색채 화가들이 색조로 소통하는 방법
색채 화가가 우리에게 주는 것은 “노랑”이라고 말하는 노랑이나, “산” 또는 “나무”라고 말하는 노랑조차 아닙니다. 오히려 “영원”, “맹렬함”, “친절”, “힘”, “평온”, “사랑”이라고 말하는 노랑입니다. 색채 화가들은 단순히 색에 집중하는 것이 아니라 색을 통해 소통합니다. 말로는 달리 표현할 수 없는 것을 표현하기 위해 색과 협력합니다. 색을 우리가 바라보기만 하는 표면으로 사용하는 것이 아니라, 표면 너머의 무언가를 향해, 그림 깊숙한 곳과 우리 내면으로 들어오도록 초대하는 데 사용합니다.
색조와 나누는 대화
훗날 인상파 화가로 알려지게 된 반항적인 화가들은 1874년 파리의 한 임대 스튜디오에서 첫 전시회를 열었습니다. 살롱으로 대표되는 프랑스 미술계는 그들을 거부했고, 이 전시는 모욕을 더하는 계기가 되었을 뿐입니다. 그럼에도 오해를 받았던 인상파 화가들은 우리에게 수많은 특별한 선물을 남겼으며, 그중에서도 작은 초승달 모양의 색을 칠하는 기법은 특히 중요합니다. 멀리서 보면 이 기법은 세심하게 혼합해 전통적인 방식으로 칠한 물감보다 더욱 생생한 색감을 만들어냅니다.
인상파의 초승달 모양 붓질은 색의 동시 대비 법칙을 보여줍니다. 후기 인상파 그룹인 야수파와 오르피스트는 이 현상을 깊이 탐구했습니다. 화가 로베르와 소니아 들로네는 이를 “동시성”이라고 명명했습니다. 이는 특정 색들이 서로 나란히 놓였을 때 “진동”하는 방식, 서로 다른 색들이 나란히 놓이면 단독으로 보일 때와 다르게 표현되는 방식, 그리고 서로의 색조를 더욱 강렬하게 만드는 방식을 설명하는 말입니다.
Sonia Delaunay - 리듬 컬러 No. 1076, 1939, © Pracusa 2014083
위대한 색채 화가들
추상미술의 역사에서 화가들은 색을 사용해 작품을 통해 초월적인 경험을 이끌어내고자 하며 “동시성”을 계속 확장해왔습니다. 화가 Hans Hofmann은 순수 추상으로 전환하면서 대비되는 색조의 표현적 풍부함을 탐구해 가장 감정적으로 강렬한 작품들을 탄생시켰습니다. 수십 년 뒤 컬러 필드 화가들은 색의 계시적 힘에만 집중하는 회화 관점을 발전시켰습니다.
Hans Hofmann - 엘리시움(부분), 1960, 캔버스에 유화, 84 1/4 x 50 1/4 in, 블랜턴 미술관, © 2010 Renate, Hans & Maria Hofmann Trust / Artists Rights Society (ARS), New York
끊임없이 변화하는 색
새로운 세대의 예술가들이 색의 가능성을 탐구할 방법을 모색하면서 색조의 언어에 대한 탐구는 오늘날에도 계속되고 있습니다. 현대 추상화가 Matthew Langley은 컬러 필드 화가들의 전통을 확장하며 그 어휘를 인상적인 방식으로 넓히고 있습니다. Langley는 여러 겹으로 작업하며, 서로 보완하는 색조가 진동하는 혼합체로 발전하는 색의 장을 축적합니다. 겹을 쌓고 덜어내는 그의 집요한 기법은 시선을 안쪽으로 끌어당기는 밑층의 깊이를 만들어냅니다. 그 결과 순환, 쇠퇴와 새로운 성장, 그리고 시간의 흐름을 드러내는 작품이 탄생합니다.
화가 Brent Hallard 역시 색의 언어를 발전시키며, 마커, 수채화, 아크릴 물감을 사용해 알루미늄이나 종이 위에 생생하게 다채로운 작품을 만들고 있습니다. Hallard는 형태를 지닌 표면 위에 단색의 색면을 정밀한 구성으로 배열합니다. 대비되는 색면은 동시에 눈을 자극하고 잠재의식을 편안하게 합니다. Hallard의 비회화적인 표면은 본질적으로 평평하지만, 색의 선택과 정확성에 대한 감각은 관람자를 사색의 상상 공간으로 끌어당기는 시각적 입체감을 만들어냅니다.
Matthew Langley - 솔라리스, 2015, 22 x 28 in
시각적 리듬
현대의 색채 화가 Ellen Priest는 색의 진동하는 리듬을 직접적으로 말하는 작품을 만들고 있습니다. Priest는 움직임과 빛의 경험을 포착하는 데 초점을 맞춘 재즈에서 영감을 받은 회화를 제작합니다. 표면에 대담하고 몸짓적인 흔적을 직관적으로 적용해, 대비되는 색의 쓸어낸 자국으로 활기찬 여백을 채웁니다. 그 결과물은 색들이 서로 반응하면서도 어우러지기 때문에 즉흥적인 감각을 발산합니다. 첫눈에 작품은 역동적이고 거의 불안하게 떨리는 듯합니다. 하지만 더 깊이 감상하면 겹쳐진 흔적들이 만들어내는 색조의 혼합은 마음이 머물 수 있는 한층 차분한 공간을 제공합니다.
추상 색채 화가들이 추구하는 것은 색이 지닌 소통의 속성에 대한 이해를 넓히는 일입니다. 색이 말을 한다는 것은 부정할 수 없습니다. 색채 화가의 목표는 그 말을 듣고, 이해하며, 회화를 통해 번역하는 것입니다. 관람자가 색채 작품을 이해하는지는 어느 정도 그가 보는 방식에 달려 있습니다. 인간 경험의 기묘한 점 중 하나는 우리의 눈이 종종 색을 서로 다르게 본다는 것입니다. 그러나 바로 이것이 색채 회화를 사색을 위한 비옥한 장으로 만드는 부분이기도 합니다. 우리 각자가 작품과 개별적으로 마주해야 하며, 우리 내면에서만 작품과 연결될 수 있기 때문입니다.
대표 이미지: Sonia Delaunay - 싱코페이션 리듬, 일명 검은 뱀(부분), 1967, 프랑스 낭트 미술관, © Pracusa 2014083
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용되었습니다
IdeelArt 편집부
출처
- 인상파의 8개 전시회, 브리태니커: 1874년 파리 나다르의 스튜디오에서 열린 첫 인상파 전시회를 1886년까지 이어진 8회의 전시 가운데 하나로 소개하는 참고 항목.
- 동시성, 테이트 미술 용어: 동시 대비, 슈브뢸의 색채 이론, 들로네 부부가 대비되는 색을 사용한 방식을 설명하는 미술관 용어집.
- 엘리시움, Hans Hofmann, 블랜턴 미술관: Hofmann 회화의 제목, 1960년 제작 연도, 매체와 크기를 확인할 수 있는 소장품 기록.
