L'Influenza dell'Arte Astratta sul Design Moderno e Contemporaneo

I disegni di arte astratta si trovano ovunque: nella moda, nei mobili, nell’architettura, nella pubblicità e praticamente in ogni altro prodotto del design contemporaneo. Che si tratti di una linea di scarpe ispirata all’Op Art, di flute da champagne ispirati a un’installazione di Dan Flavin, o di scenografie in un video hip hop ispirato a James Turrell, è solo l’ultima manifestazione di una tendenza antica: i designer influenzati dall’arte. È ciò su cui si basava il Bauhaus; un’arte totale che abbracciava tutti i fenomeni estetici. Ed è per questo che l’arte astratta è la base di gran parte del design nella cultura odierna.

L’arte astratta e il design hanno ricostruito il mondo

Dopo la Seconda Guerra Mondiale, l’umanità aveva bisogno di designer su una scala più ampia che mai. Gran parte dell’Europa, dell’Asia e del Mediterraneo necessitava di ricostruzione dopo essere stata ridotta in macerie dai bombardamenti. E non erano solo gli edifici e le strade cittadine a richiedere aiuto. Una popolazione umana devastata da anni di depressione, carestia e guerra aveva bisogno di tutto nuovo: abitazioni, vestiti, trasporti, utensili, mobili, spazi pubblici di incontro, dispositivi per le telecomunicazioni e molto altro.

La capacità industriale mondiale era al massimo grazie alla mobilitazione per la guerra, e gli artisti applicati della società trovarono opportunità senza precedenti per ridisegnare ciò che sarebbe diventato il nuovo mondo e aiutare a riportare la cultura dall’orlo del baratro. Artisti applicati come architetti, designer di mobili, stilisti, progettisti di automobili e designer industriali si tuffarono a capofitto nella praticità, creando prodotti che potevano essere prodotti in serie in modo efficiente e rivolti alla più ampia base di consumatori possibile.

Charles e Ray Eames - Case Study House n. 8

La teoria dello Yin Yang in azione

Gli artisti astratti predominanti dell’epoca cercavano anche di aiutare a comprendere ciò che era accaduto al mondo. Ma invece di ricostruire la società, cosa che di solito non si considera appartenente al campo delle Belle Arti, lavoravano per contestualizzarla. Gli artisti astratti del dopoguerra cercavano di capire qualcosa di intrinseco a se stessi. Affrontavano l’ignoto, il subconscio e gli aspetti profondamente personali della loro umanità.

Un modo per vederla è che si stava raggiungendo un equilibrio. I designer rispondevano alla follia della guerra con efficienza e logica. Gli artisti astratti rispondevano con intuizione ed emozione. Queste forze complementari influenzarono entrambe la coscienza della società del dopoguerra. Da un lato, il mondo occidentale diventava contemplativo e profondamente esistenziale come mai prima. Dall’altro, diventava il più materialista.

Ugo Gianattasio - Senza titolo, 1920

Nell’era del dopoguerra, due dei designer più influenti furono Charles e Ray Eames, creatori della famosa sedia Eames. Nel 1949 progettarono e costruirono la loro Case Study House n. 8, che usarono come casa e studio. L’edificio era considerato il culmine del design architettonico contemporaneo dell’epoca. Secondo la Eames Foundation, il progetto faceva parte di un’iniziativa volta a “esprimere la vita dell’uomo nel mondo moderno.” La casa sembrava un dipinto di Piet Mondrian di circa trent’anni prima. Mondrian morì nel 1944. A New York nel 1950, uno dei traguardi architettonici più importanti fu un grattacielo premiato noto come Lever House. Celebrato come un capolavoro dell’architettura moderna, le sue linee pulite, l’uso di acciaio e vetro, l’uso estremamente funzionale dello spazio e la totale assenza di ornamenti ne facevano un esempio supremo di architettura modernista. Esprimeva perfettamente le preoccupazioni estetiche del Costruttivismo russo degli anni Venti.

Lever House, New York City

La più grande innovazione nel design automobilistico del 1950 fu l’invenzione della decappottabile hardtop. Cosa poteva avere più senso? È il massimo della funzionalità e dello stile, sfruttando materiali nuovi, leggeri ed economici e una crescente domanda di opzioni da parte dei consumatori. E il design slanciato delle auto era davvero futuristico, quasi esattamente come il Futurismo italiano degli anni Venti.

Chrysler Town & Country 1950

L’arte astratta ha influenzato il design moderno? Assolutamente. L’estetica De Stijl di Piet Mondrian ha ovviamente avuto un profondo effetto sulla casa degli Eames, essendo stata introdotta solo decenni dopo il Neoplasticismo. Il Lever House era il grattacielo costruttivista perfetto; arrivò solo qualche decennio dopo l’introduzione dell’architettura costruttivista. E le decappottabili hardtop erano davvero le auto del futuro; il futuro degli anni Venti e quello degli anni Cinquanta.

Ciò che accadeva nell’arte astratta negli anni Cinquanta fu questo: quell’anno Jackson Pollock dipinse “Number 1, 1950” e Franz Kline dipinse “The Chief.”

Jackson Pollock - Number 1, 1950 (Lavender Mist), 1950, olio, smalto e alluminio su tela, Ailsa Mellon Bruce Fund, 1976.37.1

L’Espressionismo Astratto nell’architettura

Con il rapido progresso delle telecomunicazioni, la velocità con cui l’arte astratta influenzava il design aumentò. Invece di 30 anni, ci vollero solo circa 10 anni perché l’Espressionismo Astratto lasciasse il segno nel mondo del design. L’estetica e la filosofia dietro l’Espressionismo Astratto nacquero attraverso la diffusione dell’intero processo di creazione artistica. Fu un ritorno all’intuizione, alle origini primordiali delle influenze inconsce. Fu il compimento dell’obiettivo ultimo dell’Astrazione: la scoperta dell’originalità e la vera espressione dell’essenza dell’individuo unico.

La filosofia espressionista astratta si manifestò nell’architettura sotto forma di Decostruttivismo. Il Decostruttivismo cercava di ottenere un elemento di imprevedibilità. Invece di aderire a forme funzionali prive di ornamenti, gli architetti decostruttivisti cercavano forme originali che utilizzassero apertamente elementi decorativi. Molti architetti decostruttivisti progettarono edifici che sembravano essi stessi decostruiti, come frammentati in sezioni. Altri progettarono edifici che imitavano l’estetica gestuale dell’arte espressionista astratta. Sebbene iniziato alla fine degli anni Cinquanta, lo stile continua a essere utilizzato oggi. Il suo esponente più riconoscibile è probabilmente Frank Gehry.

Guggenheim Bilbao di Frank Gehry

A metà degli anni Sessanta, le tendenze del design imitavano quasi immediatamente quelle dell’arte astratta, in particolare nel design della moda. Bridget Riley dipinse la sua opera fondamentale dell’Op Art, Movement in Squares, nel 1961. La rivista Time coniò il termine “Op Art” nel 1964 in risposta a una mostra delle opere di Julian Stanczak alla Martha Jackson Gallery di New York. Nel 1965, lo stile era così radicato nella cultura popolare da essere citato in un servizio fotografico su Vogue Magazine.

Bridget Riley - Movement in Squares, 1961. Tempera su tavola dura. 123,2 x 121,2 cm. © 2018 Bridget Riley. Con il cortese permesso di Karsten Schubert, Londra

Influenze minimaliste

Negli anni Settanta, uno degli stili predominanti dell’arte astratta fu il Minimalismo, e una delle voci più influenti del Minimalismo fu un artista di nome Donald Judd. Judd e i suoi contemporanei cercarono di creare opere fondamentalmente diverse da quelle dei precedenti astrattisti, specialmente dagli Espressionisti Astratti. Il Minimalismo eliminò gli elementi biografici personali dall’opera e cercò forme semplificate e un linguaggio visivo essenziale.

Ciò che rende Judd uno studio così affascinante è che non era solo un artista minimalista, ma anche un architetto e un designer di mobili. Come sostenitore sia delle belle arti che delle arti applicate, riuscì a manifestare contemporaneamente i suoi concetti nei vari campi in cui operava. In un certo senso Judd fu la personificazione degli ideali del Bauhaus, o dell’Art Nouveau, entrambi i quali sottolineavano un’espressione simultanea di tutte le arti che lavorano insieme sugli stessi concetti.

Donald Judd - Prototype Desk, 1978. Collezione LACMA. Dono del Comitato Collezionisti 2011. © Museum Associates/LACMA

Judd era anche un appassionato scrittore e teorico, e disse questo sulla differenza tra belle arti e arti applicate: “La configurazione e la scala dell’arte non possono essere trasposte nei mobili e nell’architettura. L’intento dell’arte è diverso da quello di questi ultimi, che devono essere funzionali. Se una sedia o un edificio non sono funzionali, se sembrano solo arte, è ridicolo...” Questa filosofia è evidente nelle diverse opere che realizzò.

Donald Judd - Senza titolo, 1971

Forma contro funzione

La differenza essenziale tra arte astratta e design è che l’arte astratta, come tutte le belle arti, è qualcosa da incontrare a livello contemplativo. Può essere intellettuale, viscerale, ispiratrice o esteticamente bella. È pensata per farci riflettere, sentire, considerare, evolvere e meravigliarci sul significato delle nostre esperienze. La funzione del design è molto diversa. È un modo per aumentare l’utilità o il piacere dei prodotti di consumo. Il design deve servire a uno scopo, altrimenti è, come disse Judd, assurdo.

L’influenza profonda che tendenze dell’arte astratta come l’Espressionismo Astratto, l’Op Art, il Neoplasticismo e il Minimalismo hanno avuto su tutte le arti applicate, dal design della moda al design dei mobili, all’architettura e oltre, non può essere esagerata. E fortunatamente oggi viviamo in un’epoca in cui possiamo accedere rapidamente alla storia sia dell’arte astratta che del design e vedere con i nostri occhi gli effetti profondi che l’estetica e la filosofia dell’arte astratta esercitano sulle tendenze del design.

È interessante notare che viviamo anche in un’epoca in cui possiamo vedere questi effetti manifestarsi in modo immediato. Un’artista astratta può caricare una fotografia del suo nuovo dipinto su Instagram e pochi secondi dopo un stilista a Milano può usare quell’immagine come ispirazione per la sua nuova collezione primaverile. O viceversa. Uno stilista può caricare la foto di un nuovo abito, e questo può avere un effetto viscerale su un artista astratto, che potrebbe così aprirsi a nuovi orizzonti nell’arte astratta. Oggi tutto può influenzare tutto il resto, mentre la nostra cultura avanza felicemente a balzi verso il nuovo.

Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio