ジョーン・スナイダーの超越的な実践の背後に
ジョーン・スナイダーは、多くの芸術家が成し遂げられないことを成し遂げました。それは、彼女が象徴的存在となったことです。通常、象徴的と見なされるためには、芸術家は一つの様式、一つの技法、または一つの特徴的な方法に専念しなければなりません。ジャクソン・ポロックは彼の飛び散る絵画で象徴的存在となり、ジョージア・オキーフは花の絵画で、マーク・ロスコはカラーフィールドの絵画で、イヴ・クラインは「IKBブルー」の独特な使用で象徴的存在となっています。このリストは際限なく続けられます。しかし、スナイダーが現代における完璧な象徴である理由は、彼女が特定の一つのことだけで知られていないからです。彼女は特定の種類の作品や特定の方法や技法を用いることを避けてきました。1960年代後半に初めて認められて以来、彼女は絶えず自身の制作を進化させています。彼女が制作するすべての絵画は、それ自体の論理を持ち、過去はそれに影響を与える範囲でのみ定義されます。スナイダーは本質的に好感の持てる直感を持っており、それはある場面では知恵や悟りと見なされるかもしれませんが、実際には謙虚さに近いものです。彼女は過去を受け入れ、その影響を現在に認め、未来を知っているふりはしません。その態度が、彼女が経験した苦難にもかかわらず慎重な楽観主義を保ち、彼女の絵画を常に新鮮に保っています。鑑賞者はスナイダーが次にスタジオで何をするか予測できません。なぜなら彼女自身も本当には知らないからです。計画し、スケッチし、激しくアイデアを書き留めるものの、彼女は自分の絵画は実際にはジャズのようなもので「ただ起こる」と言います。スナイダーは自身の作品を限定しないことで、あらゆるラベル付けを超越しています。彼女は開かれ、正直で自由なままです。歴史や市場によって押し付けられた何らかの真実に縛られる他の多くの象徴的な芸術家とは異なり、スナイダーは自分自身に忠実であることだけが必要だと知っている象徴的な例です。
最初の最大主義者
もしスナイダーが一つの言葉で表されるとすれば、それは「最大主義者」という言葉かもしれません。1940年生まれの彼女は、1966年にニュージャージー州ハイランドパークで育った場所から数マイルのラトガース大学で美術修士号を取得しました。当時の芸術界は、ポップアート、オプ・アート、第二波の抽象表現主義、概念芸術、パフォーマンスアートといったいくつかの特徴的な動きに注目していました。しかし間違いなく最も支配的な新興の潮流はミニマリズムでした。ドナルド・ジャッド、ソル・ルウィット、フランク・ステラのような芸術家たちは、簡素で感傷的でない構成で芸術愛好家の目と心を驚かせていました。多くの鑑賞者、キュレーター、ディーラーにとって、彼らの作品は、内なる潜在意識のすべての感情を表現しようとした20年にわたる感情的に激しい作品への完璧な解毒剤のように思えました。
ジョーン・スナイダー - 『怒りを詩に変えられるか』1985年。リヴェスBFK紙にカラーリトグラフ。30 1/4 × 44 1/4インチ；76.8 × 112.4センチ。エディション プリンターズプルーフ/20 + 1AP。アンダース・ヴァールステッド・ファインアート、ニューヨーク。© ジョーン・スナイダー
スナイダーはこれらのミニマリストたちの作品の構造と自信を評価しました。しかし、彼女はそれらの作品が自分自身とは何の関係もないことも理解していました。実際、彼女は他のどの動きも自分とは関係がないと考えていました。彼女はこれらすべての芸術運動が父権的な芸術市場と偏った、未完成で男性中心の芸術史観から発展したと認識していました。彼女はどのような絵を描きたいのか正確にはわかりませんでしたが、描くものは何であれ自分自身に忠実であることは確かでした。学校を卒業して最初に描いた絵は、格子の言語を探求する絵画でした。次に「ストローク」と呼ばれる一連の絵画が続き、筆遣いの視覚言語を記録しました。どちらも複雑で層のある個人的な物語を伝えるための個人的な文法を築こうとする試みでした。その間、彼女が何よりも注力したのは、作品により多くのものを詰め込み、伝えたいことを表現することでした。彼女は「私の全ての考えは、絵画により多くを、より少なくではなく持たせることだった」と言います。彼女のこのアプローチは「最大主義」と呼ばれました。
ジョーン・スナイダー - 『秋の歌』2002年。キャンバスに油彩と混合技法。50 × 96インチ；127 × 243.8センチ。アレクサンドル・ギャラリー、ニューヨーク。© ジョーン・スナイダー
闘いの遺産
スナイダーは時に自身の作品を交響曲に例えています。間違いなく、「アモル・マトリス」（2015年）や「交響曲VII」（2014年）のような絵画に見られる厚塗りの層、破片、滴り、球状の形は、私たちの魂の苦悶する楽器によって翻訳を待つ視覚的な音楽のように読めます。しかしこれらの絵画は叙事詩文学とも共通点があります。物語は色彩と調子の激しい暗さと明るさによって推進されます。生々しく原始的な形は自らの性格と誇りを宣言し、より高みを目指す闘いは私たちの目と心に強烈な挑戦をもたらします。スナイダーが「粉の真珠」（2017年）のような絵画に導入する言葉は—時には書き、時には媒体に刻み込むことで—私たちの思考と気分を導きます。しかし最終的に、私たちがこれらの絵画で聞く歌や読む物語は、スナイダーが筆を取った理由よりも私たち自身の内なる物語に関係しています。
ジョーン・スナイダー - 『粉の真珠』2017年。混合技法。キャンバスに油彩、アクリル、布、色鉛筆、パステル、ビーズ、グリッター。137.0 × 91.5センチ。53.9 × 36.0インチ。フランクリン・パラッシュ・ギャラリー。© ジョーン・スナイダー
スナイダーの絵画をどのように見ても、彼女の作品すべてに共通して否定できないのは闘いの遺産です。スナイダーはそれらを生み出すために自分自身と闘ってきました—その事実は、作品の圧倒的な視覚的複雑さと素材の深さに表れています。しかしそれらは私たちが避けたいと思うような闘いの証拠ではありません。むしろ、それはほとんど喜びに満ちた闘いの証です。彼女の作品は、私たちが自然な人間の不安を克服したときにどの年齢でも持ち続ける若々しい誇りで輝いています。彼女のゆったりとした物語の中で、説明しがたいが否定できない解決策を私たちに提供しようとしているかのようです。それは私たちが常に抱えてきた問題であり、スナイダーと彼女の自分自身に忠実であろうとする努力のおかげで、私たちが共通して持っていることを今や知っているのです。
掲載画像：ジョーン・スナイダー - 『小さな海景』2011年。リネンに油彩とアクリル。18 × 24インチ；45.7 × 61センチ。アレクサンドル・ギャラリー、ニューヨーク。© ジョーン・スナイダー
すべての画像は説明のために使用されています
フィリップ・Barcio 著
