타즈마니아의 한 박물관이 제로 아트 운동의 창립자들을 모은다.

호주 예술 수집가이자 도박 거물인 데이비드 월시는 최근 태즈메이니아 호바트에 있는 그의 구 현대 미술관(Museum of Old and New Art, MONA)에서 제로 아트 운동의 기념비적인 전시회를 열었습니다. 제로라는 제목의 이 전시회는 7개국의 16명의 예술가의 작품을 선보이며, 그 중 여러 작품은 50년 이상 전에 데뷔한 이후 처음으로 설치되었습니다. 방문객들에게 더 많은 드라마와 이 외딴 장소로의 여행을 유도하는 것은 이 기념비적인 전시회가 열리는 환경입니다. MONA는 대부분 지하에 위치해 있습니다. 이 건물은 호주 모더니스트 건축가 로이 그라운드(Roy Grounds)가 설계한 두 개의 랜드마크 건물 아래 여러 층으로 건축되었습니다. 대부분의 다른 박물관과 달리 자연광을 환영하고 방문객들이 개방적이고 환영받는 공간에 있다고 느끼도록 노력하는 MONA는 확실히 비자연적이며 때로는 다소 불친절하기도 합니다. 입장하면 방문객들은 건축의 힘이 의도된 예술과 경쟁하는 다소 외계적인 환경으로 내려갑니다. 그러나 이 공간은 또한 관람객들이 서로와 작품에서 위안을 찾도록 이끕니다. 어떤 면에서 이 설정은 제로 아티스트들의 작품을 전시하기에 이상적입니다. 왜냐하면 그것은 예술이 가능성과 미지의 세계에 관한 것이며, 사람, 재료, 공간 간의 실제 경험을 포함해야 한다는 그들의 두 가지 본질적인 아이디어를 구현하고 있기 때문입니다.

제로에 의해 저장됨

제로 운동은 1957년 하인츠 맥과 오토 피에네에 의해 새롭게 시작하고자 하는 열망에서 창립되었습니다. 그들의 동시대 많은 예술가들처럼, 맥과 피에네는 과거에서 벗어나고, 그들의 시대의 예술을 지배했던 자아주의와 감정에서 벗어나고자 했습니다. 그들이 살고 일했던 뒤셀도르프에는 미술관이 거의 없었습니다. 그리고 다른 곳에서는 시장의 취향이 개인의 감정을 표현하는 미적 입장을 통해 "개성의 숭배"를 표현하는 작품으로 기울어졌습니다. 이러한 입장에는 타키즘, 아트 인포멜, 추상 표현주의가 포함됩니다. 맥과 피에네는 협업이 개인주의보다 더 중요하다고 여겼습니다. 그들은 예술의 가치는 제작자, 관객, 재료 및 환경 간에 일어날 수 있는 경험에 있다고 믿었습니다. 그들은 전통적인 단일 예술가가 만든 객체는 죽었다고 느꼈고, 미래가 뿌리를 내릴 수 있도록 새로운 출발점을 만들고자 했습니다.

오토 피에네 - 피루엣 (Pirouettes), 1960년대; 2012년에 재창조됨. 모어 스카이 컬렉션 © 오토 피에네. VG Bild-Kunst/ 저작권 에이전시, 2018. 이미지 제공: 구 및 신예술 박물관 (모나)

맥과 피에네는 1957년 4월 11일 그들의 스튜디오에서 그들이 예술의 미래라고 생각하는 것에 대한 첫 번째 전시회를 열었습니다. 그것은 일회성 행사로, 덧없음을 포용하기 위한 것이었습니다. 이 전시는 엄청난 관심을 불러일으켰고, 곧 여러 개의 경험적인 일회성 전시회가 뒤따랐습니다. 그러나 그들의 네 번째 전시회가 열린 1957년 9월 이후에야 그들은 그들의 협업을 설명하기 위해 제로라는 단어를 생각해냈습니다. 이 단어는 과거가 공식적으로 끝났다는 아이디어를 전달하기 위한 것이었으며, 미래를 위한 출발점이었습니다. 피에네는 이렇게 설명했습니다: “우리는 이 용어를... 로켓이 발사될 때 카운트다운과 같이 새로운 시작을 위한 순수한 가능성의 침묵의 영역을 나타내는 단어로 보았습니다—제로는 오래된 상태가 새로운 상태로 변하는 비례할 수 없는 영역입니다.”

아돌프 루터 - 병 파괴실, (Bottle Smashing Room), 1961; 2018년에 재현됨. 아돌프 루터 재단 소장, 크레펠트. 저작권: 아돌프 루터 재단. 이미지 제공: 구 및 신예술 박물관 (모나)

ZERO, 제로가 아니다

운동의 개방성에도 불구하고, 맥과 피에네는 하나의 이상한 자부심을 가지고 있었다. 그들은 자신들에 대해 글을 쓸 때, 창립자들은 "제로"라고 언급되어야 하며, 다른 관련 아티스트들은 "ZERO"라고 언급되어야 한다고 규정했다. 이것이 MONA에서의 전시가 모두 대문자로 되어 있는 이유이다. 왜냐하면 이 전시는 주로 그 철학과 연관된 더 큰 국제 아티스트 네트워크의 작품을 특징으로 하고 있기 때문이다. 그럼에도 불구하고, MONA의 ZERO가 분명히 보여주듯이, 운동에는 외부인이 없었다. 모두가 환영받았다. 제로 선언문도 없었고, 공식적인 회원도 없었다. 이러한 태도는 ZERO 아티스트들에 의해 방대한 범위의 작업이 창조되는 결과를 가져왔으며, 이 전시에서는 아돌프 루터의 "병 깨기 방"(1961)과 크리스티안 메게르트의 "거울 환경"(1963)과 같은 기념비적인 ZERO 작품의 재현으로 구현되었다. 운동의 환영하는 태도는 제로가 영감을 준 많은 다른 국제 운동의 아티스트들이 포함됨으로써 이 전시에서도 보여진다. 예를 들어, 일본의 구타이 그룹, 파리의 누보 리얼리즘, 미국의 빛과 공간, 그리고 플럭서스라는 국제 운동까지 포함된다. 이러한 연결을 보여주는 것은 마르셀 뒤샹, 로이 리히텐슈타인, 야요이 쿠사마와 같은 드문 작품들로, 그들의 작업에서 그들이 주로 알려진 작업과는 매우 다른 측면을 강조한다.

로이 리히텐슈타인 - 바다 풍경 II, 1965. 컬렉션 케른, 그로스마이셰이드. 저작권: 로이 리히텐슈타인 유산/저작권 에이전시, 2018. 이미지 제공: 아티스트 및 구신미술관(Mona)

이 전시회의 가장 중요한 측면 중 하나는 현대 미술을 새롭게 할 필요성에 대한 현대의 관심을 다시 집중시킨다는 것입니다. 제로의 창립자들이 1966년에 공식적으로 해체되었음에도 불구하고, 그들이 시작한 운동은 결코 진정으로 끝나지 않았습니다. 그리고 이 전시는 또한 훨씬 더 중요한 것을 암시합니다: 아마도 제로 미술 운동은 결코 시작되지 않았다는 생각입니다. 그것은 아마도 한 장소에서 한 시점에 발명된 운동이 아니라, 인간이 시각적 현상을 사용하여 자신을 넘어 순수하고 새로운 무언가를 향해 나아가고자 했던 첫 순간까지 무한히 이어지는 훨씬 더 큰 연속체의 일부였던 것입니다. MONA의 ZERo 작품들은 지금도 매우 신선하고 생동감이 넘쳐서, 예술가들이 예상되는 것 또는 이미 알려진 것을 넘어 미적 창작을 위해 함께 협력할 때 ZERO가 오늘날에도 계속될 수 있다고 믿게 만듭니다. 사실, 이 순간 이 전시회와 그것이 전달하는 메시지는 필수적입니다. 그것은 제로 미술의 핵심 원칙을 상기시킵니다: 예술은 경험과 사람들, 그들의 환경, 그리고 더 나은 미래를 상상하기 위한 협력적 노력 간의 관계에 관한 것입니다. MONA의 ZERO는 2019년 4월 22일까지 전시됩니다.

특집 이미지: 지안니 콜롬보 - 스파치오 엘라스티코, (Elastic Space), 1967–68. 지안니 콜롬보 아카이브 소장, 밀라노 © 지안니 콜롬보 아카이브. 이미지 제공: 구 및 신예술 박물관 (모나)

필립 Barcio