ムヌーチンギャラリーのカラフルな抽象芸術の喜び

ニューヨークのムヌーチンギャラリーでは現在、色の喜びという、1939年から2018年までのカラフルな抽象芸術の祝祭的なグループ展を開催しています。この展覧会は、アーティストが色をコンテンツと概念の両方としてどのように動員するかの多様な方法を独自に垣間見ることができます。アレクサンダー・カルダー、ジョーン・ミッチェル、マーク・ロスコ、モリス・ルイス、サム・ギリアムなど、ギャラリーが代表する歴史的に重要なアーティストの作品が多数展示されており、ヘレン・フランケンターラー、アルマ・トーマス、ケネス・ノーランド、ジャック・ブッシュといった20世紀の先駆的なアーティストの作品も並んでいます。また、ローラ・オウエンズやショーン・スカリーといった重要な現代アーティストや、サラ・クラウナーやナトリー・プロヴォスティのような比較的新しいアーティストの絵画も含まれています。ニューヨーカーの中には、この展示がムヌーチンのスペースに戻る絶好の機会を提供するかもしれないと考える人もいるでしょう。2016年、ニューヨーク・マガジンのアート批評家ジェリー・サルツは「なぜ私はもうムヌーチンギャラリーに行かないのか」というタイトルの rant を発表しました。彼は、ギャラリーのオーナーであるロバート・ムヌーチンの息子であるスティーブン・ムヌーチンが、当時の大統領候補ドナルド・トランプのキャンペーンファイナンス責任者に任命されたことを理由に挙げました。その記事が掲載されて以来、スティーブン・ムヌーチンはアメリカ合衆国財務長官に任命されました。アートとは無関係な理由、イデオロギーに関するすべての理由から、サルツは読者に息子の政治的罪のためにアートを売る父親を罰するよう促しました。このような作り上げられたドラマは馬鹿げていますが、それでも、社会的圧力に屈した人は、色の喜びをギャラリーに新たなチャンスを与える完璧な口実と考えるべきです。この展覧会は、商業ギャラリーを歩くよりも、小さくても重要な美術館の現代およびコンテンポラリーセクションを歩くようなものです。この作品は、抽象芸術が最高の状態で、いかに小さな政治を超え、美しさと意味のあるものに対する新たな認識の扉を開く能力を持っているかを示しています。

戦略としての色

色の喜びは、階段の上に吊るされた控えめなカルダーのモビールで始まります。赤、黄色、白、灰色の抽象的な形が、私たちの体や呼吸によって作り出される微風の中で優雅に回転します。カルダーは色を使って人々に「宇宙に浮かぶ切り離された身体のアイデア」について考えさせました。これらの風変わりな色の形は、物理学や力学といった普遍的な問題を考えながら楽しむものを提供します。モビールの向こう側には、アーチの両側に小さな絵画が2つあります。左側にはナスリー・プロヴォスティの「ローデ」（2018）があり、右側にはマーク・ロスコの無題のカラーフィールド（約1959年）があります。両方の構図は構造的で、平坦で、長方形です。どちらも微妙な色の変化を使って、観客を内面的な体験に招き入れます。ここでの色は内容というよりも、私たちの内なる存在との知覚的な出会いへの入り口です。特にプロヴォスティの絵は、微妙な黄色の変化によって、見た目には似ているものの間の微妙な違いを明らかにします—一般化しなければ、私たちはそれをモノクロームと呼ぶことはできません。すべての黄色が同じではありません。

ナスリー プロヴォスティ - ロード、2018年。 アルミパネルにリネンの油彩。 19 x 15 インチ (48.3 x 38.1 cm)。 © ナスリー・プロヴォスティ。 マヌーチンギャラリー提供

展示されている他の絵画で、色を戦略として使用して他のタイプの内容に関与させるものには、モリス・ルイスの「アレフシリーズV」（1960年）、ショーン・スカリーの「ランドライン・グリーン・ボルト」（2018年）、ローラ・オウエンズの2006年の無題の絵画、そしてジョーン・ミッチェルの1958年の無題のキャンバスが含まれます。ルイスの絵画は、そのエッジ周辺の振動する色の関係で私たちの目を引きますが、色が中心で暗闇に溶け込むにつれて、私たちは表面により気づくようになります：下地処理されていないキャンバスは、絵具と一体となり、色と形が互いに一体となるように、すべてが一つに溶け合います。スカリーの絵画は、色を使ってブラシストロークやテクスチャーを考慮するよう私たちを引き込み、絵具の素材的特性を評価するよう招待します。オウエンズの絵画は、色を感情的なトリガーとして使用しています。その陽気なパレットは、女性性、開放性、自然を楽しむ作品の具象的な側面を反映しています。最後に、ミッチェルのキャンバスの激しいブラシマークは、色が気分と同義になり得ることを示し、人間の精神の最も内面的な苦悩を表現しています。

ショーン・スカリー - ランドライン・グリーン Bolt、2018年。アルミニウムに油彩。85 x 75 インチ (215.9 x 190.5 cm)。 © ショーン・スカリー。マヌーチン・ギャラリー提供

空間としての色

色の喜びの多くの絵画は、色をより形式的な意味で使用し、視覚空間の効果的な創造者および delineator としての色を示しています。アルマ・トーマスの「自然の赤い印象」（1968年）は、この概念の壮大な説明を提供します。遠くから見ると、色は線状の構造を宣言し、視覚的な建築を垂直のバーに分割します。近くで見ると、柱は無数の有機的な形に崩れます。形と柱の間の白いスペースは、表面を超えた世界として自己主張します。ジャック・ブッシュの「ストロベリー」（1970年）でも同様の魔法が働いています。巨大でピンクがかった「U」形は、その色合いで絵画のタイトルを反響させ、一方で暗い斑点が散らばった明るいピンクの背景が立体感を確立します。キャンバスの底にある補色のバーは、空間を平坦にし、視覚を欺いて地平線のラインと幾何学的形状の動的なパレードの組み合わせを感じさせます。

アルマ・トーマス - 自然の赤い印象、1968年。アクリル画。51 x 49 1/2 インチ (129.5 x 125.7 cm)。© アルマ・トーマス。ムヌーチン・ギャラリー提供

展示の中で最も目を引く空間構成の一つは、ヘレン・フランケンソーラーの「エルバータ」（1975年）、ケネス・ノーランドの「ミステリーズ：アグロウ」（2002年）、そしてサラ・クラウナーの「ザ・ウェーブ（ウルズラ）」（2014年）です。フランケンソーラーは、彼女のソークステインペインティングにおいて広大な開放感を生み出し、目を広がりのある輝かしい視覚宇宙へと導きます。ノーランドはその逆の効果を達成し、彼の馴染みのある的のような構図で空間を単純化し中心化します。クラウナーは、振動する生物的な赤とオレンジの波形で空間を調和のとれた不協和音に整理します。しかし、空間の最も深い創造は、サム・ギリアムの「アトモスフィア」（1972年）によってもたらされます。彼のサイン技法である表面のエッジを斜めにすることで、色が作品の物理的な境界を超えて空間を生み出すことを可能にします。この絵画は、私たちが見ることのできる限界の向こうに何があるのかを考えさせるように私たちを招きます—これはこの時代において私たちにとって重要な関心事であり、もしかしたらミスター・ソルツもギャラリーに立ち寄って考えてみたいと思うかもしれません。色の喜びは2018年12月8日まで展示されています。

特集画像: 色の喜び - 2018年、ニューヨークのムヌーチンギャラリーでのグループ展。© トム・パウエル・イメージング。ムヌーチンギャラリー提供
フィリップ Barcio による