L'Influenza dell'Arte Astratta sul Design Moderno e Contemporaneo

I design d'arte astratta possono essere trovati ovunque, nella moda, nei mobili, nell'architettura, nella pubblicità e praticamente in ogni altro prodotto del design contemporaneo. Che si tratti di una linea di scarpe ispirata all'Op Art, di flute da champagne ispirati a un'installazione di Dan Flavin, o di decorazioni per set in un video hip hop ispirate a James Turrell, è solo l'ultima manifestazione di una tendenza antica: designer influenzati dall'arte. È su questo che si basava il Bauhaus; un'arte totale che abbracciava tutti i fenomeni estetici. Ed è per questo che l'arte astratta è la base di così tanto design nella cultura di oggi.

L'Arte e il Design Astratto Ricostruirono il Mondo

Dopo la Seconda Guerra Mondiale, l'umanità aveva bisogno di designer su una scala più grande che mai. Gran parte dell'Europa, dell'Asia e del Mediterraneo necessitava di ricostruzione dopo essere stata bombardata praticamente in macerie. E non erano solo gli edifici e le strade cittadine a necessitare di aiuto. Una popolazione umana devastata da anni di depressione, carestia e guerra aveva bisogno di tutto nuovo: abitazioni, vestiti, trasporti, strumenti, mobili, spazi pubblici di incontro, dispositivi di telecomunicazione, e così via.

La capacità di industrializzazione del mondo era ai massimi storici grazie alla mobilitazione per la guerra, e gli artisti applicati della società trovarono opportunità senza precedenti per ridisegnare ciò che sarebbe diventato il nuovo mondo e aiutare a riportare la cultura dall'orlo del baratro. Artisti applicati come architetti, designer di mobili, designer di moda, designer di automobili e designer industriali si tuffarono a capofitto nella praticità, creando prodotti che potevano essere prodotti in serie in modo efficiente e soddisfare la più ampia base di consumatori possibile.

Charles e Ray Eames - Case Study House No. 8

La Teoria Yin Yang al Lavoro

Gli artisti astratti prevalenti dell'epoca stavano anche cercando di aiutare a comprendere cosa fosse successo al mondo. Ma piuttosto che ricostruire la società, che di solito non è considerata parte del regno delle Belle Arti, stavano lavorando per contestualizzarla. Gli artisti astratti del dopoguerra stavano cercando di comprendere qualcosa di intrinseco a loro stessi. Stavano affrontando l'ignoto, il subconscio e gli aspetti profondamente personali della loro umanità.

Un modo per vederla è che si stava trovando un equilibrio. I designer rispondevano alla follia della guerra con efficienza e logica. Gli artisti astratti rispondevano ad essa con intuizione ed emozione. Queste forze complementari hanno entrambe avuto il loro effetto sulla coscienza della società del Dopoguerra. Da un lato, il mondo occidentale stava diventando tanto contemplativo e esistenzialmente profondo come non lo era mai stato. Dall'altro lato, stava diventando il più materialista di sempre.

Ugo Gianattasio - Senza titolo, 1920

Nell'era post Seconda Guerra Mondiale, due dei designer più influenti furono Charles e Ray Eames, creatori della famosa Eames Chair. Nel 1949 progettarono e costruirono la loro Case Study House No. 8, che usarono come casa e studio. L'edificio era considerato rappresentare l'apice del design architettonico contemporaneo dell'epoca. Secondo la Eames Foundation, il design faceva parte di un progetto inteso a “esprimere la vita dell'uomo nel mondo moderno.” La casa assomigliava a un dipinto di Piet Mondrian di circa trent'anni prima. Mondrian morì nel 1944. A New York City nel 1950, uno dei traguardi architettonici più importanti fu un grattacielo premiato noto come Lever House. Acclamato come un capolavoro dell'architettura moderna, le sue linee pulite, l'uso di acciaio e vetro, l'uso supremo e funzionale dello spazio e la totale mancanza di ornamenti lo resero un esempio supremo di architettura modernista. Espresse perfettamente le preoccupazioni estetiche del Costruttivismo russo degli anni '20.

Lever House, New York City

La più grande innovazione nel design automobilistico nel 1950 fu l'invenzione della decappottabile hardtop. Cosa potrebbe avere più senso? È l'apice della funzionalità e dello stile, sfruttando materiali leggeri, nuovi e a basso costo e una crescente domanda dei consumatori per opzioni. E il design elegante delle auto era davvero futuristico, quasi esattamente quanto il futurismo italiano degli anni '20.

1950 Chrysler Town & Country

L'arte astratta ha influenzato il design moderno? Assolutamente. Piet Mondrian’s estetica De Stijl ha ovviamente avuto un profondo effetto sulla casa degli Eames, solo qualche decennio dopo che Neoplasticismo era stato introdotto. Il Lever House era il grattacielo costruttivista perfetto; è arrivato solo qualche decennio dopo che l'architettura costruttivista si era presentata. E le cabriolet hardtop erano davvero le auto del futuro; il futuro degli anni '20 e il futuro degli anni '50.

Ciò che stava accadendo nell'arte astratta negli anni '50 era questo: quell'anno Jackson Pollock dipinse “Numero 1, 1950” e Franz Kline dipinse “Il Capo.”

Jackson Pollock - Numero 1, 1950 (Lavender Mist), 1950, olio, smalto e alluminio su tela, Fondo Ailsa Mellon Bruce, 1976.37.1

L'Espressionismo Astratto dell'Architettura

Con l'avanzare rapido delle innovazioni nelle telecomunicazioni, anche la velocità con cui l'arte astratta è stata in grado di influenzare il design è aumentata. Invece di 30 anni, ci sono voluti solo circa 10 anni perché l'Espressionismo Astratto lasciasse il segno nel mondo del design. L'estetica e la filosofia dietro l'Espressionismo Astratto sono emerse attraverso una diffusione dell'intero processo di creazione artistica. È stato un ritorno all'intuizione, alle origini primordiali delle influenze subconscie. È stato il compimento dell'obiettivo finale dell'Astrazione: la scoperta dell'originalità e la vera espressione dell'essenza dell'individuo unico.

La filosofia dell'Espressionismo Astratto si è manifestata nell'architettura sotto forma di Deconstructivismo. Il Deconstructivismo cercava di raggiungere un elemento di imprevedibilità. Piuttosto che attenersi a forme funzionali che mancavano di ornamentazione, gli architetti deconstructivisti cercavano forme originali che utilizzassero apertamente elementi di design ornamentale. Molti architetti deconstructivisti hanno progettato edifici che sembravano essi stessi deconstructivisti, come se fossero frammentati in sezioni. Altri hanno progettato edifici che imitano l'estetica gestuale dell'arte dell'Espressionismo Astratto. Sebbene sia iniziato alla fine degli anni '50, lo stile continua ad essere utilizzato oggi. Il suo sostenitore più riconoscibile è probabilmente Frank Gehry.

Guggenheim Bilbao di Frank Gehry

Entro la metà degli anni '60, le tendenze del design stavano quasi immediatamente imitando le tendenze dell'arte astratta, in particolare nel design della moda. Bridget Riley dipinse la sua opera fondamentale di Op Art, Movement in Squares, nel 1961. La rivista Time coniò il termine “Op Art” nel 1964 in risposta a una mostra del lavoro di Julian Stanczak alla Martha Jackson Gallery di New York. Nel 1965, lo stile era così pienamente rappresentato nella cultura popolare che fu citato in un servizio fotografico su Vogue Magazine.

Bridget Riley - Movimento nei quadrati, 1961. Tempera su tavola rigida. 123,2 x 121,2 cm. © 2018 Bridget Riley. Cortesia di Karsten Schubert, Londra

Influenze minime

Negli anni '70, uno degli stili predominanti dell'arte astratta era il Minimalismo, e una delle voci più influenti del Minimalismo era un artista di nome Donald Judd. Judd e i suoi contemporanei cercavano di creare opere fondamentalmente diverse da quelle dei precedenti astrattisti, in particolare dagli Espressionisti Astratti. Il Minimalismo eliminava elementi biografici personali dall'opera e cercava forme semplificate e un linguaggio visivo ridotto.

Ciò che rende Judd uno studio così affascinante è che non era solo un artista minimalista, ma era anche un architetto e un designer di mobili. In quanto sostenitore sia delle belle arti che delle arti applicate, è stato in grado di manifestare simultaneamente i suoi concetti nei vari campi in cui ha lavorato. In un certo senso, Judd era la personificazione degli ideali del Bauhaus o dell'Art Nouveau, entrambi i quali sottolineavano un'espressione simultanea di tutte le arti che lavorano insieme sugli stessi concetti.

Donald Judd - Prototype Desk, 1978. Collezione LACMA. Dono del Comitato dei Collezionisti 2011. © Museum Associates/LACMA

Judd era anche un appassionato scrittore e teorico, e aveva da dire questo sulla differenza tra le belle arti e le arti applicate: “La configurazione e la scala dell'arte non possono essere trasposte in mobili e architettura. L'intento dell'arte è diverso da quello di quest'ultimi, che devono essere funzionali. Se una sedia o un edificio non è funzionale, se appare solo come arte, è ridicolo...”Questa filosofia è evidente nel diverso lavoro che ha realizzato.

Donald Judd - Senza titolo, 1971

Forma vs. Funzione

La differenza essenziale tra arte astratta e design è che l'arte astratta, come tutta l'arte fine, è qualcosa da incontrare a un livello contemplativo. Può essere intellettuale, viscerale, ispiratrice o esteticamente bella. È destinata a farci pensare, sentire, considerare, evolvere e meravigliarci sul significato delle nostre esperienze. La funzione del design è piuttosto diversa. È un modo per aumentare l'utilità o il piacere dei prodotti di consumo. Il design deve servire una funzione, altrimenti è, come ha detto Judd, assurdo.

L'influenza profonda delle tendenze dell'arte astratta come l'Espressionismo Astratto, l'Op Art, il Neoplasticismo e il Minimalismo su tutte le arti applicate, dalla moda al design di mobili all'architettura e oltre, non può essere esagerata. E felicemente oggi viviamo in un'epoca in cui possiamo accedere rapidamente alla storia sia dell'arte astratta che del design, e vedere con i nostri occhi i profondi effetti che l'estetica e la filosofia dell'arte astratta esercitano sulle tendenze del design.

È interessante notare che viviamo anche in un'epoca in cui possiamo vedere quegli effetti manifestarsi in modo immediato. Un'artista astratta può caricare una fotografia della sua nuova opera su Instagram e, pochi secondi dopo, un designer di moda a Milano può utilizzare quell'immagine come ispirazione per la sua nuova collezione primavera. O viceversa. Un designer di moda può caricare un'immagine di un nuovo vestito, e questo può avere un effetto viscerale su un'artista astratta, che potrebbe quindi fare progressi in nuovi ambiti dell'arte astratta. Oggi tutto è in grado di influenzare tutto il resto, mentre la nostra cultura avanza felicemente saltando in avanti per incontrare il nuovo.

Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park