ジョーン・スナイダーの超越的な実践の背後に

ジョーン・スナイダーは、少数のアーティストが成し遂げることができることを達成しました：彼女はアイコンとなりました。アイコンと見なされるためには、通常、アーティストは単一のスタイル、単一の技法、または単一の署名メソッドに焦点を当てる必要があります。ジャクソン・ポロックは彼のスプラッターペインティングによってアイコンです。ジョージア・オキーフは彼女の花の絵によってアイコンです。マーク・ロスコは彼のカラーフィールドペインティングによってアイコンです。イヴ・クラインは彼の「IKBブルー」の署名的な使用によってアイコンです。このリストは続けることができます。しかし、スナイダーが私たちの時代の完璧なアイコンである理由は、彼女が特定の一つのことに知られていないからです。彼女は特定のタイプの作品を作ることや、特定の方法や技法を用いることを避けるために努力してきました。1960年代後半に彼女の作品が初めて認識されて以来、彼女は常に彼女の実践を進化させてきました。彼女が作るすべての絵画は、それ自体の論理を持ち、過去によって定義されるのは、それが過去に影響を受けている限りです。スナイダーは本質的に好感の持てる直感を持っており、それはあるサークルでは知恵や啓発と見なされるかもしれませんが、実際には謙虚さに近いものです。彼女は過去を受け入れ、それが現在に与える影響を受け入れ、未来がどうなるかを知っているふりをしません。その態度は、彼女が経験した苦しみにもかかわらず、彼女を慎重に楽観的に保ち、彼女の絵画を無限に新鮮に保ちます。観客は、スナイダーがスタジオで次に何をするかを予測することは決してできません。なぜなら、彼女自身が本当に何をするかを知らないからです。彼女は計画を立て、スケッチをし、アイデアを激しくメモしますが、彼女は自分の絵画は実際にはジャズのようなものであると言います—「それはただ起こるのです。」スナイダーは、自分の作品にラベルを付けようとする試みを超越し、それを制限することを拒否します。彼女はオープンで、正直で、自由です。歴史や市場によって課せられた真実に捕らわれる他のほとんどのアイコニックなアーティストとは異なり、スナイダーは自分自身に忠実であればよいことを知っているアーティストのアイコニックな例です。

ザ・ファースト・マキシマリスト

もしスナイダーがリスクを冒してラベルを貼られるとしたら、それは「マキシマリスト」という言葉になるだろう。1940年に生まれ、彼女は1966年にラトガース大学で美術の修士号を取得した。そこは彼女がニュージャージー州ハイランドパークで育った場所から数マイルの距離にある。その当時のアート界は、ポップアート、オプアート、第二波のアブストラクト・エクスプレッショニズム、コンセプチュアルアート、パフォーマンスアートといった少数の独特なムーブメントと flirt していた。しかし、間違いなく最も支配的な新興トレンドはミニマリズムだった。ドナルド・ジャッド、ソル・ルウィット、フランク・ステラのようなアーティストたちは、洗練された、感情に流されない構成でアート愛好家たちの目と心を驚かせていた。多くの観客、キュレーター、ディーラーにとって、彼らの作品は、内なる無意識の感情を表現しようとするアーティストたちによる20年間の感情的に充満した作品への完璧な解毒剤のように思えた。

ジョーン・スナイダー - 私たちの怒りを詩に変えることはできるか、1985年。リーヴスBFK紙にカラーリトグラフ。30 1/4 × 44 1/4 インチ; 76.8 × 112.4 cm。エディション プリンタープルーフ/20 + 1AP。アンダース・ヴァールステッド・ファインアート、ニューヨーク。© ジョーン・スナイダー

スナイダーはこれらのミニマリストを見て、彼らの作品の構造と自信を評価しました。しかし、彼女はまた、彼らの作品が彼女自身とは何の関係もないことに気づきました。そういう意味では、彼女は他のどの運動も彼女とは何の関係もないとは特に思っていませんでした。彼女は、これらすべてのアート運動が、父権的なアート市場と歪んだ、不完全な男性中心のアート史の見方から進化したと認識していました。彼女は自分がどのような絵を描きたいのか正確には分かりませんでしたが、彼女が描くものはすべて自分に忠実であることを知っていました。学校を卒業した後に彼女が描いた最初の絵は、グリッドの言語を探求する絵画的なものでした。次に、いわゆる「ストローク」ペインティングのシリーズが登場し、ブラシストロークの視覚言語をマッピングしました。どちらも、彼女が層状で複雑な個人的な物語を伝えるための個人的な構文を構築しようとする試みでした。一方で、彼女が他のすべてのことよりも集中していたのは、作品にどんどん多くを注ぎ込み、それが彼女が言いたいことを言うまででした。彼女は言います。「私の全体的なアイデアは、絵画において少なくするのではなく、もっと多くを持つことでした。」彼女のアプローチは「マキシマリズム」と呼ばれました。

ジョーン・スナイダー - 秋の歌, 2002年。油彩と混合メディア、キャンバス。50 × 96 インチ; 127 × 243.8 cm。アレクサンドル・ギャラリー、ニューヨーク。© ジョーン・スナイダー

闘争の遺産

スナイダーは時折、彼女の作品を交響曲に例えています。間違いなく、「アモール・マトリス」（2015年）や「シンフォニーVII」（2014年）などの絵画におけるインパストの層、残骸、滴、球状の形状の混合は、私たちの精神の苦悩した楽器によって翻訳を待つ視覚的音楽のように読まれることができます。しかし、これらの絵画は叙事詩文学とも共通点を持っています。物語は展開し、色やトーンの強烈な暗闇と光によって前進します。生々しく原始的な形は、キャラクターと誇りを持っていると宣言します；何かもっと大きなものになるための彼らの闘いは、私たちの目と心にとって手ごわい挑戦を提示します。スナイダーが「パウダード・パールズ」（2017年）などの絵画に導入する言葉は、時にはそれを書いたり、時には媒体に引っ掻いたりして、私たちの思考や気分を導きます。しかし結局のところ、私たちがこれらの絵の中で聞く歌や読む物語は、スナイダーがブラシを表面に当てる原因となったものよりも、私たち自身の内面的な物語にもっと関係しています。

ジョーン・スナイダー - パウダーパール、2017年。ミクストメディア。油彩、アクリル、布、色鉛筆、パステル、ビーズ、グリッターをキャンバスに使用。137.0 × 91.5 cm。53.9 × 36.0 インチ。フランクリン・パラスギャラリー。© ジョーン・スナイダー

スナイダーが作る絵画をどのように見ようとも、彼らに共通する否定できないことは、彼らの闘争の遺産です。スナイダーは、彼らを存在させるために自らと闘ってきました—その事実は、彼らの巨大な視覚的複雑さと物質的深さによって証明されています。それでも、彼らは私たちが避けたいと思うような闘争の証拠ではありません。むしろ、彼らはほとんど喜びに満ちた闘争の証拠です。彼らは、私たちが自然な人間の不安を克服するたびに、どの年齢でも持ち続ける若々しい誇りのように輝いています。まるで、彼らののんびりとした物語が、私たちが常に抱えていることを知っている問題に対する、説明が難しいが否定できない解決策を提供しようとしているかのようです。しかし、スナイダーと彼女が自分に忠実であろうとする努力のおかげで、私たちは今、共通していることを知っています。

特集画像: ジョーン・スナイダー - 小さな海景, 2011年。リネンに油彩とアクリル。18 × 24 インチ; 45.7 × 61 cm。アレクサンドルギャラリー, ニューヨーク。© ジョーン・スナイダー
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フィリップ Barcio による