a quando da bambino vedeva sua madre strofinare il tavolo della cucina. L'estetica consumata contrasta con la precisione minimale delle forme in modi che creano sia dissonanza che equilibrio.

Ben Nicholson - Frammento Olimpico, 1966. Acquaforte. 7 9/10 × 9 4/5 in; 20 × 25 cm. Edizione di 60. Foto Osborne Samuel, Londra

Nicholson e Hepworth si sposarono nel 1938 e divorziarono nel 1951. Durante la loro relazione, Nicholson maturò completamente la sua visione astratta essenziale. Anche dopo la fine della loro relazione, continuò a realizzare i suoi rilievi geometrici e le sue pitture astratte essenziali. Ma ci furono anche molti periodi in cui tornò al conforto del lavoro rappresentativo. Forse è vero che lo fece solo per guadagnare, dato che i collezionisti britannici non erano sempre propensi a sostenere l'arte astratta allora. Oppure Nicholson era semplicemente curioso del rapporto tra astrazione e figurazione. Forse vedeva i suoi rilievi meno come astrazione in sé, e più come esempi di eliminazione dell'ornamento. In questo senso, forse non cercava di abbandonare la realtà rappresentativa, ma piuttosto di espandere la sua definizione. Se così fosse, allora come i costruttivisti, Nicholson sfidava ogni senso di stile e offriva invece una visione estetica complessa che comprendeva le sue speranze per un mondo più nuovo, più stratificato e più onesto.

Immagine in evidenza: Ben Nicholson - Patmos lungo orizzontale, 1967. Acquaforte. Prova d'artista; firmata e datata 'Nicholson 67'; iscrizione a matita sul retro. 'BN copia scatola copia artista n. 6'. 11 7/10 × 17 4/5 in; 29,7 × 45,2 cm. Foto per gentile concessione Alan Cristea Gallery, Londra
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio