아드 라인하르트가 현대 미술을 바라보는 법을 가르쳐준 방법

순수주의자라는 것은 무엇을 의미할까요? 그것은 편협하다는 뜻일까요? 아니면 순수를 추구하는 것이 본질적으로 고귀한 것일까요, 마치 완벽을 추구하는 것처럼? 미국의 추상화가 Ad Reinhardt에게 순수함은 순수미술에 필수적인 것이었습니다. 1953년 그의 에세이 “새로운 아카데미를 위한 열두 가지 규칙”에서 Reinhardt는 순수미술을 “예술 이외의 모든 의미가 비워지고 정화된 예술”이라고 정의했습니다. 그는 이어서 “그림에 사용, 관계, ‘추가’가 많을수록 그 그림은 덜 순수하다. 내용이 많을수록 작품은 더 복잡해지고, 그만큼 작품은 나빠진다. ‘더 많음은 더 적음’이다.”라고 설명했습니다. 이는 분명히 자신의 초기 작품과는 달랐던 추상 표현주의 화가로 알려진 그에게서 나온 다소 이상한 말처럼 들릴 수 있습니다. 하지만 Reinhardt는 경력 초기에 표현적이고 역동적인 캔버스를 그렸으나, 순수함을 추구하는 과정에서 그의 작업 방식은 크게 변했습니다. 그는 생애 후반부에 이르러서는 오직 검은색만을 사용해 그림을 그렸습니다. 1967년 사망할 때쯤 그는 자신의 작업이 순수하다는 데 매우 확신을 가지고 마지막으로 필요한 그림을 그렸다고 선언했습니다.

순수한 예술의 창조

순수함을 추구하는 것은 수도원에서 더 어울릴 법한 일처럼 보일 수 있습니다. 그러나 Ad Reinhardt는 예술가이자 철학자였습니다. 그의 가장 친한 친구 중 한 명은 실제로 수도원에 있는 수도승이었습니다. Reinhardt는 그와 정기적으로 편지를 주고받으며 삶과 예술의 본질에 대해 유쾌하게 의견을 나누었습니다. 대학원 시절 그는 미술사를 공부했는데, 이는 그의 세대에서 아마도 가장 많이 아는 분야였을 것입니다. 아마도 예술에서 순수함의 궁극적 표현을 발견하려는 그의 관심은 지적이고 영적인 호기심과 자신의 예술사적 연속성에 대한 의미를 정의하려는 욕구가 결합된 결과였을 것입니다.

1940년대 뉴욕에서 처음으로 자신의 그림을 전시했을 때, 그의 작품은 당시 주류로 떠오르던 추상 표현주의 스타일과 일치했습니다. 그의 작품은 화려하고 제스처가 풍부하며 생생한 색채와 추상적인 표시들로 가득했습니다. 10년이 채 지나지 않아 그는 이 모든 것을 강력히 부인하며, 순수하고 현대적인 그림을 만드는 정확한 방법을 설명하는 엄격하고 때로는 모순적인 선언문을 발표했습니다. 이 선언문은 그의 초기 작품과는 전혀 달랐습니다. 이 역설적인 점을 이해하려면 Reinhardt의 유명한 말을 기억하는 것이 도움이 됩니다: “예술은 너무 진지해서 진지하게 받아들일 수 없다.”

Ad Reinhardt - 추상화, 1960년. 캔버스에 유화. © 2018 Estate of Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), 뉴욕

아방가르드 해체

Reinhardt가 활동하던 문화적 분위기를 이해하려면 근대미술의 역사를 되돌아볼 필요가 있습니다. 제2차 세계대전 이전에는 거의 모든 아방가르드 미술 운동이 미국 외부에서 시작되었습니다. 전쟁 이후 미국은 20세기 가장 영향력 있는 근대미술 운동들, 즉 추상 표현주의, 미니멀리즘, 그리고 후기 표현주의를 탄생시켰습니다. 미국 미술의 영향력이 이렇게 바뀐 이유는 예술보다는 정치와 더 관련이 깊었습니다.

제1차 세계대전 이후 독일 혁명으로 바이마르 공화국이라는 대표 정부가 들어섰습니다. 이 민주적으로 선출된 정부는 광범위한 사회, 정치, 경제 개혁을 시행하여 독일 전역에 큰 문화적 변화를 가져왔습니다. 이러한 변화의 환경 속에서 독일 근대미술은 번성했습니다. 바이마르 공화국과 같은 해, 같은 도시에서 바우하우스가 설립되었고, 이후 14년 동안 독일은 예술 분야에서 선도적인 진보 세력으로 발전했습니다.

Ad Reinhardt - 신문지 콜라주, 1940년. 인쇄된 종이와 검은 종이를 보드에 오려 붙임. 15 7/8 x 20 인치 (40.6 x 50.8 cm). MoMA 소장. © 2018 Estate of Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), 뉴욕

순수주의의 어두운 면

1929년 주식 시장 붕괴 이후, 독일은 대부분의 서구 국가들처럼 경제가 무너졌습니다. 이어진 세계 대공황은 평범한 노동자들의 삶에 큰 좌절을 가져왔습니다. 1933년 나치 정권이 독일에서 권력을 잡았을 때, 그들은 독일을 역사적 위대함으로 회복하고 최근의 흐름을 되돌리겠다는 명분을 내세웠습니다. 나치당이 처음 한 일 중 하나는 독일 문화에 영향력을 행사하는 것이었고, 근대미술이 주요 표적이었습니다.

아돌프 히틀러가 이끈 나치는 순수한 독일 미술이라는 개념을 발전시켰습니다. 이는 그들이 정의한 인종적, 민족적 정체성에 부합하는 전통적이고 고전적인 미술만을 포함했습니다. 그 정의에 벗어나는 모든 미술은 퇴폐적이라고 불렸습니다. 이로 인해 아방가르드 예술가들은 독일을 떠나기 시작했고, 나치의 영향력이 독일을 넘어 확산되면서 유럽 전역의 근대 예술가들도 같은 박해를 받게 되었습니다.

Ad Reinhardt - 그림 연구, 1938년. 종이에 구아슈. 4 x 5 인치 (10.2 x 12.8 cm). MoMA 소장. © 2018 Estate of Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), 뉴욕

아방가르드 재구성

1930년대 후반부터 1940년대 초반까지, 유럽의 근대 예술가들은 가능한 한 해외로 떠났습니다. 파시스트 세력의 공격을 받지 않은 몇 안 되는 세계 수도 중 하나였던 뉴욕은 전 세계 아방가르드 예술가들의 등대가 되었습니다. 새로 도착한 예술가들은 이미 활기찬 뉴욕 추상미술계와 어울렸는데, 여기에는 잭슨 폴록 같은 미국 태생 예술가뿐 아니라 제1차 세계대전 이후 이민 온 윌렘 드 쿠닝과 아르실 고르키 같은 예술가들도 포함되어 있었습니다. 이 문화에서 최초의 미국 근대미술 운동들이 탄생했습니다.

Ad Reinhardt는 제2차 세계대전 이후 뉴욕 아방가르드 예술가 세대의 일원으로 예술적 성숙을 이루었습니다. 그는 이 다양하고 국제적인 공동체에서 벌어지는 정치적, 철학적, 사회적, 문화적 대화에 적극 참여했습니다. 시위에도 참여하고 가능한 모든 방식으로 현장에 몸담았습니다. 그러나 그는 동시대 예술가들과 한 가지 근본적인 점에서 달랐습니다. 그들이 삶과 예술을 하나의 통합된 경험으로 보았던 반면, Reinhardt는 그것이 잘못된 길이라고 믿었습니다. 그의 말대로: “예술은 예술이다. 삶은 삶이다.”

Ad Reinhardt - 그림 연구, 1939년. 종이에 구아슈. 3 7/8 x 4 7/8 인치 (10 x 12.5 cm). MoMA 소장. © 2018 Estate of Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), 뉴욕

불변의 탐구

자신의 작품을 동시대 예술가들과 차별화하기 위해 Reinhardt는 “깨달은 대상”이라는 개념을 만들었습니다. 이는 외부의 어떤 사물이나 생각을 참조하지 않고, 오직 그 자체로 순수한 예술의 단일한 예시로 존재하는 작품입니다. 깨달은 대상은 영적 사상가들이 말하는 “불변의 것”, 즉 변화 속에서도 변하지 않는 궁극적 본질과 같은 개념이었습니다. 본질적으로 그는 예술계의 신을 찾고 있었습니다.

Reinhardt는 부정을 통해 불변을 추구했습니다. 즉, 순수한 예술이 무엇인지 정의하기보다는 순수한 예술이 무엇이 아닌지를 정의했습니다. 1953년에 발표한 새로운 아카데미를 위한 12가지 규칙에는 순수한 예술에 도달하는 방법에 대한 부정의 목록이 규칙 형태로 담겨 있습니다. 이 규칙들은 다음과 같습니다: 사실주의 금지, 인상주의 금지, 표현주의 금지, 조각 금지, 플라스틱 미술 금지, 콜라주 금지, 건축 금지, 장식 금지, 질감 금지, 붓질 금지, 사전 스케치 금지, 형태 금지, 디자인 금지, 색채 금지, 빛 금지, 공간 금지, 시간 금지, 크기 금지, 움직임 금지, 주제 금지, 상징 금지, 이미지 금지, 쾌락 금지. 그는 덧붙였습니다: “외적으로는 모든 관계에서 자신을 멀리하고, 내적으로는 마음속에 어떤 갈망도 가져서는 안 된다.”

Ad Reinhardt - 종이 콜라주, 1939년. 워싱턴 DC 히르슈혼 미술관 및 조각 정원 소장. © 2018 Estate of Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), 뉴욕

변화에 따른 변화

새로운 아카데미를 위한 12가지 규칙을 읽을 때 반드시 기억해야 할 점은 Reinhardt가 대학 시절 코미디 작가로 일했으며, 또한 영적이고 철학적인 사람이었다는 것입니다. 그는 날카로운 재치가 있었고 종종 의도적으로 역설적인 말을 했습니다. 모든 규칙을 개별적으로 지킬 수 있다고 믿었을지라도, 동시에 모두 지키는 것은 불가능하다는 것을 분명히 알고 있었을 것입니다.

예를 들어, 그가 생애 마지막 12년 동안 그린 검은 그림들에 대해 그는 “자유롭고 조작되지 않으며 조작할 수 없고, 쓸모없고 시장성이 없으며 환원 불가능하고 사진 촬영 불가하며 복제 불가능하고 설명할 수 없는 성상”이라고 불렀습니다. 그러나 그것들은 자유롭지 않았고, 이념적이고 독단적인 체계의 산물이었습니다. 사진 촬영 불가와 시장성 없음에 관해서도, 실제로는 빠르게 팔렸고 오늘날에도 경매에 자주 나오며, 카탈로그에는 훌륭한 사진들이 포함되어 있습니다. 그렇다면 Reinhardt는 농담을 한 것일까요? 아니면 추상 미술에 대해 말하고 만드는 것의 복잡성에 대해 더 깊은 메시지를 전한 것일까요? 추상 미술에 관해?

Ad Reinhardt - 제목 없음, 1947년. 캔버스에 유화. 워싱턴 DC 국립미술관 소장. © 2018 Estate of Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), 뉴욕

변하지 않는 상태

Reinhardt를 이해하려면 그의 문화를 이해해야 합니다. 그는 열정적이고 감정적이며 개인적이고 화려한 작품이 지배하는 예술계의 일부였습니다. 이에 대한 그의 반응은 정반대였습니다. 예술가들이 예술을 일상생활과 다시 통합하려고 열정적으로 주장할 때, Reinhardt는 예술과 삶은 분리되어 있다고 주장했습니다. 그는 마지막 그림을 그렸다고 말했지만, 미술사학자로서 그림 그리기의 끝은 결코 오지 않을 것임을 알고 있었습니다. 그림을 그릴 예술가가 있는 한 말입니다.

Ad Reinhardt에 대한 이해는 브루스 Lee의 이 말에서 찾을 수 있습니다: “변화에 따라 변하는 것이 변하지 않는 상태이다.” 당시 주류 경향에 대한 대안을 제시함으로써 Reinhardt는 미술사가 계속되도록 했습니다. 카지미르 말레비치의 검은 사각형처럼, Ad Reinhardt의 검은 그림들은 그림 그리기의 종말이 아니라 연속성을 앞으로 밀어냈습니다. 독단적이었지만, 그는 유일한 길이 있다고 주장한 것이 아니라 다음 세대에 선물한 것입니다: 맞서 싸울 적, 저항할 순수주의자, 반대할 이념을.

대표 이미지: Ad Reinhardt - 번호 6, 1946년. 메이소나이트에 유화. © 2018 Estate of Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), 뉴욕
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됨
필립 Barcio 제공