記事: 抽象表現主義：対峙する激烈さ
抽象表現主義：対峙する激烈さ
誰もがこの物語を知っている。悩める天才がロングアイランドの納屋で筆を投げ捨て、床に置いたキャンバスにエナメル塗料を投げ付ける。大きな美術運動を一度も生み出したことのなかった国が、突如として唯一重要な運動を生み出す。数人のアメリカ人の腕の力で、絵画の都はパリからニューヨークへ移り、現代美術は二度と同じではなくなる。
素晴らしい物語だ。その一部は、実際に真実でもある。
しかし、それは成り立たせるために多くのことを省かなければならなかった物語であり、省かれたもののほうが、残されたものより興味深い。1950年から1952年にかけての船荷目録、ギャラリーの招待状、展覧会ポスターが描くのは、征服とはまったく異なるものだ。それらが描くのは議論だった。声高で、大西洋をまたぎ、二つの言語で行われ、当時は本当に決着していなかった議論である。アメリカ人とヨーロッパ人は、比較こそが肝心だと考えた画商や批評家によって、意図的に同じ壁に展示された。後になって初めて、一方がカタログを書く権利を得た。
英雄的な物語をもう一度語り直すのではなく、この記事では証拠を追っていく。英雄的な物語が嘘だからではない。実際の物語のほうが優れており、神話には説明できないことを説明してくれるからだ。 抽象表現主義と結び付けられる身振り的な表現言語が、なぜ実際には消滅しなかったのか、そしてアントワープ、シドニー、テヘラン、タリンの画家たちが、今もそれを制作している理由。
（基本だけを知りたい方、つまり彼らが誰で、いつ起こり、なぜその名前に落ち着いたのかを知りたい方には、記事末尾の20の質問が、この議論を抜きにすべて答えてくれる。）
一文で語る神話、そしてそれが誰のためのものだったのか
通説はこうだ。およそ1943年から1956年にかけて、マンハッタンで活動していた画家たちの集団が、世界的に重要な最初のアメリカ美術運動を生み出し、絵画をヨーロッパの伝統から解放し、ニューヨークを美術界の中心にした。
「解放された」という言葉が、どれほど多くの役割を担っているかに注目してほしい。
問題となっている男女は、自分たちを運動だとは考えておらず、その呼び名を嫌い、自分たちが行っていることに名前を付けることにも合意できなかった。1950年4月、ロバート・マザーウェルとアド・ラインハートが主催したスタジオ35での3日間のシンポジウムで、彼らは一室に集まり、自分たちの名称を決められないまま終わった。「抽象表現主義」が提案された。「抽象象徴主義」も候補に挙がった。誰も満足しなかった。定着したこの用語は、批評家ロバート・コーツがドイツ表現主義から借用したもので、それが指す画家の何人かは、生涯その呼び名に異議を唱え続けた。
では、誰がこの「抽象表現主義」運動の存在を必要としたのか。主題を必要とした批評家たち。カテゴリーを必要とした画商たち。そして1950年代後半までには、文化が外交政策の有用な手段だと気づいた国。これについては後ほど戻ってくる。
最終的にそのラベルに落ち着いた名前の一覧は、目の前に置いておく価値がある。私たちはそれを別の場所、知っておくべき17人の抽象表現主義アーティストにまとめている。以下は、その説明から抜け落ちている部分だ。
マーク・ロスコ《青と灰色》（1962年） - 2023年12月 - フォンダシオン・ルイ・ヴィトン - ©IdeelArt
船で到着したもの
英雄的な物語が最初に忘れなければならないのは、抽象表現主義が生み出されていた時期に、ヨーロッパのアヴァンギャルドのかなりの部分が実際にニューヨークで暮らしていたという事実だ。
戦争を逃れて、アンドレ・ブルトン、マックス・エルンスト、アンドレ・マッソン、ロベルト・マッタ、ピート・モンドリアン、フェルナン・レジェ、マルセル・デュシャンは、1940年代初頭に皆この都市で長い時間を過ごした。ペギー・グッゲンハイムは1942年、ギャラリー「アート・オブ・ディス・センチュリー」を開き、自身が収集し、エルンストの場合は結婚もしていたシュルレアリストたちと並べて、若いアメリカ人たちの作品を展示した。ミュンヘンで教鞭を執り、パリでキュビスムを直接吸収したハンス・ホフマンは、ウエスト8丁目でアメリカにおける最も影響力のある絵画学校を運営していた。
この神話の中心にある技法も、彼らとともにやって来た。意識的な指示なしに手を動かす実践であるシュルレアリスムのオートマティスムは、ドリッピングによる絵画の直接的な祖先だ。マッソンは1920年代から自動描画を制作していた。マッタは、マザーウェルやバジオテスを含む若いニューヨークの画家たちの集まりに、オートマティスムの練習を教えた。アルメニア移民のアルシール・ゴーキーは、両者をつなぐ人物だった。半ばシュルレアリストであり、半ば新しい何かであり、他の画家たちが注目していた画家でもあった。
だからといって、アメリカ人たちがそれをどう展開したかの重要性が損なわれるわけではない。ただ、どこからともなく現れた土着の天才という物語は、少なくとも地理的にひどく混乱しているということだ。その身振りはスプリングスの納屋で始まったのではない。マンハッタンの埠頭に到着したのだ。
その継承は、今日でもなお読み取ることができる。そうした Macha Poynderは自動描画から作品を始める。それは、1920年代にアンドレ・マッソンが確立し、マッタをはじめとするシュルレアリストたちによって大西洋を越え、マザーウェルらの画家によってニューヨークで変容した系譜をたどる行為だ。その流れはニューヨークを通過するが、そこから始まったわけではない。その継承は、今日もなお読み取ることができる。
1942年3月、ピエール・マティス・ギャラリーで開催された展覧会の際にジョージ・プラット・ラインズが撮影した写真。左から右へ、前列：マッタ、オシップ・ザッキン、イヴ・タンギー、マックス・エルンスト、マルク・シャガール、フェルナン・レジェ。後列：アンドレ・ブルトン、ピエト・モンドリアン、アンドレ・マッソン、アメデ・オザンファン、ジャック・リプシッツ、パヴェル・チェリチェフ、クルト・セリグマン、ユージン・バーマン。
1950年10月：意図的に並べて展示
ここに、あらゆる概説書に載っているべきなのに、ほとんど決して載らない事実がある。
1950年10月23日から11月11日まで、57丁目のシドニー・ジャニス・ギャラリーでは、アメリカとフランスの若手画家という展覧会が開催された。ジャニスはアメリカ人を一つの部屋に、フランス人を別の部屋に展示したのではない。彼は両者を一対一で組み合わせ、来場者に比較を促した。
- ジャクソン・ポロックとアンドレ・ランスコイ
- マーク・ロスコとニコラ・ド・スタール
- フランツ・クラインとピエール・スラージュ
- ウィレム・デ・クーニングとジャン・デュビュッフェ
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アルシル・ゴーキーとロベルト・マッタ
左から右 - ピエール・スラージュ - 無題 - 1953年 / フランツ・クライン - カーディナル - 1950年
もう一度、そのリストを読んでほしい。1950年のニューヨークで、当時最も影響力のあった画商が興味深い問いだと考えていたのは、アメリカ人が勝ったかどうかではなく、彼らがヨーロッパ人と同じことをしていたかどうかだった。組み合わせも偶然ではない。クラインとスーラージュは、どちらも絵具をたっぷり含ませた筆で黒い建築物を構築していた。ロスコとド・スタールは、どちらも色彩を量塊へと変えていた。ジャニスは一つの主張を提示しており、その主張は両者が対等であることを前提としていた。
英雄的な物語はこの展覧会を受け入れられないため、ひっそりと存在を消してしまう。
パリ、1951年3月8日
4か月後、その論争は大西洋の向こう側で再び繰り広げられ、しかもさらに明確な形を取った。
1951年3月8日から31日まで、ドラゴン通りのギャラリー・ニナ・ドーセは、批評家ミシェル・タピエが画家ジョルジュ・マチューとともに企画した対峙する激烈さを開催した。ポスターには、この展覧会がフランスで初めて、アメリカ、イタリア、パリの非具象絵画における極端な傾向同士を対峙させるものだと告知されていた。
その壁には、ニューヨーク出身のジャクソン・ポロック、ウィレム・デ・クーニング、アルフレッド・ラッセルと、ヴォルス、ハンス・ハルトゥング、ジョルジュ・マチュー、カミーユ・ブリヤン、ジュゼッペ・カポグロッシ、ジャン＝ポール・リオペルが並んでいた。
タイトルにある言葉には、立ち止まって考える価値があります。「対峙する激しさ」。影響でも、教えでも、師から弟子への伝達でもありません。それぞれが独立して暴力性に到達したとみなされた、対等な者同士の対決です。
JP・リオペル作《無題》（1955年）、2023年マエグ財団展覧会「Riopelle, Parfums d'Atelier」より ©IdeelArt
ポロックの作品はどのようにしてそこへ届いたのでしょうか。MoMAを通じてでも、公式な経路を通じてでもありません。ポロックの友人でパトロンでもあったフィリピン系アメリカ人画家、アルフォンソ・オッソリオが自らキャンバスをパリへ運び、タピエの前に並べたのです。オッソリオをタピエに紹介したのはデュビュッフェでした。後にオッソリオは、デュビュッフェのアール・ブリュット・コレクションをイースト・ハンプトンの邸宅で10年間保管することになります。大西洋を越えるつながりは、個人的で非公式なものであり、完全に双方向でした。
タピエは目にしたものを十分に気に入り、1952年、パリのステュディオ・ポール・ファケッティでポロックにフランス初の個展を開かせました。彼はカタログのテキストを自ら執筆し、この種の爆弾をパリのアートシーンに投げ込めることの喜びを記録しました。
では、対立者とされるマチューはどうだったのでしょうか。彼は1947年以来、United States Lines海運会社で働き、1948年からアメリカ人画家をパリで紹介しようと努め、1952年にはステーブル・ギャラリーでニューヨーク初の個展を開いていました。二つのシーンが互いを知らなかったと言う人は、歴史ではなく地図を描写しているのです。
同じ嵐を指す5つの名前
最終的に定着した用語、抽象表現主義は、ドイツ表現主義と以前から結びついていた言い回しを応用し、1946年にはすでにロバート・コーツが新興のアメリカ絵画に対して用いていました。しかし、それが流通していた唯一の呼称だったわけでも、また大西洋の両岸で画家たちが行っていたことを最も適切に表す呼称だったわけでもありません。その後10年のうちに、批評家たちは複数の競合する用語を提案し、それぞれが同じ激変を異なる角度から捉えました。
- 「アクション・ペインティング」。 ハロルド・ローゼンバーグ、『The American Action Painters』、1952年。キャンバスを闘技場とし、絵画を何かの像ではなく、出来事の残滓とする。
- 「Un Art Autre」。 ミシェル・タピエ、1952年。別種の芸術：不定形で、再現不可能で、構成に敵対するもの。同じ年にパリで、同じ素材から書かれた。
- アンフォルメル / タシスム。 ミシェル・タピエは、1952年の著書『Un Art Autre』を通じてアンフォルメルの確立に貢献しました。一方、タシスムという言葉は1951年にピエール・ゲーグアンが用い、後にピエール・レスタニーによって広められました。どちらの用語も、あらかじめ定められた形ではなく、 spontaneityによる染みや筆跡から成り立つ絵画を指していました。
- 「アメリカ型絵画」。クレメント・グリーンバーグ、1955年。タイトルに国籍が含まれていること、そして日付に注目してほしい。これが枠組みが固定化する瞬間である。
五つの語彙、二つの大陸、およそ4年。ローゼンバーグとタピエは同じ年に著作を発表したが、古いカテゴリーが崩壊したという点を除けば、何一つ意見が一致していなかった。これは、一つの中心が考えを輸出した物語ではない。戦争の余波の中で、利用可能なあらゆる絵画の秩序が信用を失った結果、一つの状況が複数の場所で同時に現れたという物語だ。
違いは実在するので、平板化すべきではない。タピエのアンフォルメルは、物質や表面、ありのままの染みへの関心がより強く、ローゼンバーグのアクション・ペインティングは、演じる自己への関心がより強い。しかしこれは、重なり合う作品群に対する二つの読みであって、二つの別個の美術史ではない。
一人の画家が、いまなお二つの読みを同時に成立させているのを見ることができる。Reiner Heidornは、強い身振りの伝統に立脚しながら、絵画行為そのものに対する物質的な批評を展開している。つまり、同じ画面上で、物質についてのタピエの議論と、演じる自己についてのローゼンバーグの議論を行っているのだ。
もう一方の道を進んだアメリカ人たち
この神話では、ニューヨークが教え、パリが学ぶ必要があった。実際にはそうならなかった。
400人を超えるアメリカ人退役軍人が、1946年から1953年にかけてGIビルを利用してパリで学んだ。この事実は、2021年にナント美術館とモンペリエのファーブル美術館で開催された展覧会United States of Abstraction: American Artists in France, 1946-1964によって掘り起こされた。彼らの中に、また彼らと並んでいたのが、Sam Francisだ。彼は1950年に到着し、故国で知られるようになる前に、フランスで最も成功した画家の一人となった。Shirley Jaffeは、その後の生涯をフランスで過ごした。Ellsworth KellyとJack Youngermanは、ニューヨークではなくパリでハードエッジの語彙を形成した。Joan Mitchellは1950年代半ばにフランスへ移り、1955年からJean-Paul Riopelleと暮らし、やがてモネが絵を描いた庭を見下ろす家のあるヴェトゥイユに定住した。
Around the Blues（1957-62）Sam Francis作、「Making Traces」展（2016年3月、テート・モダン）。©IdeelArt
最後の一文が、整然とした物語に何をもたらすか考えてみてほしい。第二世代の抽象表現主義者の中でも最も偉大な一人は、キャリアの大半をフランスで過ごし、Refus globalに署名したケベック出身の画家とパートナー関係にあり、印象派そのものの本拠地を望む場所で制作していた。
ナントの展覧会のキュレーターたちは、私たちの心を本当に動かす指摘をしていた。彼らの表現を借りれば、パリにいたこれらのアメリカ人は、奇妙なことに無国籍のままだった。彼らはパリ派に吸収されず、去ったことでニューヨークの物語から次第に書き消されていった。神話には彼らを分類する項目がなく、そのため彼らを失ったのだ。
そのような無国籍性は、今や抽象絵画のごく普通の状態にすぎない。Yari Ostovanyはイランの神秘詩とアメリカ的なスケールの間で制作している。Nikolaos Schizasはギリシャ人でスペインを拠点とし、抽象表現主義とシュルレアリスム、ポップを橋渡ししている。Carolina Alotusはキプロスに暮らすスウェーデン人で、抽象表現主義とカラーフィールドの双方を取り入れている。Jaanika Peernaはエストニア人で、ニューヨークで活動している。彼らの作品を認めるのに、首都の承認など必要ない。
大西洋を双方向に渡った画家たちの動きを視覚化した地図。ヨーロッパからニューヨークへは1932年から1942年、ニューヨークからパリへは1946年から1964年。©IdeelArt
1959年：主張が征服へと変わった経緯
では、会話が終わり、征服が始まるのはいつなのか。ほとんど日付まで特定できそうだ。
1958年と1959年、ニューヨーク近代美術館の国際プログラムは、新しいアメリカ絵画と題した展覧会を、バーゼル、ミラノ、マドリード、ベルリン、アムステルダム、ブリュッセル、パリ、ロンドンの8か国に巡回させた。ドロシー・ミラーが詩人フランク・オハラとともに選んだ、17人の作家による81点の絵画。序文はアルフレッド・バーが執筆した。Momaで展示された後、1959年にはパリに到達し、その年の2月にはロンドンのテートにも巡回した。
これは比較展ではなかった。ヨーロッパ人は一人も含まれていなかった。タイトル自体が宣言であり、キャンバスの大きさそのものが、ヨーロッパ絵画には同じ土俵で応えることができないという主張だった。
"「8つのヨーロッパ諸国で展示された新しいアメリカ絵画」- ヨーロッパ巡回後にMomaで開催された展覧会の設営風景 - © Soichi Sunami"
アメリカ合衆国のCIAと、距離を置いた形で文化自由会議が、冷戦期にアメリカの抽象絵画を輸出することに関心を示していたことは、今では十分に記録され、多く議論されています。抽象表現主義はCIAの作戦だったという単刀直入な説明は粗すぎます。画家たちの多くは左翼で、政府に公然と敵対していた者も何人もおり、誰も指示を受けてはいませんでした。より擁護可能であり、同時に神話にとってより有害な説明は、次のようにより限定されたものです。真に急進的な絵画の一群が、自由な社会は自由な芸術を生み出すという証拠として役立つようになり、その有用性に続いて制度的な資金が流れ込んだのです。セルジュ・ギルボーの『ニューヨークはいかにしてモダンアートの理念を盗んだか』（1983年）は今なお最も鋭い論考であり、その題名は判決ではなく挑発です。
私たちの目的にとって重要なのは、ただこの点です。1959年までに、1950年の組み合わせは考えられないものになっていました。対立はプレスリリースによって決着していたのです。
神話がもたらした代償
あらゆる単純化には代償があり、この場合、その代償を支払ったのは具体的な人々でした。
女性たち。 リー・クラスナーは、夫と出会った時点で夫よりも洗練された画家でしたが、何十年もの間、彼の未亡人と説明され続けました。ジョーン・ミッチェル、グレース・ハーティガン、エレイン・ド・クーニング、ヘレン・フランケンサーラー、アルマ・トーマスは、この運動がニーナ・リーンによる1951年の『ライフ』誌の「怒れる者たち」の写真を中心にして売り出されていた時期に、第一級の作品を制作していました。その写真に写る15人の画家のうち、女性は正確に一人（ヘッダ・スターン）だけでした。1952年にフランケンサーラーが確立したソーク・ステイン技法は、この時代における真に画期的な技術上の発明の一つであり、その後の一つの大きな運動の種となりました。
ヨーロッパの画家たち。 ヴォルスは1951年、38歳で亡くなりました。彼はその世紀で最も極端な絵画のいくつかを制作していました。ハルトゥング、スーラージュ、リオペル、マチュー、ド・スタール、ザオ・ウーキーはいずれも主要な人物ですが、英語圏での彼らの評価は、彼らを受け入れる余地のない物語によって平板化されました。私たちはこれまでに、ハンス・ハルトゥングとジェスチャーの重要性、そしてこの物語のもう一方の半分にあたる叙情的抽象について、それぞれ別の記事で書いています。
その考え自体。 これこそ、私たちにとって最も重要な代償です。抽象表現主義が、ある都市におけるある10年間に属する英雄的な一時代にすぎないのなら、それは終わっており、その後のすべては残響です。そうではなく、証拠が示唆するように、特定の歴史的状況に対する幅広く国際的な応答なのだとすれば、それは一つの言語であり、言語に終わりはありません。
[YOUR PHOTO — OPTIONAL]
画家：クラズナー、ミッチェル、フランケンサーラー、エレイン・デ・クーニング、ハーティガン、アルマ・トーマス。またはヴォルス、ハルトゥング、スラージュ、ド・スタール、ザオ・ウーキー。
時期：1950–1975
注：失われたもののどちらの側も機能します。クラズナーやフランケンサーラーなら女性たちの主張を担い、ヴォルスやド・スタールならヨーロッパの主張を担います。
いま抽象表現主義の画家であるとはどういうことか
この伝統を受け継ぐ最も成功した画家たちについて、興味深いことがあります。ほとんど誰も、そのラベルを受け入れようとはしないのです。
その系譜に属していることが最も明白な画家たちに尋ねれば、丁寧に拒むでしょう。彼らは、この言葉は特定の時代の特定の部屋に属するものだ、そして今それを名乗るのはノスタルジーか無作法のどちらかだ、と言うはずです。2010年代に頭角を現した抽象画家の一世代の一人であるジェイソン・ストパは、抽象と具象の区分全体を20世紀的な問題だと呼びます。それは方法の否定ではありません。パッケージ化の拒否なのです。批評家がロスコ、ニューマン、スティル、そしてデ・クーニングを分類しようとしたとき、彼ら自身がまさに異議を唱えたのもその点でした。
それでも、その方法はいたるところに存在します。
セシリー・ブラウンは、1969年にロンドンで生まれ、ニューヨークを拠点に活動し、身体がほとんど形を結びそうになりながらも崩れ続ける、デ・クーニング級の渦動からカンヴァスを組み立てます。エイミー・シルマンは40年にわたり、絵画と、画家が書いたものとして最も鋭い評論のいくつかを通じて、ジェスチャーとは感情の形ではなく思考の形なのだと主張してきました。アルベルト・オーレンは、同じ語彙を意図的に醜く、意図的にポスト・ヒロイックにした形で、ドイツを拠点に制作しています。ジュリー・メレトゥは、ポロックなら即座に認識したであろうスケールで、マークの嵐の下に建築ドローイングを重ねます。ジャデ・ファドジュティミは1993年生まれで、現在どこで制作されているものにも引けを取らない、最もエネルギッシュなジェスチャル・アブストラクションの一部を生み出しています。フランク・ボウリングは1934年にガイアナで生まれ、60年にわたり二つの大陸で絵具を流し、染み込ませ続け、80代になってようやく正当な評価を受けました。
あのリストを見てください。イギリス人、アメリカ人、ドイツ人、エチオピア系アメリカ人、イギリス人、ガイアナ系イギリス人。ひとつの国民的な流派すらありません。照明がよくなっただけで、1951年の壁がまた現れているのです。
市場はこの動向に気づいています。Phillipsは、戦後アメリカ美術に関する2026年版ガイドの冒頭で、第一世代を8桁および9桁の価格帯に位置づけ、第二世代の抽象絵画を、比較的手の届きやすい価格帯で価値を見いだせる最後のフロンティアのひとつと説明しています。これをコレクターとして読めば、それはヒントです。歴史家として読めば、それはひとつの告白です。カノンは静かに再び開かれつつあり、1959年に脚注へと分類された人々が、ひとつの遺産ごとに再検討されているのです。
『Taught Thought』 by Jadé Fadojutimi - 2012 - photo Eva Herzog - © The artist - available at Gagosian gallery
では、その名称が使えず、英雄的な姿勢も取れないとしたら、今日この伝統の中で制作するとは、実際には何を意味するのでしょうか。
私たちなら、3つ挙げます。
マークは魂を覗く窓ではなく、身体の痕跡です。第一世代の誤り、あるいはむしろ彼らを批評した人々の誤りは、身振りを告白として読んだことでした。実際にその身振りが記録しているのは、誰かが特定の距離に立ち、特定の速度で動き、その動きを取り消せなかったということです。それは感情についての事実である前に、物理学についての事実であり、だからこそ画家の経歴を何も知らなくても、作品は今なお揺るぎません。
スケールが主張するのは、あなたの注意ではなく、あなたの空間です。大きな抽象画は叫んでいるのではありません。それは、あなたと作品が、特定の距離を保ちながら同じ部屋にいて、その出会いには持続時間があるという事実を示しています。これはこの時代の最も長く残る発明であり、だからこそこれらの絵画は写真映えせず、画面上にも容易には翻訳されません。
そのラベルを拒むことも、継承の一部です。1950年から現在に至るこの系譜のすべての画家は、分類されることに異議を唱えてきました。それは偶然でも流行でもありません。この方法論から導かれるものです。絵画が、まだ下されていない決断の記録であるなら、あらかじめ適用されたカテゴリーは、言葉の意味そのものにおいて矛盾するからです。
それが正直な答えであり、この言語が自らの名称よりも長く生き続けてきた理由です。
49人のアーティスト、ひとつの継続する論争
これは修辞的な誇張ではありません。IdeelArtの作家一覧を見れば、49人のアーティストが、その方法論、語彙、あるいは自身の発言を通じて、抽象表現主義との意味あるつながりを主張できます。
その数字が論拠です。もし抽象表現主義が、1947年から1959年までのニューヨークに属する、完結した英雄的エピソードだったなら、2026年に活動するギャラリーが、その実践を抽象表現主義の言葉で語る現役の画家たちで部屋を埋めることなどできないでしょう。そして彼らは、神話が予想するような分かれ方をしていません。アメリカの継承を主張する人もいれば、パリの継承を主張する人もいます。さらには、まったく別の大陸の継承を主張する人も、驚くほど大勢います。
以下は、私たちがこの運動との結びつきが最も強いと判断した12人です。選定は私たちによるもので、あくまで主観的なものです。1951年の壁のどちら側に立つかによって分類しています。
その方法を受け継いだアメリカ人たち
Melissa Meyerは、最も直接的な系譜の中で制作しています。彼女の筆触には、彼女がグリフのような性質と呼ぶもの、つまり文字と純粋な身振りの間を漂うマークが宿っています。また、彼女は、どこかで色やマーク、あるいは身振りを目にし、それに応答する必要を感じたときに絵画が始まると説明しています。それこそが、第二世代のニューヨーク派の方法です。自己表現ではなく、すでに画面上にあるマークとの対話なのです。
Melissa Meyer, Sway, 2006
Ashlynn Browningは、その手順をほとんど定義のように明言しています。彼女は、古典的な抽象表現主義のアプローチ、つまり一つのマークを描き、次にそのマークに応答する方法を用いていると説明します。彼女の重要な参照先はフィリップ・ガストンとジョアン・ミッチェルであり、彼女の形態には、決断の途中を捉えたような同じ性質があります。Freneticは格好の入門作であり、そのタイトルは偶然ではありません。
Ashlynn Browning, Frenetic, 2018
Ellen Priestは、ウィレム・デ・クーニングとジョアン・ミッチェルの名を直接挙げ、第一世代がほのめかすにとどまった側面を加えています。彼女は録音されたジャズを聴きながら描き、一般的な感情ではなく、特定の演奏を追う重層的な作品を制作します。Jazz: Thinking Out Loud, Reaching for Song #13/14は、その長いシリーズの一作です。アクション・ペインティングは常にビバップとの親近性を主張してきました。Priestは実際にそれを実践しています。
Ellen Priest, Jazz: Thinking Out Loud, Reaching for Song #13/14, 2011
Yari Ostovanyは、自身のマークメイキングを身振りによるほとばしりと呼び、その制作プロセスを抽象表現主義とカラーフィールドの間に位置づけています。そこに彼が加えるのは、ニューヨークには決してなかったもう一つの継承です。Simorgh Descending IIIは、アッタールの鳥の会議の最後に登場する鳥、探求者たちがそれは自分自身だと知る鳥にちなんで名づけられています。ロスコは、絵画にそのような重みを担わせたいと考えていました。Ostovanyは、ロスコが目指していた伝統からそれに到達しています。
Yari Ostovany、「Simorgh Descending III」、2016年
ニューヨークを自らの系譜とするヨーロッパ人たち
これこそ、英雄的な物語では説明できない集団であり、1951年の直接の子孫である。アメリカ人ではない4人のヨーロッパ人。その明示された系譜はマンハッタンへとつながっている。
Macha Poynderはフランス人であり、12人のなかで最も心を打つ物語を語る。1990年代にニューヨークへ到着した彼女は、抽象表現主義者たちのなかに見いだしたのは様式ではなく家族だったという。彼女は自動描画、パフォーマティブな身振り、直感的な色彩を通して制作する。つまり、そもそも船でニューヨークへ渡ったシュルレアリスムの遺産を通しているのだ。Truly Madly Deeplyはそれを受け継いでいる。
Macha Poynder、「Truly Madly Deeply」、2013年
Emma Godebskaもまたフランス人で、Joan Mitchellを明確に踏まえ、無意識的で自発的な身振りから制作している。ここには、声に出して語る価値のある、心地よい循環がある。Mitchellはフランスへ移り、Monetの庭を見渡せる場所で絵を描いたアメリカ人だった。GodebskaはMitchellを自らの系譜に位置づけるフランス人画家である。往来は今や、ループを二度めぐった。
Emma Godebska、「Contrast 01」、2022年
Jean-Daniel Salvatはさらに先へ進む。現在活動するフランス人画家である彼は、自身の関心を、Clement Greenbergに導かれたニューヨーク・スクールのものだと語る。Greenbergとは、1955年にこの一連の動向全体をAmerican-Type Paintingと改名した批評家であることを思い出してほしい。それから70年を経て、フランスの画家がその言葉を静かに拾い上げ、制作を続けている。N°1148は彼の近作である。
Jean-Daniel Salvat、「N°1148」、2022年
Danny Giesbersはオランダ人であり、Jackson Pollock、Gerhard Richter、Willem de Kooningをひとつに並べて語る。これは1950年代のアメリカ人批評家なら誰も認めなかった系譜だが、いまのヨーロッパでは完全に理にかなっている。樹脂を幾層にも重ねた彼の表面は、キャンバスに乾きつくのではなく、身振りを宙づりにしている。Sexual Healingはその典型だ。
Danny Giesbers、「Sexual Healing」、2021年
途切れることのないパリの系譜
そしてここに、神話が削除した物語の半分が、いまも走り続けている。
Daniela Schweinsbergは、この記事の主張をひとつの経歴に凝縮したような存在です。彼女は自身の作品を、タシスム、叙情的抽象、抽象表現主義の遺産を、まさにその順序で発展させるものと説明し、サイ・トゥオンブリー、ジョアン・ミッチェル、ジョルジュ・マチューの名を一息に挙げます。マチューとミッチェル。Véhémences confrontéesを企画したパリの人物と、フランスへ移住したアメリカ人です。彼女の絵画Pink NoiseにはAbstract Expressionismという副題が付いており、その点を論じる手間を省いてくれます。
Paul Landauerは、アンフォルメル芸術と抽象表現主義の両方の伝統に自らを位置づけますが、その方法はどちらよりも異質です。彼は数えるのです。マークやタッチ、グラフィックな痕跡は、ひとつの爆発的な行為によってではなく、反復を通じて蓄積されます。これは、タピエのアンフォルメルが物質について追求したものが、ローゼンバーグのアリーナが決して到達しなかった結論に至るということです。Untitled (No 5)はその実例です。
Paul Landauer、Untitled (No 5)、2020年
Robert Niesseは、比喩すら使いません。作品にはAbstract informalと年、通し番号を付し、70年にわたるフランスの批評をそのラベルに背負わせています。Abstract informal 2024-2122-1は昨年の作品です。タピエが1952年に作ったこの用語は、2024年になっても、ドイツで制作されている絵画を正確に言い表しています。
Robert Niesse、Abstract informal 2024-2122-1、2024年
Alain Clémentは1941年生まれで、12人の中では最年長の存在であり、源流に最も近い人物です。彼は身振りの自由、身体性、実験性、即時性を起点とし、色彩を何かに塗布されるものではなく、身振りの叙情的な表現として扱います。彼のタイトルは飾り気のない英数字コードであり、それ自体がひとつの主張です。絵画が出来事であり、その出来事には名前など必要ないのです。20J1G-2020は、幾層にも密に重ねられた6月シリーズの作品です。
Alain Clément、20J1G-2020、2020年
さらに37人
12人は国勢調査ではなく、選抜です。残りの顔ぶれは3つの層に分かれ、その層そのものが、この言語がどれほど完全に広がったかを物語っています。
受け継いだものを、あえて明言する者たち。 自身の言葉の中で、抽象表現主義、アンフォルメル、アクション・ペインティングに名指しで言及する、さらに9人のアーティスト：Adrienn Krahl、Carolina Alotus、Nikolaos Schizas、Karl Bielik、Robert Baribeau、Petra Schott、Anthony Frost、Frederic Prat、Margaret Neill。Bielikは、有用な異端児だ。抽象表現主義のエネルギーを、ほとんどパンクといえる感性で取り込むイギリス人画家であり、そこでは熟考より直感が勝る。ニューヨーク派は「パンク」という言葉には戸惑っただろうが、その姿勢にはすっかり見覚えがあったはずだ。
Karl Bielik、Smack、2025年
身振り的なマークを、何かに忠誠を誓うことなく扱う者たち。 絵具を含ませた筆、滴り、書のような軌跡、そして全身の動き。それらを単に使える手段として用いる18人のアーティスト：Martin Reyna、Marcus Aitken、Gina Werfel、Anne Russinof、Jill Moser、Dana Gordon、Ludovic Dervillez、Emily Berger、Leon Phillips、Laura Newman、Tommaso Fattovich、Jaanika Peerna、Tracey Adams、Manuela Karin Knaut、Reiner Heidorn、Michael Barringer、Harald Kröner、André Debono。Werfelの絵画の題名はGestureで、あまりにも率直とも、とても面白いともいえる。どちらの受け取り方でもうまくいく。
Gina Werfel - ジェスチャー - 2010年
設定する者たち spontaneity against geometric structure. Twelve artists whose work is built on the friction between the controlled edge and the spontaneous mark, which is the argument between Mondrian and Pollock carried on inside a single canvas: Joanne Freeman, Susan Cantrick, Peter Soriano, Kim Uchiyama, Martina Nehrling, Antony Densham, Marcy Rosenblat, Xanda McCagg, Matthew Langley, Philippe Halaburda, Luuk de Haan, Fieroza Doorsen.
1941年から1990年の間に生まれ、15か国で活動する49人のアーティスト。1959年に何が終わったにせよ、それはこれではありませんでした。
結論：神話を超えて
私たちはポロックを引きずり下ろそうとしているのではありません。秋のリズムは素晴らしい絵画であり、歴史的記録のどのような内容によっても、その価値が損なわれることはありません。批評の対象は作品ではなく、そのパッケージングです。
パッケージ化によって私たちが失ったのは、そのものの形でした。抽象表現主義はマンハッタンから始まった征服ではありません。それは、大西洋をまたぐ危機におけるアメリカの一章でした。ニューヨーク、パリ、ミラノ、モントリオール、東京の画家たちは、ほぼ同じ時期に身振りと染みへとたどり着き、機会があれば互いの作品を熱心に見つめ合い、その後、批評家や冷戦期の制度によって勝者と脚注に振り分けられたのです。
良い知らせは、征服とは違って、議論は再び開くことができるということです。IdeelArtが考える、今日、現代の抽象表現主義を収集するとはまさにそういうことです。閉じられた英雄時代の記念品を買うのではなく、1959年に中断されたものの決して終わることのなかった対話に参加することなのです。
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アーティスト：IdeelArtの作品、または最近のジェスチャルな展覧会
期間：2015–2025
注：静かな締めくくりにふさわしいものを。作品は1点のみ、全幅で、作家名 / タイトル / 年のみ。
よくあるご質問
抽象表現主義とは何ですか？
抽象表現主義とは、1940年代から1950年代にニューヨークで生まれた絵画の傾向であり、大型の非具象的なイメージ、そして感情を伝える媒体としての絵画という行為そのもの、または色面を重視することを特徴とします。これはマニフェストを掲げた正式なグループではなく、そこに含められる多くの芸術家がこの呼称を拒みました。
抽象表現主義はいつ始まり、いつ終わったのですか？
通常はおよそ1943年から1960年まで、特に重要な時期は1947年から1952年頃とされます。これらの日付は便宜的なものです。その手法が1960年に使われなくなったわけではなく、ヨーロッパの対応する動向には別の年代順があります。
この用語を作ったのは誰ですか？
批評家のロバート・コーツが、1946年にThe New Yorkerでアメリカの絵画にこの語を当てはめました。これは、それ以前にドイツ表現主義について使われていた表現を借用したものでした。ハロルド・ローゼンバーグは「アクション・ペインティング」を、クレメント・グリーンバーグは「アメリカン・タイプ・ペインティング」を好みました。
主な抽象表現主義の芸術家は誰ですか？
最もよく挙げられるのは、ジャクソン・ポロック、ウィレム・デ・クーニング、マーク・ロスコ、フランツ・クライン、バーネット・ニューマン、クリフォード・スティル、ロバート・マザーウェル、アドルフ・ゴットリーブ、Lee Krasner、ジョーン・ミッチェル、ヘレン・フランケンサーラー、グレース・ハーティガン、フィリップ・ガストン、アルシール・ゴーキーです。
アクション・ペインティングとカラーフィールド・ペインティングの違いは何ですか？
アクション・ペインティングは、身振りと身体の痕跡を重視します。ポロック、デ・クーニング、クラインなどがその代表です。カラーフィールド・ペインティングは、途切れのない広大な色面と、より内省的な向き合い方を重視します。ロスコ、ニューマン、スティルなどが代表例です。この二分法は主に批評家によって押しつけられたもので、どちらの陣営にもすんなり収まらない芸術家も複数います。
抽象表現主義は本当にアメリカの発明だったのでしょうか？
部分的にしか知りませんでした。その中心的な技法はシュルレアリスムの自動筆記に由来し、戦時中に亡命したヨーロッパのアーティストたちによってニューヨークにもたらされました。アメリカの画家たちはそれを、特に規模の面で大きく変革しましたが、その発想はアメリカで生まれたものではありません。
アメリカとヨーロッパの抽象画家たちは、互いの作品を知っていましたか？
はい、早い時期から知っていました。シドニー・ジャニス・ギャラリーは1950年10月のYoung Painters in U.S. and Franceで両者を一対一で組み合わせ、パリのギャラリー・ニナ・ドーセは1951年3月、Véhémences confrontéesでポロックとデ・クーニングをヴォルス、アルトゥング、マチュー、リオペルと並べて展示しました。
Véhémences confrontéesとは何でしたか？
1951年3月8日から31日までパリのギャラリー・ニナ・ドーセで開かれた展覧会で、ミシェル・タピエがジョルジュ・マチューとともに企画しました。ポスターでは、アメリカ、イタリア、パリの非具象絵画における極端な傾向をフランスで初めて対決させる展覧会とうたわれました。
ポロックの絵画はどのようにして初めてパリに届いたのですか？
非公式な形ではありますが。アルフォンソ・オッソリオはポロックの友人でありパトロンで、キャンバスをパリに持ち込み、ミシェル・タピエに見せました。タピエはポロックをVéhémences confrontéesに参加させ、続いて1952年、スタジオ・ポール・ファケッティで彼に初のフランス個展を開きました。
アール・アンフォルメとは何ですか。また、抽象表現主義とはどのような関係がありますか？
アール・アンフォルメはそのヨーロッパ版であり、あらかじめ定められた形を捨て、物質、染み、ジェスチャーを重視する絵画です。ミシェル・タピエは1952年、これをUn Art Autreとして理論化しました。見た目には抽象表現主義と大きく重なりますが、力点は異なり、演じる自己よりも物質性に関心を向けています。
タシスムとは何ですか？
フランス語の用語で、tache（染み、汚点）に由来し、描かれた形ではなく、マークや染みから成る絵画を指します。アール・アンフォルメと同義に使われることが多く、ヴォルス、マチュー、アルトゥング、リオペルと深く結び付いています。
リリカル・アブストラクションとは何で、どこに位置づけられますか？
リリカル・アブストラクションは、1940年代後半以降のヨーロッパのジェスチャー絵画における、より流動的で詩的、かつ色彩主導の流れを指し、後に1970年頃、アメリカで用いられる用語として再び広まりました。詳しくは、リリカル・アブストラクションについての記事で解説しています。
なぜこれほど多くのアメリカ人アーティストが戦後のパリに住んだのですか？
GIビルは退役軍人の海外留学費用を支給し、1946年から1953年にかけて400人を超えるアメリカ人アーティストがこの制度を利用してパリへ渡りました。生活費は安く、街には依然として大きな名声がありました。サム・フランシス、シャーリー・ジャッフェ、エルズワース・ケリー、ジャック・ヤンガーマンは皆、そこで成熟期の作品を形作りました。
ジョアン・ミッチェルはアメリカ人画家ですか、それともフランス人画家ですか？
実際には、両方です。シカゴ生まれで、抽象表現主義の第二世代の中心人物だった彼女は、1950年代半ばにフランスへ移住し、1955年からケベック出身の画家Jean-Paul Riopelleと暮らし、後半生はモネの庭園近くにあるヴェトゥイユで活動しました。
抽象表現主義はCIAから資金提供を受けていたのですか？
正直に言えば、答えは単純ではありません。冷戦期に、アメリカの文化機関やCongress for Cultural Freedomが海外でアメリカの抽象絵画を推進したこと、そしてMoMAの国際プログラムが1958年と1959年にThe New American Paintingを8か国で巡回展示したことを示す証拠はあります。アーティストたちは工作員ではなく、その多くは政治的左派に属し、指示を受けていたわけでもありません。公正な結論は、真に急進的な絵画が政治的に有用なものとなり、その有用性に制度的な資金が追随した、ということです。
「The New American Painting」とは何でしたか？
MoMAの国際プログラムが企画した巡回展で、Dorothy MillerがFrank O'Haraとともに選んだ17人のアーティストによる81点の絵画を、1958年と1959年にバーゼル、ミラノ、マドリード、ベルリン、アムステルダム、ブリュッセル、パリ、ロンドンで展示しました。ヨーロッパのアーティストを一人も含まなかったことこそ、まさに重要な点です。
なぜ抽象表現主義の女性作家は、あまり有名ではないのですか？
この運動の評価が定着しつつあったまさにその時期、少数の男性作家を中心に語られたこと、そして当時の批評家たちが絵画を男らしさや英雄性という観点から論じたことが理由です。Lee Krasner、Joan Mitchell、Grace Hartigan、Elaine de Kooning、Helen Frankenthaler、Alma Thomasは、1990年代以降、大幅に再評価されてきました。
ソーク・ステイン・ペインティングとは何ですか？
1952年にHelen Frankenthalerが考案した技法で、薄めた絵具を下塗りしていないキャンバスに流し込み、表面にとどまらせるのではなく織り目に染み込ませます。これにより、描かれた痕跡と表面との区別が取り除かれ、Morris LouisとKenneth Nolandの作品を直接的に可能にしました。
抽象表現主義は、現代絵画において今なお重要ですか？
はい。ただし、ノスタルジーとしてではありません。ジェスチャル・アブストラクションは、今なお現代絵画の生きた言語の一つであり、神話を受け継ぐのではなく、その方法を受け継いだアーティストたちによって世界中で実践されています。現代のジェスチャル・アブストラクションについての概要をご覧ください。
今日でも、この系譜の作品を収集できますか？
はい。ジェスチャル・ペインティングと抽象表現主義の伝統に取り組む存命のアーティストによるオリジナル作品は、歴史的な市場が示唆するよりもはるかに手の届きやすい価格で購入できます。作品を1点購入することは、すでに閉じられた章ではなく、今なお続いている対話を支えることでもあります。
