ムヌーチンギャラリーのカラフルな抽象芸術の喜び

ニューヨークのMnuchin Galleryでは現在、1939年から2018年にかけての色彩豊かな抽象美術を祝うグループ展The Joy of Colorを開催しています。この展覧会は、芸術家たちが色彩を内容と概念の両面でどのように活用しているかを独自に垣間見ることができます。ギャラリーが代表する歴史的に重要な作家、アレクサンダー・カルダー、ジョーン・ミッチェル、マーク・ロスコー、モーリス・ルイス、サム・ギリアムの作品に加え、20世紀の先駆的な作家であるヘレン・フランケンサラー、アルマ・トーマス、ケネス・ノーランド、ジャック・ブッシュの作品も展示されています。また、ローラ・オーウェンズやショーン・スカリーのような現代の重要な作家や、サラ・クラウナーやナスリー・プロヴォスティのような新進作家の絵画も含まれています。ニューヨークの一部の人々にとって、この展覧会はMnuchinギャラリーに戻る絶好の機会かもしれません。2016年、ニューヨーク・マガジンの美術批評家ジェリー・ソルツは「なぜ私はもうMnuchinギャラリーに行かないのか」という激しい批評を発表しました。彼は、ギャラリーオーナーのロバート・ムヌーチンの息子であるスティーブン・ムヌーチンが当時の大統領候補ドナルド・トランプの選挙資金管理責任者に任命されたことを理由に挙げました。その後、スティーブン・ムヌーチンはアメリカ合衆国財務長官に任命されました。芸術とは無関係で、イデオロギーに関わる理由から、ソルツは読者に息子の政治的罪を理由に父親である美術商を罰するよう促しました。このような作り話は馬鹿げていますが、それでも社会的圧力に屈した人は、The Joy of Colorをギャラリーに新たな機会を与える完璧な口実と考えるべきです。この展覧会は、商業ギャラリーを歩くというよりも、小規模ながら重要な美術館の近現代セクションを巡るようなものです。作品は、抽象美術が最良の形で、つまらない政治を超越し、この世界の美しさと意味に対する新たな認識の扉を開く力を持つことを示しています。

戦略としての色彩

The Joy of Colorは、階段のそばの天井から吊るされた控えめなカルダーのモビールで始まります。赤、黄、白、灰色の抽象的な形が、私たちの体や呼吸によって生み出されるそよ風に優雅に揺れています。カルダーは色を使って「空間に浮かぶ分離した身体の概念」について考えさせました。これらの気まぐれな色彩の形は、物理学や機械学のような普遍的な問題を考えながら楽しむものを提供します。モビールの両側には小さな絵画が二点、アーチの両側に配置されています。左側はナスリー・プロヴォスティの「Lode」（2018年）、右側はマーク・ロスコーの無題のカラーフィールド（約1959年）です。両作品とも構造的で平坦、長方形の形をしており、微妙な色の変化を用いて鑑賞者を内面の存在との瞑想的な体験へと誘います。ここでの色は内容というよりも、内なる自己との知覚的な出会いへの入り口です。特にプロヴォスティの絵は、微妙な黄色の変化によって、一見似ているものの間の微細な違いを明らかにし、一般化して単色と呼ぶことができるだけです。すべての黄色が同じではありません。

Nathlie Provosty - Lode、2018年。リネンに油彩、アルミニウムパネル。19 x 15インチ（48.3 x 38.1 cm）。© Nathlie Provosty。Mnuchin Gallery提供

色を戦略として用い、他の内容と結びつけている他の作品には、モーリス・ルイスの「Aleph Series V」（1960年）、ショーン・スカリーの「Landline Green Bolt」（2018年）、ローラ・オーウェンズの2006年の無題作品、ジョーン・ミッチェルの1958年の無題キャンバスがあります。ルイスの絵は縁の周囲の振動するような色の関係で目を引きますが、中心部で色が暗闇に溶け込むにつれて、表面に意識が向きます。下地のないキャンバスが絵具と一体となり、色と形も互いに一体化し、すべてが一つに溶け合います。スカリーの絵は色を使って筆跡や質感を考察させ、絵具の物質的な特性を味わう招待状となっています。オーウェンズの絵は色を感情の引き金として用い、その陽気な色調は女性らしさ、開放性、自然を楽しむ作品の具象的側面を映し出しています。最後に、ミッチェルのキャンバスの激しい筆致は、色が気分と同義になり、人間の精神の内なる苦悩を表現する様子を示しています。

Sean Scully - Landline Green Bolt、2018年。アルミニウムに油彩。85 x 75インチ（215.9 x 190.5 cm）。© Sean Scully。Mnuchin Gallery提供

空間としての色彩

The Joy of Colorの多くの絵画は、より形式的な意味で色を用い、視覚空間の効果的な創造者および区分けとしての色を示しています。アルマ・トーマスの「Nature’s Red Impressions」（1968年）はこの概念の壮大な解説を提供します。遠くから見ると、色は線状の構造を示し、視覚的な建築を縦の棒に分割しています。近くで見ると、その柱は多くの有機的な形に分裂します。形と柱の間の白い空間は、表面を超えた世界として自己主張します。同様の魔法はジャック・ブッシュの「Strawberry」（1970年）にも見られます。巨大なピンクがかった「U」字形は絵のタイトルを色調で反響させ、暗い斑点のある明るいピンクの背景が立体感を生み出しています。キャンバスの下部にある補色の色帯は空間を平坦化しつつ、地平線と幾何学的形状の動的な行進を感じさせる目の錯覚を作り出しています。

Alma Thomas - Nature's Red Impressions、1968年。キャンバスにアクリル。51 x 49 1/2インチ（129.5 x 125.7 cm）。© Alma Thomas。Mnuchin Gallery提供

展覧会で最も目を引く空間構成の中には、ヘレン・フランケンサラーの「Elberta」（1975年）、ケネス・ノーランドの「Mysteries: Aglow」（2002年）、サラ・クラウナーの「The Wave (Urszula)」（2014年）があります。フランケンサラーは浸透染めの絵で広大な開放感を生み出し、目を広大で輝く視覚宇宙へと開きます。ノーランドはおなじみのブルズアイ構成で空間を単純化し中央に集約します。クラウナーは振動する生物的な赤と橙の波形で空間を調和のとれた不協和音に編成します。しかし、最も深遠な空間の創造はサム・ギリアムの「Atmosphere」（1972年）によるものです。彼の特徴的な技法である表面の縁を斜めに切ることで、色が作品の物理的境界を超えた空間を作り出します。この絵は私たちに見える限界の向こうに何があるのかを考えさせます。これは現代において重要な関心事であり、おそらくソルツ氏もギャラリーに立ち寄って考えてみる価値があるでしょう。The Joy of Colorは2018年12月8日まで開催中です。

掲載画像：The Joy of Color - ニューヨークMnuchin Galleryでのグループ展、2018年。© トム・パウエル・イメージング。Mnuchin Gallery提供
フィリップ・Barcio 著