타즈마니아의 한 박물관이 제로 아트 운동의 창립자들을 모은다.

호주 미술 수집가이자 도박 거물인 데이비드 월쉬는 최근 태즈메이니아 호바트에 위치한 그의 구·신 미술관(MONA)에서 제로 미술 운동의 기념비적인 전시를 열었습니다. ZERO라는 제목의 이번 전시에는 7개국 출신 16명의 작가들의 작품이 전시되며, 그중 일부는 반세기 넘게 처음으로 공개되는 작품들입니다. 방문객들에게 더욱 극적인 경험과 이 먼 지역까지 여행할 동기를 제공하는 것은 이 거대한 전시가 열리는 환경입니다. MONA는 대부분 지하에 위치해 있습니다. 이 건물은 호주 모더니즘 건축가 로이 그라운즈가 설계한 두 개의 랜드마크 건물 아래 여러 층으로 지어졌습니다. 대부분의 다른 미술관들이 자연광을 환영하고 방문객들이 열린 환영 공간에 있는 듯한 느낌을 주려는 것과 달리, MONA는 분명히 인공적이며 때로는 다소 냉담한 느낌을 주기도 합니다. 입장하면 방문객들은 다소 이질적인 환경으로 내려가게 되며, 건축의 힘이 종종 작품을 지원하려는 의도와 경쟁하는 듯한 느낌을 받습니다. 그러나 이 공간은 또한 관람객들이 서로와 작품에서 위안을 찾도록 이끕니다. 어떤 면에서 이 환경은 제로 작가들의 작품을 전시하기에 이상적입니다. 왜냐하면 이 공간이 그들의 두 가지 핵심 사상을 구현하기 때문입니다. 즉, 예술은 가능성과 미지의 세계에 관한 것이며, 사람과 재료, 공간 사이의 실제 경험을 포함해야 한다는 것입니다.

제로에 의해 구원받다

제로 운동은 하인츠 막과 오토 피네가 1957년에 새롭게 시작하고자 하는 열망에서 창립했습니다. 그들뿐 아니라 동시대 많은 이들이 과거에서 벗어나고자 했으며, 당시 예술을 지배했던 자아 중심성과 감정에서 벗어나려 했습니다. 그들이 거주하고 작업하던 뒤셀도르프에는 미술관이 거의 없었고, 다른 곳에서는 시장의 취향이 개인 감정을 표현하는 미학적 입장, 예를 들어 타시즘, 아르 앙포르멜, 추상 표현주의와 같은 ‘개성 숭배’ 경향을 띠는 작품을 선호했습니다. 막과 피네는 개인주의보다 협력을 더 중요하게 여겼습니다. 그들은 예술의 가치는 창작자, 관람자, 재료, 환경 사이에서 일어나는 경험에 있다고 믿었습니다. 전통적인 단일 작가가 만든 작품은 죽었다고 느꼈으며, 미래가 뿌리내릴 수 있는 새로운 출발점을 만들고자 했습니다.

오토 피네 - 피루엣 (Pirouetten), 1960년대; 2012년 재현. 모어 스카이 소장 © 오토 피네. VG 빌트-쿤스트/저작권 기관, 2018. 이미지 제공 구·신 미술관 (Mona)

막과 피네는 1957년 4월 11일, 그들이 미래의 예술이라 여긴 작품들을 처음으로 스튜디오에서 전시했습니다. 이 전시는 일회성 행사로 덧없음을 포용하려는 의도였습니다. 이 쇼는 큰 관심을 불러일으켰고, 곧 여러 차례의 체험형 일회성 전시가 이어졌습니다. 그러나 1957년 9월 네 번째 전시 이후에야 그들은 자신들의 협력체를 설명할 단어로 ‘제로’를 고안했습니다. 이 단어는 과거가 공식적으로 끝났다는 의미를 전달하며, 미래를 위한 출발점임을 나타냈습니다. 피네는 이를 이렇게 설명했습니다: “우리는 이 용어를... 로켓 발사 시 카운트다운의 제로처럼 침묵과 순수한 가능성의 영역을 나타내는 단어로 보았습니다—제로는 옛 상태가 새 상태로 변하는 측정 불가능한 영역입니다.”

아돌프 루터 - 병 깨뜨리기 방 (Flaschenzerschlagungsraum), 1961; 2018년 재현. 아돌프 루터 재단, 크레펠트 소장. 저작권: 아돌프 루터 재단. 이미지 제공 구·신 미술관 (Mona)

ZERO, 소문자 zero가 아닌 대문자 ZERO

운동의 개방성에도 불구하고, 막과 피네는 한 가지 독특한 규칙을 두었습니다. 그들 창립자에 대해 쓸 때는 ‘Zero’라고 표기하고, 그 외 관련 작가들에 대해서는 ‘ZERO’라고 표기해야 한다고 정했습니다. 그래서 MONA의 전시 제목은 모두 대문자로 표기되는데, 이는 주로 이 철학과 연관된 국제적 작가 네트워크의 작품을 다루기 때문입니다. 그럼에도 불구하고 MONA의 ZERO 전시는 운동에 외부인은 없었음을 분명히 보여줍니다. 모두가 환영받았으며, 제로 선언문도, 공식 회원제도 없었습니다. 이러한 태도는 아돌프 루터의 “병 깨뜨리기 방”(1961)과 크리스티안 메거트의 “거울 환경”(1963) 같은 제로의 대표작 재현을 통해 이번 전시에서 구현된 다양한 작품들로 이어졌습니다. 또한 이 전시는 제로가 영감을 준 여러 국제 운동의 작가들을 포함함으로써 환영의 태도를 보여줍니다. 예를 들어 일본의 구타이 그룹, 파리의 누보 레알리슴, 미국의 라이트 앤 스페이스, 그리고 국제 운동인 플럭서스 등이 있습니다. 이러한 연결고리를 보여주는 작품으로는 마르셀 뒤샹, 로이 리히텐슈타인, 쿠사마 야요이의 희귀 작품들이 있는데, 이들은 주로 알려진 작품과는 매우 다른 측면을 강조합니다.

로이 리히텐슈타인 - 바다 풍경 II, 1965. 케른, 그로스마이셰이드 소장. 저작권: 로이 리히텐슈타인 유산/저작권 기관, 2018. 이미지 제공 작가 및 구·신 미술관 (Mona)

이 전시의 가장 중요한 점 중 하나는 현대 미술을 새롭게 해야 할 필요성에 다시금 주목하게 한다는 것입니다. 제로 창립자들이 1966년에 공식 해산했음에도 불구하고, 그들이 시작한 운동은 결코 끝나지 않았습니다. 그리고 이 전시는 더 중요한 점을 암시합니다: 아마도 제로 미술 운동은 실제로 시작된 적이 없다는 생각입니다. 그것은 한 장소, 한 시기에 발명된 운동이 아니라, 인간이 시각 현상을 통해 자신을 넘어 순수하고 새로운 무언가에 도달하고자 했던 최초의 순간부터 무한히 이어져 온 훨씬 더 큰 연속체의 일부일지도 모릅니다. MONA의 ZERO 전시 작품들은 지금도 매우 신선하고 생명력이 넘쳐, ZERO가 오늘날에도 예술가들이 기대를 넘어서는 미적 창작을 위해 함께 협력할 때마다 계속되고 있다고 믿게 만듭니다. 사실 이 순간, 이 전시와 그 메시지는 필수적입니다. 그것은 제로 미술의 핵심 원칙을 상기시켜 줍니다: 예술은 경험과 사람들, 그들의 환경, 그리고 더 나은 미래를 상상하기 위한 협력 사이의 관계에 관한 것이라는 점입니다. MONA의 ZERO 전시는 2019년 4월 22일까지 열립니다.

대표 이미지: 지아니 콜롬보 - 탄력 공간 (Spazio elastico), 1967–68. 지아니 콜롬보 아카이브, 밀라노 소장 © 지아니 콜롬보 아카이브. 이미지 제공 구·신 미술관 (Mona)

필립 Barcio 작성