색채 화가들이 색조로 소통하는 방법

색채가가 우리에게 주는 것은 "노란색"이라고 말하는 노란색도, "산"이라고 말하는 노란색도, "나무"라고 말하는 노란색도 아니라, 오히려 "영원"이라고 말하는 노란색, "격렬함"이라고 말하는 노란색, "친절"이라고 말하는 노란색, "힘"이라고 말하는 노란색, "차분함"이라고 말하는 노란색, 또는 "사랑"이라고 말하는 노란색이다. 색채가 화가들은 단순히 색에 집중하지 않고, 색을 통해 소통한다. 그들은 색과 협력하여 표현할 수 없는 것을 표현한다. 그들은 우리에게 바라볼 수 있는 표면을 제공하기 위해 색을 사용하는 것이 아니라, 표면 너머, 그림 깊은 곳, 그리고 우리 자신 안으로 초대하기 위해 색을 사용한다.

색조로 말하기

반항적인 화가들은 결국 인상파로 알려지게 되었고, 1874년 파리의 임대 스튜디오에서 첫 전시회를 열었습니다. 프랑스의 기득권 세력인 살롱은 그들을 거부했으며, 이 전시는 추가적인 모욕만을 초대했습니다. 그럼에도 불구하고 오해받았던 인상파 화가들은 우리에게 무수한 특별한 선물을 주었고, 그 중에서도 작은 색의 초승달을 그리는 기법이 있습니다. 멀리서 보면 이 기법은 정교하게 혼합되고 전통적으로 적용된 물감이 주는 것보다 더 생생한 색감을 만들어냅니다.

인상파의 초승달은 색상의 동시 대비 법칙을 보여줍니다. 야수파와 오르피스트와 같은 후기 인상파 그룹은 이 현상을 깊이 탐구했습니다. 화가 소냐 드라네이는 이를 “시물타네이즘”이라고 명명하며, 특정 색상이 서로 옆에 있을 때 “진동”하는 방식과 서로 옆에 놓일 때 다른 색상이 혼자 있을 때와 다르게 표현되며 서로의 색조를 더 강렬하게 만든다고 설명했습니다.

소냐 들라unay - 리듬 색상 No. 1076, 1939, © Pracusa 2014083

위대한 색채 화가들

추상화의 역사 전반에 걸쳐 화가들은 "동시성"을 확장해 나가며 색상을 사용하여 그들의 작업을 통해 초월적인 경험을 촉진하고자 했습니다. 화가 한스 호프만이 순수 추상으로 전환하면서 그는 대비되는 색조의 표현적 풍부함을 탐구하여 가장 감정적으로 충전된 작품을 창조했습니다. 수십 년 후, 컬러 필드 예술가들은 색상의 계시적 힘에만 집중하는 회화에 대한 관점을 발전시켰습니다.

Hans Hofmann - Elysium (detail), 1960, Oil On Canvas, 84 1/4 x 50 1/4 in, Blanton Museum of Art, © 2010 Renate, Hans & Maria Hofmann Trust / Artists Rights Society (ARS), New York

색상의 지속적인 변환

색조의 언어 탐구는 오늘날에도 계속되고 있으며, 새로운 세대의 예술가들이 색상의 잠재력을 탐구할 방법을 찾고 있습니다. 현대 추상 화가 Matthew Langley는 색채 분야 예술가들의 전통을 확장하며 그들의 어휘를 인상적인 방식으로 넓히고 있습니다. Langley는 층을 쌓아 작업하며, 발전하는 보색의 진동하는 혼합체로 진화하는 색상 영역을 축적합니다. 그의 집중적인 쌓기와 줄이기 기법은 시선을 안쪽으로 끌어당기는 깊은 하층을 만들어냅니다. 그 결과는 주기, 부패, 새로운 성장, 그리고 시간의 흐름을 드러내는 작품입니다.

화가 Brent Hallard는 색의 언어를 발전시키고 있으며, 마커, 수채화 및 아크릴 페인트를 사용하여 알루미늄 또는 종이에 생동감 넘치는 다채로운 작품을 창조하고 있습니다. Hallard는 그의 형태가 있는 표면에 단색 색상 필드를 정밀한 구성으로 배열합니다. 대조적인 색상 필드는 동시에 눈을 충격 주고 잠재의식을 진정시킵니다. 할라드의 비화가적 표면은 본질적인 평면성을 지니고 있지만, 그의 색상 선택과 정확성의 감각은 관람자를 사색의 상상된 공간으로 끌어들이는 광학적 차원을 만들어냅니다.

Matthew Langley - 솔라리스, 2015, 22 x 28 인치

시각적 리듬

현대 색채 화가 Ellen Priest는 색상의 진동 리듬에 직접적으로 이야기하는 작품을 창조하고 있습니다. Priest는 움직임과 빛의 경험을 포착하는 데 중점을 둔 재즈에서 영감을 받은 그림을 만듭니다. 그녀는 직관적으로 대담하고 제스처가 가미된 표식을 그녀의 표면에 적용하여, 대조적인 색상의 스윕으로 활발한 백색 공간을 채웁니다. 그 결과물은 색상이 서로 반응하고 혼합되면서 즉흥적인 감각을 발산합니다. 처음 보기에는 작품이 활발하고 거의 초조해 보입니다. 그러나 더 깊이 생각해보면, 겹쳐진 표식으로 만들어진 색조의 혼합이 마음이 거주할 수 있는 보다 차분한 공간을 제공합니다.

추상 색채화가들이 추구하는 것은 색상의 의사소통 특성에 대한 이해를 높이는 것입니다. 색상이 말한다는 것은 부인할 수 없는 사실입니다. 그것을 듣고, 이해하고, 그림을 통해 번역하는 것이 색채화가의 목표입니다. 관람자가 색채화 작품을 이해하는 것은 그들의 시각에 다소 의존합니다. 우리의 인간 경험의 이상한 점 중 하나는 우리의 눈이 종종 색상을 다르게 본다는 것입니다. 그러나 이것이 색채화가의 작품이 사색하기에 매우 비옥한 이유 중 일부입니다. 각자는 개별적으로 그것들과 마주해야 하며, 오직 자신 안에서만 그것들과 연결될 수 있습니다.

특집 이미지: 소냐 들라unay - 동기화된 리듬, 이른바 검은 뱀 (세부사항), 1967, 뇌트 미술관, 프랑스, © Pracusa 2014083

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