라틴 아메리카 예술가들이 현대 미술에 대한 우리의 인식을 어떻게 변화시켰는가

바나드 대학 미술사 교수이자 학과장인 알렉산더 알베로의 신간은 20세기 추상미술의 세계적 발전에 대한 통찰을 제공합니다. Abstraction in Reverse: The Reconfigured Spectator in Mid-Twentieth-Century Latin American Art라는 제목의 이 책은 1940년대부터 라틴 아메리카 예술가들이 유럽의 모더니즘을 어떻게 받아들이고 반응했는지를 살펴봅니다. 특히 알베로는 헤수스 라파엘 소토, 훌리오 르 파르크, 토마스 말도나도 같은 중요한 라틴 아메리카 예술가들의 작품을 유럽의 콘크리트 아트라는 미술 운동의 철학과 연관 지어 분석합니다. 콘크리트 아트의 본질은 미적 현상이 자연 세계에 기반하지 않고 예술가의 정신에서 직접 나와야 한다는 것입니다. 콘크리트 아트는 평면, 형태, 선, 색상과 같은 순수하고 보편적인 요소의 사용을 요구하며, 감상주의, 극적 요소, 서사, 상징성을 배제합니다. 기본적으로 콘크리트 아트는 자기 자신만을 참조합니다. 콘크리티즘의 철학은 급속히 세계화되는 문화에 대응하려던 20세기 중반 라틴 아메리카 예술가들에게 매력적이었습니다. 콘크리트 아트는 국적, 인종, 성별 또는 기타 인위적 구분과 상관없이 모든 사람을 연결하는 전략을 제시했습니다. 그러나 알베로가 책에서 설명하듯, 20세기 중반 라틴 아메리카 예술가들은 단순히 유럽 콘크리트 예술가들의 작품을 모방하지 않았습니다. 그들은 콘크리트 아트의 기본 아이디어를 받아들여 훨씬 더 복잡한 것으로 발전시켰습니다. 알베로가 말하는 포스트 콘크리트 예술가로 진화하면서 이들은 예술의 정의 방식을 근본적으로 바꾸는 미학적 관점을 발전시켰고, 오늘날 우리가 예술이 일상생활에서 하는 역할을 이해하는 데 계속 영향을 미치고 있습니다.

생산적인 오해

오늘날 우리는 인터넷을 통해 전 세계의 이미지를 얼마나 쉽게 접할 수 있는지, 그리고 예술가들이 어디에 살든 그들의 작품에 대한 상세한 설명과 해석을 얼마나 쉽게 얻을 수 있는지를 당연하게 여깁니다. 그러나 알베로가 지적하듯, 1940년대 라틴 아메리카 예술가들은 다른 지역에서 만들어지는 예술에 관한 정보를 접하는 데 매우 불편한 상황에 처해 있었습니다. 알베로는 유럽 모더니즘을 공부하려 할 때 라틴 아메리카 예술가들이 실제로 가지고 있던 것은 흑백 복사된 작품 이미지뿐이었다고 설명합니다. 이러한 제한된 접근은 그가 “생산적인 오독”이라고 부르는 현상을 낳았습니다. 예를 들어, 알베로는 예술가 헤수스 라파엘 소토에 관한 일화를 언급하며, “소토가 마침내 몬드리안을 보았을 때, 자신이 완전히 잘못 이해하고 있었다는 것을 깨달았다.”고 말합니다.

색상은 피에트 몬드리안 작품의 중요한 요소이지만, 흑백 이미지에서는 그 필수 요소가 분명히 사라집니다. 그리고 소토가 볼 수 있었던 저품질 복제본은 유럽 모더니스트 회화의 표면 질감을 완전히 매끄럽게 보이게 했습니다. 그러나 이러한 오해는 소토와 다른 라틴 아메리카 예술가들이 몬드리안 같은 예술가들의 진정한 미학적 의도를 파악하지 못하게 했지만, 동시에 그들이 그 작품에서 드러난 가능성에 대한 자신만의 해석을 발전시키도록 이끌었습니다. 그들은 제한된 색상과 매끄러운 표면을 단순화를 통해 정화된 진정한 현대성의 표현으로 해석했습니다. 그리고 오해에도 불구하고, 그들은 콘크리트 아트의 가장 본질적인 요소를 이해했습니다. 즉, 예술 작품은 어떤 a priori 의미 해석과 관계없이 그 자체의 논리를 지닌다는 점입니다.

토마스 말도나도 - Anti-Corpi Cilindrici, 2006 (왼쪽) 및 제목 없음 (오른쪽), © 토마스 말도나도

콘크리티즘을 넘어서

의미의 개념은 라틴 아메리카 포스트 콘크리트 예술가들에게 매우 중요했습니다. 과거에는 예술을 개념화하는 가장 일반적인 방식이 예술가가 작업실에서 미리 무언가를 창조하고, 그 후 특별한 장소에서 관람객이 그것을 감상하는 것이었습니다. 예술가는 물건을 만드는 창조자였고, 그 물건은 만들어질 때 의미가 부여되었으며, 그 의미는 작품이 만들어진 장소, 시간, 상황과 불가분하게 연결되어 있었습니다. 따라서 관람객은 작품에 비해 부차적인 존재였습니다. 관람객이 개인적인 해석을 하더라도 궁극적으로는 예술가나 비평가, 역사학자, 학계 인사 같은 공식 대리인이 제시한 해석을 받아들일 수밖에 없었습니다. 심지어 현대적인 접근을 취한 콘크리트 아트조차도 예술가를 물건 제작자로, 관람객을 물건 감상자로 여겼습니다.

그러나 알베로에 따르면, 라틴 아메리카 포스트 콘크리트 예술가들은 이 생각을 완전히 뒤집었습니다. 그들은 작품의 의미가 전시 이전에 작품에 내재되어 있다는 생각을 거부했습니다. 그들은 작품 창작이 의미 경험으로 나아가는 첫걸음일 뿐이라고 상상했습니다. 이 철학적 변화를 설명하며 알베로는 “미학적 장(field)”이라는 용어를 만들었습니다. 그는 미학적 장을 작품과 관람객이 만나는 상황으로 정의합니다. 미학적 장에는 갤러리나 광장 같은 물리적 공간, 그 공간 내의 조명, 기후, 주변 소음 같은 조건, 물론 작품과 관람객이 포함됩니다. 또한 3차원과 4차원 현실, 즉 공간 내 고체 물체뿐 아니라 시간 속에서 그 물체들 사이에 벌어지는 경험과 관계도 포함합니다.

훌리오 르 파르크 - Alchimia, 1997, 종이에 아크릴, 58 × 80 cm, 사진 제공 Galeria Nara Roesler

세상의 직조

다시 말해, 알베로는 작품을 미학적 장 안에서 일어나는 역동적 경험의 한 요소로 놓음으로써 라틴 아메리카 포스트 콘크리트 예술가들이 예술을 인간 사회에 다시 통합시켰다고 주장합니다. 관람객이 작품의 의미를 감상하는 대신, 이제는 작품과 협력하여 유동적이고 덧없는 의미를 만들어낼 수 있게 되었습니다. 그리고 작품이 독립된 미리 정해진 물건으로 존재하는 대신, 상황이 구성되어 작품이 펼쳐지는 현실의 더 큰 직조의 한 요소가 될 수 있습니다. 물론 작품은 특정한 형태나 색상 배열 같은 고유한 측면을 가질 수 있지만, 그 측면들은 미학적 장 안에서 관람객이 어떻게 인식하느냐에 따라 중요도가 변할 수 있습니다.

예술 작품과 관람객 사이의 이러한 변화하는 관계 체계는 모든 포스트 콘크리트 작품이 더 큰 사회적 경험의 역동적이고 운동적 요소로 정의될 수 있음을 의미하며, 이는 작품 자체보다 우선합니다. 알베로가 이 사상의 진화를 보여주는 예술가로 제시하는 대표적인 인물은 헤수스 라파엘 소토입니다. 그의 성숙기 작품인 Penetrables를 아는 사람이라면 그 이유를 쉽게 이해할 것입니다. 소토는 수많은 플라스틱 끈을 매달아 Penetrables를 만들었습니다. 끈의 일부를 색칠하여 공간에 떠 있는 고체 형태의 인상을 주었습니다. 그러나 관람객은 단순히 Penetrable을 감상하는 대신 끈 숲 속으로 들어가 끈을 움직이며 고체 물체의 환상을 깨뜨리도록 권장됩니다. 각 관람객은 시각을 넘어 촉각, 후각, 청각 등 다양한 감각을 경험합니다. 따라서 각 관람객이 Penetrable과 갖는 개인적 경험은 그 작품의 의미에 대한 독특한 경험적 판단으로 이어지며, 이는 작품을 넘어 그 관람객이 겪는 더 큰 삶의 경험을 말해줍니다.

헤수스 라파엘 소토 - Courbes Immaterielles, 1982, 나무와 알루미늄, 250 × 500 cm, 사진 제공 La Patinoire Royale, 브뤼셀

포스트 콘크리트의 유산

Abstraction in Reverse는 근대 미술사에서 과소평가된 측면을 밝히는 것 외에도, 현대 사회에서 예술의 기능에 관한 논쟁을 더 잘 이해할 수 있게 합니다. 즉, 예술의 기능이 무엇인지, 혹은 예술이 정말로 독특한 기능을 갖고 있는지에 대해 공통된 합의가 전혀 없다는 것입니다. 정치인들은 예술 교육이 측정 가능한 이익이 없다고 주장합니다. 한편 예술 시장은 번창하면서도 예술의 폭등하는 상업적 가치를 우선시한다는 비판을 받습니다. 주류 예술 비평은 예술 작가들의 개인적 취향에 기반한 폄하나 과장된 찬사에 불과한 경우가 많습니다. 그 사이에 아무도 우리 시대의 더 넓은 맥락에서 미적 현상의 보편적 가치를 명확히 설명하려 하지 않거나 할 수 없습니다.

아마도 예술은 의미 제공자로서의 고유한 기능을 갖지 않을지도 모릅니다. 결국, 작품의 의미와 목적이 미학적 장 안의 관람객에 의해 결정된다면, 한 작품이 다른 작품으로 교체되어도 전체 경험은 손상되지 않을 수 있습니다. 그렇다면 작품 대신 축구 경기, 불꽃놀이, 정치 연설이 그 자리를 대신할 수도 있을까요? 관람객이 의미를 구성하는 최종 결과는 같을까요? 이 책이 통찰력 있게 제안하는 바는, 라틴 아메리카 포스트 콘크리트 예술가들이 거의 한 세기 후에야 우리가 완전히 이해하게 된 무언가를 엿보았다는 것입니다. 즉, 예술은 미적 현상의 구성을 돕지만, 의미가 만들어지는 것은 아마도 그 미적 현상을 함께 나누는 사람들의 공통된 사회적 경험이라는 점입니다. 의미는 예술 자체에서 나오지 않습니다.

훌리오 르 파르크 - Cloison à lames réfléchissantes, 1966-2005, 강철, 나무, 빛, 230 × 264 × 80 cm, 사진 제공 Galeria Nara Roesler

대표 이미지: 헤수스 라파엘 소토 - Vibrations, 1967, 플렉시글라스 위 스크린 인쇄, 아크릴, 29.5 × 42 × 8 cm, 사진 제공 Galerie Hans Mayer, 뒤셀도르프

모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용되었습니다

필립 Barcio 작성