ダン・フレイヴィンと抽象光インスタレーション

抽象芸術にはしばしば精神性の雰囲気が伴います。美が豊かで意味が曖昧なところに神秘主義が栄えます。しかし、いくつかの抽象芸術家は、自らの作品に深遠さ、超越的な特質、あるいは美的形式を超えた意味が含まれていることを否定します。ダン・フレイヴィンは、この現象の典型的な例です。20世紀の最も影響力のある芸術家の一人であるフレイヴィンは、モダニズム芸術における光の使用において新たな地平を切り開きました。彼の作品は美しく、前例がなく、創造的な解釈に適しています。そのエーテル的な性質、輝く光沢、さらにはそのタイトルさえも、神聖なものとの関連を招きます。しかし、フレイヴィンはそのような関連には価値がないと主張しました。彼の芸術は単に光が建築を照らすものであると主張し、フレイヴィンは言いました。「光を事実として考えないかもしれませんが、私はそう考えます。そして、それは、私が言ったように、あなたが見つけることのできる最も明白でオープンで直接的な芸術です。"

象徴的か皮肉的か

フラビンはニューヨークのクイーンズでアイルランド系カトリックの家庭に育ちました。ティーンエイジャーの頃、彼は神父になるための勉強をしました。しかし、教会での生活に心を動かされることなく、19歳の時に兄と共に軍隊に入隊しました。韓国での任務中、彼は本格的にアートを学び始め、任務を終えた後、ニューヨークに戻り、アートの勉強を続けながら博物館でアルバイトをしました。1961年、さまざまな絵画やコラージュスタイルを試した後、彼は最初の光を使った作品を作成しました。それは壁に掛けられ、電球が取り付けられた塗装された箱のシリーズでした。彼はこれらの作品を「アイコン」と呼びました。

「アイコン」という言葉は、ビザンチン時代のロシア正教の画家によって作られた、光輝く神聖な絵画を指していました。カトリックの家庭で育った自身の歴史と、司祭になるために5年間学んだ経験を組み合わせると、フラビンがこれらの物体に「アイコン」という言葉を使うことは、容易に精神的な意図を示唆することができます。しかし、ビザンチンのアイコン画は、厳格な美的基準に従って丹念に作られていました。彼らはその光輝く効果を得るために高価で希少な素材を取り入れ、神聖な存在を称えるために建てられた壮大な聖なる空間の内部を飾るために作られました。フラビンのアイコンは、安価な材料から作られた空洞でミニマルな物体でした。彼らは大量生産された光を使用してその光輝を達成し、フラビンによれば、「荒れた部屋を祝うために構築された集中体」でした。彼らはあらゆる意味で歴史的な対極にありました。それでは、彼らはアイコニックだったのか、それともフラビンは皮肉を言っていたのか？

ダン・フラヴィン - 無題（ヴェロニクへ）、1987年。赤、黄、青、緑の蛍光灯。96インチ；243.8 cm。ワディントン・カストット、ロンドン

光の記念碑

彼が最初のアイコンを作ってから2年後、フラビンは突破口を経験しました。彼は塗装された箱を排除するという飛躍を遂げ、二次的な美的支持を使用することを放棄し、代わりに彼のライトを直接壁に取り付けることを選びました。少し改良された市販の蛍光灯をアートのオブジェとして使用することで、彼は日常的な素材やレディメイドオブジェクトの使用により、Arte Poveraやダダイズムのような運動と関係を持ち、工業的な素材やプロセスに依存することからミニマリズムとも関係を持ちました。フラビンはこの新しいスタイルでの最初の作品を、彼の考えに影響を与えた彫刻家コンスタンティン・ブランクーシに捧げました。彼の無限の柱の彫刻は、彼の思考に影響を与えました。

厳格な色彩パレットと限られたサイズの電球に制約を設けたフラビンは、彼の新しいスタイルが提供する可能性を豊かに探求し始めました。彼はロシアの構成主義者アーティストウラジミール・タトリンに捧げられた50のピラミッド型「モニュメント」を制作し、アレクサンダー・カラ、ロバート・ライマン、ジャスパー・ジョーンズなど、彼に影響を与えた他のアーティストに捧げられた数多くの無題の蛍光作品を創作しました。注目すべきは、これらの作品が美的なオブジェクトとしての機能だけでなく、展示された空間の認識を変える役割も果たしていたことです。

ダン・フラヴィン - "モニュメント" V. タトリンのための1、1964年。蛍光灯（クールホワイト）。96 1/10 × 23 1/5 インチ; 244 × 59 cm。ファンデーション・ベイレラー、リーエンでの「ブラックサン」展

コーナー、バリア、そして廊下

フラヴィンの作品への関心が高まるにつれて、彼は展示するための拡大する建築空間へのアクセスを得ました。彼はこの発展を利用して、彼の光の構成が建築空間の性質にどのように影響を与えるかをより深く探求しました。彼は、さまざまなアイデアをそれらが存在する空間に応じて分類し、「コーナー」、「バリア」、「廊下」といった名前を使用しました。彼の「コーナー」は、コーナー自体に美的現象を生み出すか、コーナーを出発点として残りの空間に影響を与えるために使用される建築空間を占めました。彼の「バリア」は、空間に人工的な区分を作り出し、光が観客の体験の焦点であり、同時にそれを妨げるものとして機能するようにしました。

フラヴィンの「回廊」は、光を使って廊下の美的体験を変化させました。場合によっては、廊下の認識を歪めることもありました。他の場合では、廊下は光の構成のための展示空間として機能しているように見えました。そして、いくつかの状況では、光は単に空間の美的美しさを高めるように見えました。

ダン・フラヴィン - 無題（彼のギャラリーの30周年を記念してレオに捧げる）、1987年。赤、ピンク、黄色、青、緑の蛍光灯。96 × 96 インチ; 243.8 × 243.8 cm。サンフランシスコ近代美術館（SFMOMA）、サンフランシスコ

状況と提案

フラビンの創作物の曖昧さは、彼がそれらをアート作品と呼ぶのをやめる原因となった。彼は、自身の光の構成が、観客が作品の前にいるときに持つかもしれない体験の一部に過ぎないことを認識していた。観客の体験全体は、彼が予測できる以上に大きなものであった。したがって、彼は自らの創作物を「状況」や「提案」と呼び始め、これらが進行中の美的プロセスの始まりに過ぎないことを示唆した。

いくつかの「状況」は教会などの聖なる場所に存在していました。他のものは工業スペースに存在していました。さらに他のものは博物館のような伝統的なアート環境に存在していました。フラビン・シチュエーションの完全な体験は、光、建築、気象条件、そして観客がその特定のタイプの空間との既存の関係に基づいて持ち込む個人的な要因に依存します。

ダン・フラヴィン - 1963年5月25日の対角線、1963年。青色蛍光灯。96インチ; 243.8 cm。サンフランシスコ近代美術館（SFMOMA）、サンフランシスコ

輝く光

では、フラヴィンの作品をどのように文脈化するのでしょうか？その抽象的な特質には、形式的な特質を超えたより深い隠れた意味が含まれているのでしょうか？それは誰に聞くかによります。フラヴィンの光のインスタレーションは、占有する空間に非常に美しく統合されるため、観客がそれに出会ったときに感情的に反応するのは自然なことです。私たちのほとんどにとって、ほとんどの時間、部屋は単なる実用的な空間であり、楽しみのためではなく機能のために照らされています。誰かがビジネスではなく美しさのために空間を照らすとき、私たちはそれをムード照明と呼びます。なぜなら、それが引き起こす生々しい感情的反応のためです。

しかし、彼自身の作品に潜在的な意味がないという主張に関して、フラビンは有名な表現「それはそれである」を作り出し、「そしてそれは他の何物でもない...すべては明確に、オープンに、平易に提供されている。」と続けました。それにもかかわらず、子供たちが釘を打つために意図されたハンマーではなくドライバーを使うように、私たちは自分たちの目的のためにフラビンのアートを再文脈化する誘惑に駆られ続けます。おそらく、それは権利意識を反映しているのかもしれません。私たちは、アーティストの意図に関係なく、私たちにとって機能する方法でアートワークを客観視することを主権的な権利として受け入れています。あるいは、単にそれを解釈者の視線と呼ぶべきかもしれません：アートの視聴者である私たちが自分自身に授ける贈り物であり、アートワークと私たち自身の組み合わせの価値がその個々の部分の合計を超えることを可能にします。

注目の画像: ダン・フラヴィン - 1963年5月25日の対角線（コンスタンティン・ブランクーシへ）、1963年
すべての画像は説明目的のみで使用されています
フィリップ Barcio による