마지막 모네가 미국 추상 표현주의자들에게 영감을 준 방법

클로드 모네, 프랑스 인상주의의 위대한 공동 창립자가 만든 가장 기억에 남고 잘 알려진 작품 중 하나는 그의 수련입니다. 그러나 인상주의 팬들이 잘 모를 수 있는 점은 모네와 미국 추상 표현주의자들 사이에 존재하는 연결 고리입니다. 생애 말기에 모네는 그의 유명한 수련 그림 양식으로 특히 추상적인 대형 작품 시리즈를 제작했습니다. 이 동작적이고 활기차며 화려한 작품들은 추상 표현주의자들이 수십 년 후에 시작할 ‘행동화’라 불리는 작품들의 모든 에너지, 감정, 그리고 ‘행동’을 지니고 있습니다. 이 후기 모네 작품들은 또한 나중에 추상 표현주의 작품에 귀속된 ‘전체적’ 특성을 가지고 있습니다. 그러나 1950년대가 되어서야 미술계의 권력자들이 모네의 마지막 작품과 추상 표현주의 작품들 사이의 유사성에 주목하기 시작했습니다. 이 연결 고리는 수련 시리즈 100주년을 기념하여 오늘날 다시 주목받고 있으며, 파리의 수련: 미국의 추상과 마지막 모네 전시를 통해 오랑주리 미술관이 이 연결을 깊이 탐구하고 있습니다. 이 대규모 전시회는 모네의 후기 작품들과 잭슨 폴록, 헬렌 프랭켄탈러, 마크 로스코, 조안 미첼, 마크 토비, 존 폴 리오펠, 샘 프랜시스, 엘스워스 켈리 등 영향력 있는 미국 추상 표현주의 화가들의 작품을 함께 선보입니다. 이 독특한 전시는 가장 상징적인 미국 미술 운동의 유럽 뿌리를 엿볼 수 있게 하며, 미술의 미적 경향이 어떻게 진정으로 발전하는지에 대해 새롭고 세계적이며 균형 잡힌 관점을 제공합니다.

세대 차이

클로드 모네는 1914년경, 사망하기 12년 전부터 백내장 증상을 보이기 시작했습니다. 이 병의 영향은 주로 그가 사용하는 색을 인지하는 능력에 변화를 주어 그의 그림에 직접적인 영향을 미쳤습니다. 이 시기에 그는 버드나무를 주제로 한 일련의 그림을 시작했습니다. 이 작품들을 가득 채운 길고 동작적인 선과 임파스토 붓질은 모네가 선택한 선명한 붉은 빛으로 인해 오싹한 느낌을 줍니다. (나중에 백내장 수술을 받은 후 모네는 이 그림들 중 일부를 다시 칠해 더 푸른 빛을 입혔습니다.) 또한 이 시기에 모네는 두 번의 개인적 비극, 두 번째 아내와 장남의 죽음을 겪었습니다. 이 시기의 그의 그림들은 쓸쓸하고 신비로운 분위기를 띠고 있습니다. 그가 자신의 감정을 그렸다고 말하기는 어렵지만, 그가 캔버스에 담은 물리적 세계에 대한 인상은 분명히 내면의 감정에 영향을 받았을 것입니다. 그러나 슬프고 우울하게 그리는 것은 추상 표현주의자들가 한 것과는 다릅니다. 그들도 슬프고 불안하며 두려웠지만, 그림을 그릴 때는 자동기술법을 통해 그 감정의 무의식 깊은 곳과 연결하려 했습니다.

수련: 미국 추상과 마지막 모네, 파리 오랑주리 미술관 설치 전경. © 오랑주리 미술관. 사진 소피 크레피-보글리

그럼에도 불구하고 두 방법 모두 놀라울 정도로 유사한 미적 결과를 낳았습니다. 그러나 모네 사망 후 거의 20년이 지나서야 그의 마지막 미적 발견이 이 새로운 세대 예술가들의 작품에 나타났습니다. 추상 표현주의자들이 모네의 후기 작품을 알고 있었는지는 확실치 않습니다. 다만 1955년 뉴욕 현대미술관에서 대형 후기 수련 작품 중 하나가 전시되었다는 사실은 알려져 있습니다. 같은 해 클레멘트 그린버그는 미국형 회화라는 중요한 에세이를 발표하여 모네의 후기 작품과 잭슨 폴록, 클리포드 스틸, 바넷 뉴먼 같은 화가들의 작품 사이의 연결 고리를 지적했습니다. 이 사건들은 1956년 미술 평론가 루이스 핑켈스타인이 모네와 추상 표현주의자들 사이의 연결을 맥락화하며 ‘추상 인상주의’라는 새로운 용어를 만들어내게 했습니다. 그는 이 용어를 추상 표현주의와 느슨하게 연관된 화가 집단, 예를 들어 조안 미첼, 장폴 리오펠, 샘 프랜시스, 필립 거스턴 등에게 사용했습니다. 그는 이들의 작품이 모네에게서 더 직접적인 영감을 받았으며 뉴욕 스쿨 창립자들의 방법과 철학에 덜 의존했다고 보았습니다.

수련: 미국 추상과 마지막 모네, 파리 오랑주리 미술관 설치 전경. © 오랑주리 미술관. 사진 소피 크레피-보글리

극적인 요소 없음

미국 미술계의 가장 큰 오해 중 하나는 추상 표현주의가 “처음으로 순수한 미국 미술 운동”이라는 것입니다. 현대 학문은 이 주장이 기껏해야 허약하다는 것을 보여주고 있습니다. 그랜트 우드는 1930년에 지역주의 걸작 아메리칸 고딕을 그렸는데, 이는 추상 표현주의 작품들이 처음 만들어지기 10년 이상 전의 일입니다. 미국 지역주의는 미국 미술 운동이었으며, 그보다 앞선 여러 운동도 있었습니다. 게다가 자동기술법을 추상 표현주의자들에게 가르친 로버트 마더웰은 멕시코에 살던 오스트리아 화가에게서 이 기법을 배웠으며, 그 화가는 칠레 화가를 통해 마더웰과 알게 되었습니다. 추상 표현주의에서 진정으로 미국적인 점은 그것이 다양한 요소가 융합된 용광로라는 사실뿐입니다.

수련: 미국 추상과 마지막 모네, 파리 오랑주리 미술관 설치 전경. © 오랑주리 미술관. 사진 소피 크레피-보글리

그러나 이 전시는 기록을 바로잡으려는 시도가 아닙니다. 오히려 서로 다른 세대의 화가들이 어떻게 같은 찬란한 미적 결과에 도달했는지, 그 아름다운 순간으로 돌아가려는 단순한 시도입니다. 이 화가들이 완전히 다른 방법을 사용해 같은 위치에 도달했다는 사실은 미술사가 계보가 아니라 시간 밖에 존재하는 대화임을 보여줍니다. 그 안의 모든 시각적이고 개념적인 경향은 언제든 다시 이어질 수 있는 산만한 대화이며, 각 시대의 목소리를 통해 재구상될 수 있습니다. 수련: 미국 추상과 마지막 모네 전시는 2018년 8월 20일까지 파리 오랑주리 미술관에서 열립니다.

대표 이미지: 수련: 미국 추상과 마지막 모네, 파리 오랑주리 미술관 설치 전경. © 오랑주리 미술관. 사진 소피 크레피-보글리

모든 이미지 제공: 오랑주리 미술관

필립 Barcio 작성