아드 라인하르트가 현대 미술을 바라보는 법을 가르쳐준 방법
순수주의자가 된다는 것은 무엇을 의미할까요? 그것은 폐쇄적인 사고와 같은 것인가요? 아니면 순수함을 추구하는 것이 본질적으로 고귀한 것일까요, 완벽을 추구하는 것처럼? 미국의 추상 화가 아드 레인하르트에게 순수함은 미술의 본질이었습니다. 그의 1953년 에세이 “새 아카데미를 위한 열두 가지 규칙”에서 레인하르트는 미술을 “미술 이외의 모든 의미가 비워지고 정화된 예술”로 정의했습니다. 그는 이어서 “그림이 가질수록 더 많은 용도, 관계 및 '추가'가 있을수록, 그것은 덜 순수해진다. 그 안에 더 많은 것이 있을수록, 예술 작품은 더 복잡해지고, 더 나빠진다. '더 많음은 덜함이다'.”라고 설명했습니다. 이것은 분명히 더 많은 것을 캔버스에 담는 추상 표현주의자들과 연관된 화가의 이상한 발언처럼 들릴 수 있습니다. 그러나 레인하르트는 처음에는 표현적이고 역동적인 캔버스를 그리며 경력을 시작했지만, 그의 순수함에 대한 탐구는 시간이 지남에 따라 그의 접근 방식을 극적으로 변화시켰습니다. 그는 경력 전반에 걸쳐 그의 그림에서 내용을 극단적으로 줄여서, 생의 마지막 몇 년 동안 오직 검은색으로만 그림을 그렸습니다. 1967년 그가 사망할 당시, 그는 자신의 노력의 순수함에 대해 매우 확신을 가지고 있었고, 그는 더 이상 필요하지 않은 마지막 그림을 그렸다고 선언했습니다.
예술을 멋지게 만들어라
순수함에 대한 탐구는 예술 스튜디오보다 수도원에 더 적합해 보일 수 있습니다. 그러나 아드 라인하르트는 예술가이기도 했지만 철학자이기도 했습니다. 그리고 그의 가장 친한 친구 중 한 명은 실제로 수도원의 수도사였습니다. 라인하르트는 그와 정기적으로 편지를 주고받으며 삶과 예술의 본질에 대한 관점을 기발하게 교환했습니다. 대학원에서 라인하르트는 미술사를 공부했으며, 이 주제에 대해 그의 세대의 다른 어떤 예술가보다 더 많이 알고 있었습니다. 아마도 예술에서 순수함의 궁극적인 표현을 발견하려는 그의 관심은 자신의 예술사 연속성에 대한 관련성을 정의하고자 하는 욕구만큼이나 지적이고 영적인 호기심과 관련이 있었던 것 같습니다.
그가 1940년대 뉴욕에서 자신의 그림을 처음 전시하기 시작했을 때, 그 그림들은 당시의 지배적인 신흥 스타일인 추상 표현주의와 일치했다. 그들은 화려하고, 제스처가 가득하며, 생생한 색상으로 가득 차 있었고, 추상적인 표식으로 살아 있었다. 10년이 채 지나지 않아 그는 그 모든 것을 열정적으로 부인하며, 순수하고 현대적인 그림을 만드는 정확한 방법을 설명하는 교조적이고, 거의 우스꽝스럽게 구체적이며, 종종 모순적인 선언문을 발표했다: 우연히도 그의 초기 작품과는 전혀 다른 그림들. 이것이 역설적으로 보인다면, 레인하르트의 유명한 말을 기억하는 것이 도움이 된다: “예술은 너무 진지해서 진지하게 받아들여져서는 안 된다.”
아드 라인하르트 - 추상화, 1960. 캔버스에 유화. © 2018 아드 라인하르트 재단 / 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕
전위 예술 해체
Reinhardt가 활동했던 문화적 분위기를 이해하기 위해서는 모더니즘의 역사를 되돌아보는 것이 도움이 된다. 제2차 세계대전 이전에는 거의 모든 아방가르드 예술 운동이 미국 외부에서 시작되었다. 제2차 세계대전 이후, 미국은 추상 표현주의, 미니멀리즘, 포스트 표현주의를 포함하여 20세기의 가장 영향력 있는 모더니스트 운동 중 일부를 탄생시켰다. 미국 예술의 영향력 변화는 무엇이었을까? 그것은 예술보다는 정치와 더 관련이 있었다.
제1차 세계 대전 이후 독일 혁명이 일어난 후, 독일에는 바이마르 공화국이라는 대표 정부가 들어섰습니다. 이 민주적으로 선출된 정부는 독일 전역에서 광범위한 사회적, 정치적, 경제적 개혁을 시행하여 방대한 문화적 변화를 가져왔습니다. 이러한 변혁의 환경 속에서 독일 모더니즘이 번창했습니다. 바우하우스는 바이마르 공화국과 같은 해, 같은 도시에서 설립되었으며, 이후 14년 동안 독일은 예술 분야에서 선도적인 진보 세력으로 발전했습니다.
아드 라인하르트 - 뉴스프린트 콜라주, 1940. 잘라 붙인 인쇄된 종이와 검은 종이를 판에 붙임. 15 7/8 x 20 인치 (40.6 x 50.8 cm). 모마 컬렉션. © 2018 아드 라인하르트 재단 / 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕
순수주의의 어두운 면
1929년 주식 시장이 붕괴되었을 때, 독일은 대부분의 다른 서구 국가들처럼 경제가 붕괴되었습니다. 그로 인해 발생한 세계적인 대공황은 일반 근로자들의 삶에 많은 좌절을 안겼습니다. 1933년 나치 정권이 독일에서 권력을 잡았을 때, 그것은 독일을 역사적 위대함으로 되돌리고 최근의 경향을 뒤집겠다는 명목 하에 이루어졌습니다. 나치당이 처음으로 한 일 중 하나는 독일 문화에 대한 영향력을 행사하는 것이었습니다. 현대 미술은 주요 목표 중 하나였습니다.
아돌프 히틀러가 이끄는 나치당은 순수 독일 예술의 개념을 발전시켰습니다. 이 개념은 그들의 인종적 및 민족적 정체성 정의에 부합하는 전통적이고 고전적인 예술만을 포함했습니다. 그 정의 밖의 모든 예술은 퇴폐 예술로 불렸습니다. 그렇게 독일에서 아방가르드 예술가들의 대탈출이 시작되었습니다. 그리고 나치의 영향력이 독일을 넘어 확장됨에 따라, 유럽 전역의 현대 예술가들도 같은 박해를 받게 되었습니다.
아드 라인하르트 - 그림을 위한 연구, 1938. 종이에 구아슈. 4 x 5 인치 (10.2 x 12.8 cm). 모마 컬렉션. © 2018 아드 라인하르트 재단 / 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕
전위 재조립
1930년대 후반과 1940년대 초반에, 자금이 있는 유럽의 현대 예술가들은 해외로 나갈 방법을 찾았습니다. 파시스트 세력의 포위 아래 있지 않은 유일한 글로벌 수도 중 하나인 뉴욕시는 전 세계의 아방가르드 예술가들에게 등대와 같은 존재가 되었습니다. 새로 도착한 예술가들은 이미 활기찬 뉴욕의 추상 미술 장면과 어우러졌으며, 여기에는 잭슨 폴록과 같은 미국 태생의 예술가들뿐만 아니라 제1차 세계 대전 이후 이민 온 윌렘 드 쿠닝과 아르시레 고르키와 같은 예술가들이 포함되었습니다. 이러한 문화 속에서 첫 번째 미국 모더니스트 미술 운동이 등장했습니다.
아드 라인하르트는 제2차 세계 대전 이후의 아방가르드 뉴욕 예술가들로 구성된 이 세대의 일원으로 예술적 성숙기에 접어들었다. 그는 이 다양한 국제 공동체에서 이루어지는 정치적, 철학적, 사회적, 문화적 대화의 생동감 넘치는 혼합에 완전히 참여했다. 그는 시위에 참여하고 모든 가능한 방식으로 그 장면에 참여했다. 그러나 그는 동시대 예술가들과 한 가지 근본적인 방식에서 의견이 달랐다. 그들이 자신의 삶과 예술이 하나의 전체적인 경험으로 얽혀 있다고 생각하는 반면, 라인하르트는 그것이 잘못된 길이라고 믿었다. 그가 말했듯이: “예술은 예술이다. 삶은 삶이다.”
아드 라인하르트 - 그림을 위한 연구, 1939. 종이에 구아슈. 3 7/8 x 4 7/8 인치 (10 x 12.5 cm). 모마 컬렉션. © 2018 아드 라인하르트 재단 / 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕
불변체 검색
그의 동시대 예술가들과의 차별화를 위해, 라인하르트는 "계몽된 객체"라는 개념을 구상했다. 이는 외부의 어떤 것, 외부의 어떤 아이디어를 참조하지 않고, 단순히 그 자체의 순수한 예로 존재하는 예술 작품이다. 계몽된 객체는 영성주의자가 "불변"이라고 부를 수 있는 형태로, 변형의 한가운데에서도 변하지 않는 궁극적이고 위대한 불변의 본질이다. 본질적으로 그는 신의 예술적 버전을 찾고 있었다.
라인하르트는 부정을 통해 불변성을 추구했습니다. 즉, 순수 예술이 무엇인지 정의하기보다는 순수 예술이 무엇이 아닌지를 정의했습니다. 그의 새로운 아카데미를 위한 12가지 규칙은 1953년에 발표되었으며, 순수 예술에 도달하기 위한 규칙으로 표현된 부정 목록을 포함하고 있었습니다. 이 규칙에는 다음이 포함되었습니다: 사실주의 없음, 인상주의 없음, 표현주의 없음, 조각 없음, 플라스티시즘 없음, 콜라주 없음, 건축 없음, 장식 없음, 질감 없음, 붓질 없음, 사전 스케치 없음, 형태 없음, 디자인 없음, 색상 없음, 빛 없음, 공간 없음, 시간 없음, 크기 없음, 움직임 없음, 주제 없음, 상징 없음, 이미지 없음, 쾌락 없음. 그는 덧붙였습니다, “외적으로는 모든 관계에서 멀리하고, 내적으로는 마음에 어떤 갈망도 두지 마라.”
아드 라인하르트 - 종이 콜라주, 1939. 허쉬혼 미술관 및 조각 정원, 워싱턴 DC. © 2018 아드 라인하르트 재단 / 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕
변화에 따른 변화
12 Rules For a New Academy를 읽는 동안 기억해야 할 중요한 점은 Reinhardt가 대학 시절 코미디 작가로 일했으며, 또한 그가 영적이고 철학적인 사람이었다는 것입니다. 그는 날카로운 재치를 가지고 있었고 종종 의도적으로 역설적인 발언을 했습니다. 그가 자신의 모든 규칙을 개별적으로 따르는 것이 가능하다고 믿었다 하더라도, 모든 규칙을 동시에 따르는 것은 일부가 위반될 것임을 분명히 알고 있었을 것입니다.
예를 들어, 그가 생애 마지막 12년을 바쳐 그린 블랙 페인팅에 대해 그는 이를 "자유롭고, 조작되지 않으며, 조작할 수 없고, 쓸모 없고, 시장성이 없으며, 축소할 수 없고, 사진으로 담을 수 없고, 재현할 수 없으며, 설명할 수 없는 아이콘"이라고 언급했습니다. 하지만 그것들은 자유롭지 않았습니다; 그것들은 이념적이고 교조적인 시스템의 산물이었습니다. 그리고 사진으로 담을 수 없고 시장성이 없다는 점에 대해서는, 사실 그것들은 빠르게 팔렸고, 오늘날에도 정기적으로 경매에 나와 있으며, 카탈로그에는 훌륭한 사진이 포함되어 있습니다. 그렇다면 라인하르트는 농담을 하고 있었던 것일까요? 아니면 그는 추상 미술에 대해 만들고 이야기하는 것의 복잡성에 대한 더 깊은 발언을 하고 있었던 것일까요?
아드 라인하르트 - 제목 없음, 1947. 캔버스에 유채. 워싱턴 DC 국립미술관. © 2018 아드 라인하르트 재단 / 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕
변하지 않는 상태
라인하르트를 이해하는 것은 그의 문화를 이해하는 것이다. 라인하르트는 열정적이고 감정적이며 개인적이고 회화적인 작업이 지배하는 예술 장면의 일원이었다. 그의 반응은 그 반대편을 옹호하는 것이었다. 예술가들이 예술이 일상 생활에 재통합되기를 열정적으로 주장할 때, 라인하르트는 예술과 삶은 분리되어 있다고 주장했다. 그는 마지막 그림을 그렸다고 주장했지만, 미술사학자로서 그는 예술가들이 그림을 그릴 의지가 있는 한 회화의 끝은 결코 오지 않을 것이라는 것을 알고 있었다.
아드 라인하르트에 대한 일부 이해는 브루스 리의 이 인용구에서 찾을 수 있다: “변화에 따라 변화하는 것이 변하지 않는 상태이다.” 지배적인 트렌드에 대한 대안을 제시함으로써, 라인하르트는 미술사가 계속될 것임을 보장했다. 블랙 스퀘어와 같이 카지미르 말레비치의 블랙 페인팅은 회화를 끝내지 않았고, 오히려 연속성을 앞으로 밀어냈다. 그는 독단적이었지만, 오직 하나의 방법만이 있다고 주장하는 것이 아니라, 다음 세대에게 선물을 주고 있었다: 맞서 싸울 적, 저항할 순수주의자, 그리고 도전할 이데올로기.
특집 이미지: 아드 레인하르트 - 번호 6, 1946. 유화, 메이슨라이트. © 2018 아드 레인하르트 재단 / 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio
