最後のモネがアメリカの抽象表現主義者たちに与えた影響
クロード・モネ、フランス印象派の偉大な共同創始者によって生み出された最も記憶に残り、よく知られた作品の中でも特に有名なのが「睡蓮」です。しかし、多くの印象派ファンが気づいていないかもしれないのは、モネとアメリカの抽象表現主義者たちとの間に存在するつながりです。晩年、モネは彼の有名な「睡蓮」シリーズの様式で、特に抽象的な大規模な絵画群を制作しました。これらのジェスチャー的でエネルギッシュ、かつ画家的な作品は、いわゆる「アクション・ペインティング」と呼ばれる抽象表現主義者たちの作品が数十年後に始まる前に持っていたすべてのエネルギー、感情、そして「動き」を備えています。これら晩年のモネの絵画はまた、後に抽象表現主義の作品に帰せられる「全体的な」質感も持っています。しかし、1950年代になるまで、芸術界の権力者たちはモネの晩年の作品と抽象表現主義者たちの作品との類似点に本格的に注目しませんでした。このつながりは、睡蓮シリーズの百周年を記念して再び注目されており、パリのオランジュリー美術館では展覧会Waterlilies: American Abstraction and the Last Monet.を通じてこのつながりを深く探求しています。この壮大な展覧会では、モネの晩年の傑作とともに、ジャクソン・ポロック、ヘレン・フランケンサラー、マーク・ロスコ、ジョーン・ミッチェル、マーク・トビー、ジョン・ポール・リオペル、サム・フランシス、エルズワース・ケリーなど、影響力のあるアメリカの抽象表現主義画家たちの作品が展示されています。この唯一無二の展覧会は、最も象徴的なアメリカの美術運動のヨーロッパにおける起源を垣間見せ、芸術の美的傾向がどのように真に発展するのかについて、新鮮で世界的かつよりバランスの取れた視点を提供しています。
世代の隔たり
クロード・モネは1914年頃、亡くなる12年前に白内障の兆候を見せ始めました。この病気の影響は彼の絵画に直接影響を与え、主に彼が使用する色の認識能力を変化させました。この頃、彼は柳の木を題材にした一連の絵画を始めました。これらの作品を満たす長くジェスチャー的な線と厚塗りの筆跡は、モネが選んだ鮮やかな赤みがかった色調によって幽玄なものとなっています。（後に白内障の手術を受けた際、モネはこれらの絵のいくつかを再び描き直し、より青みがかった色調を加えました。）また、この時期にモネは二つの個人的な悲劇、すなわち二番目の妻と長男の死を経験しました。この時代の彼の絵画は、もの悲しく神秘的な性質を持っています。彼が感情を描いていたと言うのは大げさかもしれませんが、彼がキャンバスに捉えた物理的世界の印象は、彼の内面にあった感情に影響を受けていた可能性は十分にあります。しかし、悲しみを感じて憂鬱な絵を描くことは、抽象表現主義者たちが行ったこととは異なります。彼らもまた悲しみ、不安、恐怖を感じていましたが、絵を描く際には自動記述法という技法を通じてそれらの感情の潜在意識の深みとつながろうとしていました。
「Waterlilies: American Abstraction and the Last Monet」、パリ・オランジュリー美術館での展示風景。© オランジュリー美術館。写真：ソフィー・クレピ＝ボエグリー
それにもかかわらず、両者の方法は驚くほど似た美的結果を生み出しました。しかし、モネの死後ほぼ20年経ってから、この新しい世代の画家たちの作品に彼の最終的な美的発見が現れることになります。抽象表現主義者たちがモネの晩年の作品を知っていたかどうかは定かではありません。しかし、1955年にニューヨーク近代美術館で大規模な晩年の「睡蓮」作品の一つが展示されたことは確かです。同じ年、クレメント・グリーンバーグは「American-type Painting」という重要な論文を書き、モネの晩年の作品とジャクソン・ポロック、クリフォード・スティル、バーネット・ニューマンらの作品とのつながりを指摘しました。これらの出来事を受けて、1956年に美術評論家ルイス・フィンケルシュタインはモネと抽象表現主義者たちのつながりを文脈化し、新たな用語「抽象印象主義」を生み出しました。彼はこの用語を、抽象表現主義にゆるやかに関連しながらも運動の周縁で活動した画家たち、例えばジョーン・ミッチェル、ジャン＝ポール・リオペル、サム・フランシス、フィリップ・ガストンらを指すために用いました。彼は彼らの作品がモネからより直接的に影響を受けており、ニューヨーク派の創始者たちの方法や哲学に対する負債は少ないと考えました。
「Waterlilies: American Abstraction and the Last Monet」、パリ・オランジュリー美術館での展示風景。© オランジュリー美術館。写真：ソフィー・クレピ＝ボエグリー
ドラマなし
アメリカ美術界の最大の誤解の一つは、抽象表現主義が「最初の純粋なアメリカの美術運動」であったというものです。現代の研究はその仮説がせいぜい薄弱であることを示しています。グラント・ウッドは1930年に地域主義の傑作「アメリカン・ゴシック」を描いており、これは抽象表現主義の最初の作品が生まれるよりも10年以上前のことです。アメリカ地域主義はアメリカの美術運動であり、それ以前にもいくつかの運動が存在しました。それに加え、自動記述法を抽象表現主義者に教えたロバート・マザウェルは、当時メキシコに住んでいたオーストリアの画家からそれを学び、その画家とはチリの画家を通じて知り合ったのです。実際、抽象表現主義において明確にアメリカ的なものは、それが多様な要素の融合体であるという点だけです。
「Waterlilies: American Abstraction and the Last Monet」、パリ・オランジュリー美術館での展示風景。© オランジュリー美術館。写真：ソフィー・クレピ＝ボエグリー
しかし、この展覧会は記録を正す試みではありません。むしろ、世代が異なる画家たちが同じ輝かしい美的成果にたどり着いたという美しい瞬間に立ち返る単純な試みです。これらの画家たちが全く異なる方法を用いて同じ地点に到達したという事実は、美術史が系譜ではなく、時間を超えた対話であることを示しています。その中のあらゆる視覚的・概念的傾向は、いつでも再び拾い上げられ、新しい時代の声を通じて再構想されることができるさまよえる会話に過ぎません。Waterlilies: American Abstraction and the Last Monetは、2018年8月20日までパリのオランジュリー美術館で開催されています。
表紙画像：「Waterlilies: American Abstraction and the Last Monet」、パリ・オランジュリー美術館での展示風景。© オランジュリー美術館。写真：ソフィー・クレピ＝ボエグリー
すべての画像はオランジュリー美術館提供
フィリップ・Barcio 著
