L'Influenza dell'Arte Astratta sul Design Moderno e Contemporaneo

I motivi dell’arte astratta si trovano ovunque: nella moda, nell’arredamento, nell’architettura, nella pubblicità e praticamente in ogni altro prodotto del design contemporaneo. Che si tratti di una linea di scarpe ispirata all’Op Art, di flute da champagne ispirati a un’installazione di Dan Flavin o delle scenografie di un video hip hop ispirate a James Turrell, non è che l’ultima manifestazione di una tendenza antica: i designer influenzati dall’arte. È ciò su cui si fondava il Bauhaus: un’arte totale che comprendeva tutti i fenomeni estetici. Ed è per questo che l’arte astratta è alla base di gran parte del design della cultura odierna.

L’arte astratta e il design ricostruirono il mondo

Dopo la Seconda guerra mondiale, l’umanità aveva bisogno di designer su una scala più ampia che mai. Gran parte dell’Europa, dell’Asia e del Mediterraneo aveva bisogno di essere ricostruita dopo essere stata praticamente ridotta in macerie dai bombardamenti. E non erano solo gli edifici e le strade delle città ad aver bisogno di aiuto. Una popolazione devastata da anni di depressione, carestie e guerra aveva bisogno di tutto ciò che era nuovo: abitazioni, abiti, mezzi di trasporto, strumenti, mobili, spazi pubblici di ritrovo, dispositivi per le telecomunicazioni e molto altro ancora.

La capacità di industrializzazione del mondo era ai massimi livelli grazie alla mobilitazione bellica, e gli artisti applicati della società si trovarono di fronte a opportunità senza precedenti per riprogettare quello che sarebbe diventato il nuovo mondo e contribuire a riportare la cultura dall’orlo del precipizio. Artisti applicati come architetti, designer di mobili, stilisti, designer automobilistici e designer industriali si dedicarono con entusiasmo alla praticità, creando prodotti che potessero essere fabbricati in serie in modo efficiente e rivolti alla più ampia base di consumatori possibile.

Charles e Ray Eames - Case Study House n. 8

La teoria dello yin e dello yang all’opera

Anche i principali artisti astratti dell’epoca cercavano di comprendere ciò che era accaduto al mondo. Ma invece di ricostruire la società, cosa che di solito non rientra nell’ambito delle belle arti, lavoravano per contestualizzarla. Gli artisti astratti del dopoguerra cercavano di comprendere qualcosa di insito in loro stessi. Si confrontavano con l’ignoto, il subconscio e gli aspetti profondamente personali della loro umanità.

Un modo per considerare la questione è pensare che si stesse stabilendo un equilibrio. I designer rispondevano alla follia della guerra con efficienza e logica. Gli artisti astratti vi rispondevano con intuizione ed emozione. Queste forze complementari influenzarono entrambe la coscienza della società del dopoguerra. Da un lato, il mondo occidentale stava diventando più contemplativo e profondamente esistenziale che mai. Dall’altro, stava diventando anche più materialista che mai.

Ugo Gianattasio - Senza titolo, 1920

Nell’epoca successiva alla Seconda guerra mondiale, due dei designer più influenti furono Charles e Ray Eames, creatori della celebre Eames Chair. Nel 1949 progettarono e costruirono la loro Case Study House n. 8, che utilizzarono come abitazione e studio. All’epoca, l’edificio era considerato il punto più alto raggiunto dal design architettonico contemporaneo. Secondo la Eames Foundation, il progetto faceva parte di un’iniziativa destinata a “esprimere la vita dell’uomo nel mondo moderno”. La casa sembrava un dipinto di Piet Mondrian di circa trent’anni prima. Mondrian morì nel 1944. A New York, nel 1950, uno dei massimi risultati dell’architettura fu un grattacielo pluripremiato noto come Lever House. Celebrato come un capolavoro dell’architettura moderna, con le sue linee pulite, l’uso dell’acciaio e del vetro, l’impiego dello spazio estremamente funzionale e la totale assenza di ornamenti, costituiva un esempio eccellente di architettura modernista. Esprimeva perfettamente le preoccupazioni estetiche del Costruttivismo russo degli anni Venti.

Lever House, New York

La più grande innovazione nel design automobilistico del 1950 fu l’invenzione della decappottabile con tetto rigido. Cosa poteva avere più senso? È il massimo della funzionalità e dello stile, realizzata con materiali nuovi, economici e leggeri, e in risposta alla crescente domanda dei consumatori di poter scegliere. E il design elegante delle automobili era davvero futuristico, quasi esattamente quanto il Futurismo italiano degli anni Venti.

Chrysler Town & Country del 1950

L’arte astratta influenzò il design moderno? Assolutamente sì. L’estetica De Stijl di Piet Mondrian ebbe ovviamente un effetto profondo sulla casa degli Eames, realizzata appena qualche decennio dopo l’introduzione del Neoplasticismo. La Lever House era il perfetto grattacielo costruttivista; arrivò appena qualche decennio dopo l’affermazione dell’architettura costruttivista. E le decappottabili con tetto rigido erano davvero le automobili del futuro: il futuro degli anni Venti e quello degli anni Cinquanta.

Nell’arte astratta degli anni Cinquanta stava accadendo questo: quello fu l’anno in cui Jackson Pollock dipinse “Number 1, 1950” e Franz Kline dipinse “The Chief”.

Jackson Pollock - Number 1, 1950 (Lavender Mist), 1950, olio, smalto e alluminio su tela, Ailsa Mellon Bruce Fund, 1976.37.1

L’espressionismo astratto dell’architettura

Con il rapido progresso delle innovazioni nelle telecomunicazioni, aumentò anche la velocità con cui l’arte astratta riusciva a influenzare il design. Invece di trent’anni, bastarono circa dieci anni perché l’Espressionismo astratto lasciasse il segno nel mondo del design. L’estetica e la filosofia alla base dell’Espressionismo astratto nacquero dalla diffusione dell’intero processo creativo dell’arte. Fu un ritorno all’intuizione, alle origini primordiali delle influenze subconscie. Fu il compimento dell’obiettivo ultimo dell’astrazione: la scoperta dell’originalità e della vera espressione dell’essenza dell’individuo unico.

La filosofia dell’Espressionismo astratto si manifestò nell’architettura sotto forma di Decostruttivismo. Il Decostruttivismo cercava di raggiungere un elemento di imprevedibilità. Invece di attenersi a forme funzionali prive di ornamenti, gli architetti decostruttivisti cercavano forme originali che utilizzassero apertamente elementi ornamentali. Molti architetti decostruttivisti progettarono edifici che sembravano essi stessi decostruiti, come se fossero frammentati in sezioni. Altri progettarono edifici che imitavano l’estetica gestuale dell’arte espressionista astratta. Sebbene sia nato alla fine degli anni Cinquanta, questo stile continua a essere utilizzato ancora oggi. Il suo esponente più riconoscibile è probabilmente Frank Gehry.

Il Guggenheim di Bilbao di Frank Gehry

A metà degli anni Sessanta, le tendenze del design iniziarono a imitare quasi immediatamente quelle dell’arte astratta, in particolare nel design della moda. Bridget Riley dipinse la sua opera fondamentale di Op Art, Movement in Squares, nel 1961. La rivista Time coniò il termine “Op Art” nel 1964 in risposta a una mostra delle opere di Julian Stanczak alla Martha Jackson Gallery di New York. Nel 1965, lo stile era così pienamente presente nella cultura popolare da essere citato in un servizio fotografico della rivista Vogue.

Bridget Riley - Movement in Squares, 1961. Tempera su faesite. 123,2 x 121,2 cm. © 2018 Bridget Riley. Per gentile concessione di Karsten Schubert, Londra

Influenze minimaliste

Negli anni Settanta, uno degli stili predominanti dell’arte astratta era il Minimalismo, e una delle voci più influenti del Minimalismo era un artista di nome Donald Judd. Judd e i suoi contemporanei cercavano di realizzare opere fondamentalmente diverse da quelle degli astrattisti precedenti, soprattutto dagli espressionisti astratti. Il Minimalismo eliminava gli elementi biografici personali dall’opera e ricercava forme semplificate e un linguaggio visivo ridotto all’essenziale.

Ciò che rende Judd uno studio tanto affascinante è che non era soltanto un artista minimalista, ma anche un architetto e un designer di mobili. In quanto sostenitore sia delle belle arti sia delle arti applicate, riusciva a manifestare simultaneamente i propri concetti nei diversi ambiti in cui lavorava. In certi aspetti, Judd era la personificazione degli ideali del Bauhaus o dell’Art Nouveau, entrambi incentrati sull’espressione simultanea di tutte le arti che lavoravano insieme alle stesse idee.

Donald Judd - Prototype Desk, 1978. Collezione LACMA. Dono del Collectors Committee del 2011. © Museum Associates/LACMA

Judd era anche un appassionato scrittore e teorico, e disse questo sulla differenza tra le belle arti e le arti applicate: “La configurazione e la scala dell’arte non possono essere trasposte nei mobili e nell’architettura. L’intento dell’arte è diverso da quello di queste ultime, che devono essere funzionali. Se una sedia o un edificio non sono funzionali, se sembrano essere soltanto arte, sono ridicoli...” Quella filosofia è evidente nelle diverse opere che realizzò.

Donald Judd - Senza titolo, 1971

Forma contro funzione

La differenza essenziale tra arte astratta e design è che l’arte astratta, come tutte le belle arti, è qualcosa da vivere a livello contemplativo. Può essere intellettuale, viscerale, ispiratrice o esteticamente bella. È concepita per indurci a pensare, provare emozioni, riflettere, evolverci e interrogarci sul significato delle nostre esperienze. La funzione del design è molto diversa. È un modo per aumentare l’utilità o il piacere dei prodotti di consumo. Il design deve svolgere una funzione oppure, come disse Judd, è assurdo.

La profonda influenza che tendenze dell’arte astratta come l’Espressionismo astratto, l’Op Art, il Neoplasticismo e il Minimalismo hanno avuto su tutte le arti applicate, dal design della moda a quello dei mobili, all’architettura e oltre, non può essere sopravvalutata. E fortunatamente oggi viviamo in un’epoca in cui possiamo accedere rapidamente alla storia sia dell’arte astratta sia del design e osservare di persona gli effetti profondi che l’estetica e la filosofia dell’arte astratta esercitano sulle tendenze del design.

È interessante notare che viviamo anche in un’epoca in cui possiamo vedere questi effetti manifestarsi in modo immediato. Un pittore astratto può caricare su Instagram la fotografia del suo nuovo dipinto e, pochi secondi dopo, uno stilista di Milano può usare quell’immagine come fonte d’ispirazione per la sua nuova collezione primaverile. O viceversa. Uno stilista può caricare la foto di un nuovo abito, che potrebbe avere un effetto viscerale su un artista astratto, il quale potrebbe poi aprirsi la strada verso nuovi ambiti dell’arte astratta. Oggi tutto può influenzare tutto il resto, mentre la nostra cultura procede felicemente a balzi verso il nuovo.

Tutte le immagini sono utilizzate esclusivamente a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio 2016
Redazione di IdeelArt (2026)