Quando Georgia O'Keeffe creò arte astratta

È una sfida, quando si interagisce con l’arte, ignorare i cliché, le allegorie e i giudizi che gli altri vi hanno sovrapposto, e semplicemente avvicinarsi con una mente aperta. Questo è particolarmente difficile con l’arte di Georgia O’Keeffe. Nei suoi 98 anni di vita, O’Keeffe ha creato una delle opere più famose, amate e immediatamente riconoscibili nella storia dell’arte americana. Esempi delle sue opere si trovano nella maggior parte dei principali musei americani. I suoi dipinti, disegni e sculture sono stati analizzati da ogni grande critico del secolo scorso e hanno costituito la base per libri e corsi universitari. Eppure, quando si chiede di parlare dell’arte di Georgia O’Keeffe, molti di noi si limitano a ripetere una gamma ristretta di prospettive sorprendentemente simili: che O’Keeffe fosse un’artista decorativa che amava il Sud-Ovest americano; che fosse una pittrice figurativa le cui immagini più famose sono fiori; e che quei dipinti iconici di fiori siano in realtà immagini segrete di vagine. Nel 2009, il Whitney Museum di New York ha tentato di smontare queste idee scontate ospitando la mostra Georgia O’Keeffe: Astrazione. La mostra presentava 125 opere astratte di O’Keeffe che insieme dimostravano come questa artista essenziale americana sia stata enormemente fraintesa. Ma nonostante il successo della mostra al Whitney e la successiva rivalutazione critica del suo lavoro, Georgia O’Keeffe è ancora largamente considerata una pittrice figurativa e gravata da metafore e cliché sul suo lavoro. La gente continua a parlare di cosa rappresentano i suoi dipinti, invece di come fanno sentire. Se vogliamo comprendere più a fondo la sua visione e capire il suo contributo indispensabile all’arte contemporanea, dobbiamo mantenere una mente aperta e guardare più a fondo a ciò che Georgia O’Keeffe ha realizzato come pioniera dell’astrazione.

Una Proto-Astrattista Americana

Che si faccia risalire il tutto al lavoro di Hilma af Klint, la pittrice mistica svedese del XIX secolo, ai pittori post-impressionisti come Georges Seurat, o ai visionari come Wassily Kandinsky e Kazimir Malevich, la storia moderna dell’arte astratta è quasi sempre considerata iniziata in Europa o in Russia. Ma esistono prove che Georgia O’Keeffe, nata nel Wisconsin, meriti pari considerazione con quegli innovatori. Le prime opere astratte di O’Keeffe risalgono almeno al 1915, lo stesso anno in cui Malevich dipinse Quadrato Nero e solo due anni dopo che Kandinsky realizzò le sue prime opere astratte. Ma la sua comprensione intellettuale del potenziale dell’astrazione di comunicare l’ignoto è la ragione principale per cui O’Keeffe merita uguale credito per aver inventato l’arte astratta moderna astratta.

Come Klint, Seurat, Kandinsky e Malevich, O’Keeffe affrontava il suo lavoro con un rispetto filosofico. Considerava l’arte più che la semplice creazione di immagini e oggetti. L’artista la vedeva come una possibile via per esprimere qualcosa di più profondo. Come Kandinsky, O’Keeffe parlava della capacità della musica di comunicare astrattamente profondità. Diceva: “Cantare mi è sempre sembrato il mezzo di espressione più perfetto. È così spontaneo. E dopo il canto, penso al violino. Poiché non posso cantare, dipingo.” Ma mentre Kandinsky si rivolse all’astrazione nella speranza di esprimere qualcosa di spirituale e universale, O’Keeffe cercava di esprimere qualcosa di più, si potrebbe dire, americano. Cercava di esprimere se stessa.

Georgia O'Keeffe - Astrazione Rosa Bianca, 1927 (Sinistra) e Georgia O'Keeffe - Musica Rosa e Blu II, 1927 (Destra), © The Estate of Georgia O'Keeffe

Non Sono Fiori

Le prime opere astratte realizzate da Georgia O’Keeffe erano composizioni semplici ed eleganti fatte con carboncino su carta. Le immagini evocano le forme e i motivi biomorfi che si trovano in natura. Ma invece di tentare di rappresentare direttamente il soggetto in questi disegni, si concentrava esclusivamente su elementi formali come linea, forma, tratto, gesto e equilibrio. Una delle grandi storie su questi disegni a carboncino è che avrebbero potuto facilmente andare perduti nella storia se non fosse stato per l’atto astuto di un’amica. O’Keeffe condivise i disegni con quell’amica, che poi li mostrò, senza permesso, ad Alfred Stieglitz, il proprietario della Galleria 291 a Manhattan. Stieglitz riconobbe la bellezza ovvia e la modernità sorprendente dei disegni e decise immediatamente di esporli nel suo celebre spazio. E così iniziò la carriera artistica professionale di Georgia O’Keeffe.

Poco dopo la prima mostra con Stieglitz, O’Keeffe si trasferì a New York. Per il decennio successivo ampliò prolificamente la sua esplorazione dell’astrazione. Continuò a creare opere che riecheggiavano gli elementi estetici e le composizioni che percepiva in natura, andando ben oltre i suoi primi disegni a carboncino per sviluppare un’intuizione avanzata per le relazioni cromatiche. Il suo uso del colore aumentò notevolmente il potere espressivo dei suoi dipinti. Ma per quanto riguarda ciò che cercava specificamente di esprimere, qui si manifesta un comune fraintendimento del suo lavoro. Molte delle immagini che realizzò in quel periodo sembrano nient’altro che frammenti ingranditi di fiori. O almeno sembrano parlare in diretta conversazione con le qualità estetiche dei fiori. E forse comunicano davvero qualcosa che è anche comunicato dai fiori. Ma comunicano anche qualcosa di più. Come disse O’Keeffe, “Ho scoperto di poter dire cose con colori e forme che non potevo dire in altro modo - cose per cui non avevo parole. Dovevo creare un equivalente per ciò che sentivo riguardo a ciò che stavo guardando - non copiarlo.”

Georgia O'Keeffe - Fiore della Vita (Sinistra) e Georgia O'Keeffe - Fiore della Vita II (Destra), © The Estate of Georgia O'Keeffe

Una Vera Pioniera

Intorno agli anni ’30, dopo un decennio e mezzo di focalizzazione su immagini astratte, O’Keeffe iniziò a esplorare una gamma più ampia di stili e influenze. Dipinse figurativamente per alcuni anni, poi tornò all’astrazione, poi oscillò avanti e indietro, spesso mettendo in discussione la differenza tra i due approcci. Negli ultimi anni sembrava a volte dipingere direttamente i paesaggi e gli oggetti naturali che circondavano la sua casa nel New Mexico, dove si era trasferita da New York. Ma l’essenza del suo lavoro rimase sempre la stessa. Il suo scopo era sempre comunicare un sentimento, catturare come si sentiva usando la natura come ispirazione, non dipingere immagini decorative della natura così come appariva oggettivamente.

Nella sua ricerca di tutta la vita per comunicare il sentimento, O’Keeffe innovò molte importanti indagini estetiche. Dimostrò interesse per composizioni astratte totali, attribuendo uguale importanza a tutte le aree del piano dell’immagine, molto prima che Clement Greenburg attribuisse tale risultato agli Espressionisti Astratti. Si concentrò sulla piattezza del piano dell’immagine molto prima che fosse una preoccupazione per gli Astrattisti Post-Pittorici. Si interessò ai poteri trascendenti dei campi astratti di colore molto prima che gli artisti del Campo di Colore esplorassero interessi simili. E decenni prima che il relativismo postmoderno si insinuasse nell’arte raffinata, O’Keeffe intuì l’idea che tutti gli stili, tutti gli approcci, tutte le tecniche e tutte le variazioni nell’estetica sono uguali nel loro valore potenziale e, in ultima analisi, secondari rispetto alla primazia dell’onesta espressione di sé.

Georgia O'Keeffe - Paesaggio Black Mesa, New Mexico, Dietro Mary S II, © The Estate of Georgia O'Keeffe

Abbracciare le Formalità

Forse ciò che è stato frainteso nell’arte di Georgia O’Keeffe è la stessa cosa che spesso si fraintende in tutta l’arte: l’idea che l’arte debba possedere attributi definiti, o essere utile o significativa in qualche modo per il pubblico. Ci insegnano a criticare le opere d’arte basandoci sul fatto che ci piacciano o meno; a saltare la fase della descrizione, che richiede di guardare e sentire, affrettandoci invece alle fasi di interpretazione e giudizio. Guardiamo un dipinto di O’Keeffe solo abbastanza a lungo da avere l’impressione di qualcosa che riconosciamo, come ciò che sembra un fiore o un paesaggio, e così proclamiamo O’Keeffe pittrice di fiori e paesaggi. Notiamo come certe parti di fiori somiglino a certe parti umane e così proclamiamo O’Keeffe pittrice segreta di allusioni figurative. O’Keeffe oscilla tra astrazione e figurazione e così la dichiariamo reattiva alle forze di mercato o alle aspettative del pubblico. Basandoci sulle nostre opinioni personali su tali cose diciamo: “Mi piace!” o “Lo odio!”

Ma quel metodo di critica è immaturo. Per comprendere più profondamente l’arte di Georgia O’Keeffe, o qualsiasi arte, dovremmo soffermarci nella fase della descrizione, interagendo con la superficie, i colori, le tonalità, le linee, le forme e le relazioni tra quegli elementi il più a lungo possibile. Lasciamo che gli elementi estetici formali dell’opera cantino. Sentiamo il ritmo della composizione. Sì, O’Keeffe disse famosamente una volta: “Sento che c’è qualcosa di inesplorato nella donna che solo una donna può esplorare.” Ma invece di cercare di costringerti a vedere un’immagine di femminilità nei suoi dipinti, apriti a come la femminilità potrebbe far sentire. Ciò che rese Georgia O’Keeffe una pioniera dell’astrazione americana non fu il fatto che dipingesse immagini che sembrano l’America. Ciò che la rese pittrice di femminilità non fu il fatto che dipingesse immagini che sembrano parti del corpo femminile. Ciò che la rese pioniera dell’astrazione americana e pittrice di femminilità fu che dipinse gli atteggiamenti, le impressioni e le emozioni che componevano ciò che l’America e la femminilità significavano, per lei.

Georgia O'Keeffe - Serie I, N. 3, 1918 (Sinistra) e Georgia O'Keeffe - Serie 1, N. 8, 1918 (Destra), © The Estate of Georgia O'Keeffe

Immagine in evidenza: Georgia O'Keeffe - Grigio Blu e Nero, Cerchio Rosa (dettaglio), 1927, © The Estate of Georgia O'Keeffe
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio