最後のモネがアメリカの抽象表現主義者たちに与えた影響
クロード・モネによって創造された最も記憶に残る、よく知られた作品の中で、フランス印象派の偉大な共同創設者である彼の「睡蓮」があります。しかし、印象派のファンが気づいていないかもしれないのは、モネとアメリカの抽象表現主義者たちとの間に存在するつながりです。彼の生涯の終わり近く、モネは彼の有名な「睡蓮」の絵画のスタイルで特に抽象的な大規模な絵画シリーズを創作しました。これらのジェスチャー的でエネルギッシュな絵画作品は、いわゆる「アクションペインティング」のエネルギー、感情、そして「アクション」をすべて持っていますが、抽象表現主義者たちが数十年後に作り始めるまで、実際にはそれらの作品は存在しませんでした。これらの晩年のモネの絵画は、後に抽象表現主義の作品に帰属される「オールオーバー」な特質も持っています。しかし、1950年代になるまで、アート界の権力者たちが最後のモネの絵画と抽象表現主義者たちの作品との類似点に本当に気づくことはありませんでした。このつながりは、睡蓮シリーズの100周年を記念して再び注目されており、パリのオランジュリー美術館がこのつながりを深く探求する展覧会睡蓮：アメリカの抽象と最後のモネ。この壮大な展覧会は、モネの晩年の作品の驚くべきセレクションを、ジャクソン・ポロック、ヘレン・フランケンターラー、マーク・ロスコ、ジョーン・ミッチェル、マーク・トービー、ジョン・ポール・リオポール、サム・フランシス、エルスワース・ケリーなどの影響力のあるアメリカの抽象表現主義の画家たちの作品と並べて展示しています。このユニークな展示は、最も象徴的なアメリカのアートムーブメントのヨーロッパのルーツを垣間見る機会を提供し、アートにおける美的トレンドがどのように本当に発展するのかについて新鮮でグローバルかつよりバランスの取れた視点を提供します。
世代を超えた
クロード・モネは、1914年頃に白内障の兆候を示し始めました。彼が亡くなる12年前のことです。この病気の影響は彼の絵画に直接的に影響を与え、主に彼が使用している色を認識する能力を変えました。この頃、彼は柳の木をテーマにした一連の絵画を始めました。これらの作品を満たす長いジェスチャーラインとインパストのブラシマークは、モネが選んだ鮮やかで赤みがかった色合いによって不気味なものとなっています。（後に白内障の手術を受けた際、モネは実際にこれらの絵画のいくつかを再描画し、より青みがかった色合いを与えました。）また、この頃、モネは二度の個人的な悲劇—彼の二番目の妻と最年長の息子の死—を経験しました。この時期の彼の絵画には、悲しげで神秘的な質があります。彼が感情を描いていたと言うのは無理がありますが、彼がキャンバスに捉えた物理的な世界の印象は、彼の内面で感じた感情に影響されていた可能性があります。しかし、悲しんでいるからといって、メランコリックな方法で描くことは、アブストラクト・エクスプレッショニストが行ったこととは同じではありません。彼らもまた悲しみ、不安、恐れを抱いていましたが、彼らが絵を描くとき、彼らは自動主義の技法を通じてその感情の無意識の深さに接続しようとしていました。
「睡蓮：アメリカの抽象と最後のモネ」、パリのオランジュリー美術館でのインスタレーションビュー。© オランジュリー美術館。写真：ソフィー・クレピ＝ボエグリ
それにもかかわらず、両方の方法は驚くほど似た美的結果を生み出しました。しかし、モネの死からほぼ20年後に、彼の最終的な美的発見がこの新しい世代のアーティストの作品に現れることになるのです。抽象表現主義者たちがモネの晩年の作品を意識していたかどうかは難しいところです。しかし、私たちが知っているのは、1955年にニューヨークの近代美術館で大規模な晩年の「睡蓮」の絵画の一つが展示されたということです。同じ年、クレメント・グリーンバーグは、モネの晩年の作品とジャクソン・ポロック、クリフォード・スティル、バーネット・ニューマンのような画家の作品との関係を指摘した画期的なエッセイ「アメリカン・タイプ・ペインティング」を執筆しました。これらの出来事は、1956年にアート批評家ルイ・フィンケルスタインがモネと抽象表現主義者たちの関係を文脈化するために新しい用語「抽象印象主義」を作り出すことにつながりました。彼はこの用語を、抽象表現主義に緩やかに関連する画家のグループを指すために使用しましたが、彼らは運動の周辺で生活し、活動していました。例えば、ジョーン・ミッチェル、ジャン＝ポール・リオペル、サム・フランシス、そしてフィリップ・ガストンなどです。彼は、彼らの作品がモネからより直接的にインスパイアされており、ニューヨーク・スクールの創始者たちの方法や哲学に対する負債が少ないと感じていました。
「睡蓮：アメリカの抽象と最後のモネ」、パリのオランジュリー美術館でのインスタレーションビュー。© オランジュリー美術館。写真：ソフィー・クレピ＝ボエグリ
ドラマなし
アメリカのアート界における最大の神話の一つは、抽象表現主義が「最初の純粋なアメリカのアート運動」であったということです。現代の学問は、その仮定がせいぜい薄っぺらいものであることを示しています。グラント・ウッドは1930年に地域主義の傑作『アメリカン・ゴシック』を描きましたが、これは最初の抽象表現主義の絵画が創作される10年以上前のことです。アメリカ地域主義はアメリカのアート運動であり、それ以前にもいくつかの運動が存在しました。その事実に加えて、抽象表現主義者たちに自動記述法を教えたロバート・マザーウェルは、当時メキシコに住んでいたオーストリアの画家からそれを学びました。マザーウェルはチリの画家の知り合いを通じてその画家に出会いました。実際、抽象表現主義において明確にアメリカ的なものは、ただそれがメルティングポットであるということだけです。
「睡蓮：アメリカの抽象と最後のモネ」、パリのオランジュリー美術館でのインスタレーションビュー。© オランジュリー美術館。写真：ソフィー・クレピ＝ボエグリ
しかし、この展覧会は記録を正す試みではありません。むしろ、世代が異なる画家たちが同じ栄光ある美的結果にたどり着いたことが明らかになった美しい瞬間に戻るための単純な試みです。これらの画家たちが同じ位置に到達するために全く異なる方法を使用したという事実は、芸術史が系譜ではなく、むしろ時間を超えた対話であることを示しています。その中のすべての視覚的および概念的傾向は、いつでも再び拾い上げることができ、各新しい時代の声を通して再想像されることができる、ただの長い会話です。睡蓮：アメリカの 抽象と 最後のモネは、オランジュリー美術館で2018年8月20日まで展示されています。
特集画像：水蓮：アメリカの抽象と最後のモネ、パリのオランジュリー美術館での展示風景。© オランジュリー美術館。写真 ソフィー・クレピ＝ボエグリ
すべての画像はオランジェリー美術館の提供です
フィリップ Barcio による
