마지막 모네가 미국 추상 표현주의자들에게 영감을 준 방법

클로드 모네의 가장 기억에 남고 잘 알려진 작품 중 하나인 수련은 프랑스 인상주의의 위대한 공동 창립자에 의해 만들어졌습니다. 그러나 인상주의의 많은 팬들이 모네와 미국 추상 표현주의자들 사이의 연결 고리를 인식하지 못할 수 있습니다. 그의 생애 말기에 모네는 그의 유명한 수련 그림의 방식으로 특히 추상적인 대형 그림 시리즈를 만들었습니다. 이러한 제스처적이고 에너지가 넘치는 화풍의 작품들은 추상 표현주의자들이 수십 년 후에야 만들기 시작할 "행동화"라고 불리는 소위 "행동"의 모든 에너지와 감정, 그리고 "행동"을 지니고 있습니다. 이러한 후기 모네 그림들은 또한 나중에 추상 표현주의 작품에 귀속될 "올-오버" 특성을 가지고 있습니다. 그러나 1950년대가 되어서야 예술계의 권력자들이 마지막 모네 그림과 추상 표현주의자들의 작품 사이의 유사성에 주목하기 시작했습니다. 이 연결 고리는 오늘날 수련 시리즈의 100주년 기념을 맞아 다시 한번 주목받고 있으며, 파리의 뤼르주르 오랑제리 미술관은 수련: 미국 추상과 마지막 모네.라는 전시회를 통해 이 연결을 깊이 탐구하고 있습니다. 이 대규모 전시는 모네의 후기 작품을 잭슨 폴록, 헬렌 프랭켄탈러, 마크 로스코, 조안 미첼, 마크 토비, 존 폴 리오펠, 샘 프랜시스, 엘스워스 켈리 등과 같은 영향력 있는 미국 추상 표현주의 화가들의 작품과 함께 전시하여 놀라운 선택을 제공합니다. 이 독특한 전시는 가장 상징적인 미국 미술 운동의 유럽 뿌리를 엿볼 수 있는 기회를 제공하며, 예술의 미적 경향이 어떻게 진정으로 발전하는지에 대한 신선하고 글로벌하며 더 균형 잡힌 관점을 제공합니다.

한 세대 떨어져

클로드 모네는 1914년경 백내장으로 고통받고 있다는 징후를 보이기 시작했으며, 이는 그가 사망하기 12년 전의 일이다. 이 질병의 영향은 그의 그림에 직접적으로 영향을 미쳤으며, 주로 그가 사용하고 있는 색상을 인식하는 능력을 변화시켰다. 이 시기에 그는 눈물 흘리는 버드나무를 주제로 한 일련의 그림을 그리기 시작했다. 이러한 작품을 채우고 있는 긴 제스처 선과 임파스토 붓 자국은 모네가 선택한 생생하고 붉은 색조로 인해 유령 같은 느낌을 준다. (그가 나중에 백내장을 제거하기 위한 수술을 받은 후, 모네는 실제로 이러한 그림 중 일부를 다시 그렸고, 더 푸른 색조로 채색했다.) 또한 이 시기에 모네는 두 가지 개인적인 비극을 겪었다. 그의 두 번째 아내와 그의 맏아들이 사망한 것이다. 이 시대의 그의 그림은 쓸쓸하고 신비로운 품질을 가지고 있다. 그가 자신의 감정을 그렸다고 말하는 것은 과장일 수 있지만, 그가 캔버스에 담아낸 물리적 세계에 대한 인상은 그가 내면에서 느낀 감정에 의해 분명히 영향을 받았을 것이다. 그러나 슬퍼서 우울한 방식으로 그림을 그리는 것은 추상 표현주의자들이 한 것과는 다르다. 그들도 슬프고 불안하며 두려웠지만, 그들이 그림을 그릴 때는 자동주의 기법을 통해 그러한 감정의 잠재의식 깊이와 연결하려고 시도했다.

수련: 미국 추상화와 마지막 모네, 파리 뤼르주르니 박물관 설치 전시. © 뤼르주르니 박물관. 사진 소피 크레피-보글리

그럼에도 불구하고 두 방법 모두 놀라울 정도로 유사한 미적 결과를 낳았다. 그러나 모네의 죽음 이후 그의 마지막 미적 발견이 이 새로운 세대의 예술가들의 작품에 나타나기까지는 거의 20년이 걸렸다. 추상 표현주의자들이 모네의 후기 작업을 알고 있었는지는 말하기 어렵다. 그러나 우리가 아는 것은 1955년 뉴욕 현대 미술관에서 대규모의 후기 수련 그림 중 하나가 전시되었다는 것이다. 같은 해, 클레멘트 그린버그는 미국식 회화라는 제목의 기념비적인 에세이를 썼고, 이 에세이에서 그는 모네의 후기 작업과 잭슨 폴록, 클리포드 스틸, 바넷 뉴먼과 같은 화가들의 작업 사이의 연결고리를 지적했다. 이러한 사건들은 1956년 미술 비평가 루이스 핀켈스타인이 모네와 추상 표현주의자들 사이의 연결을 맥락화하기 위해 새로운 용어인 추상 인상주의를 만들어내는 계기가 되었다. 그는 이 용어를 추상 표현주의와 느슨하게 연관된 화가들, 즉 조안 미첼, 장-폴 리오펠, 샘 프랜시스, 그리고 필립 구스턴과 같은 화가들을 지칭하는 데 사용했다. 그는 그들의 작업이 모네에게 더 직접적으로 영감을 받았으며, 뉴욕 학교의 창립자들의 방법과 철학에 대한 빚이 덜하다고 느꼈다.

수련: 미국 추상화와 마지막 모네, 파리 뤼르주르니 박물관 설치 전시. © 뤼르주르니 박물관. 사진 소피 크레피-보글리

드라마 없음

미국 미술계의 가장 큰 신화 중 하나는 추상 표현주의가 "첫 번째 순수한 미국 미술 운동"이라는 것이다. 현대의 학문은 그 가정이 최악의 경우에도 허약하다는 것을 보여주었다. 그랜트 우드는 1930년에 그의 지역주의 걸작인 아메리칸 고딕을 그렸으며, 이는 첫 번째 추상 표현주의 그림이 만들어지기보다 10년 이상 앞선 것이다. 미국 지역주의는 미국 미술 운동이었으며, 그보다 앞서 존재했던 여러 다른 운동들이 있었다. 그 사실 외에도, 추상 표현주의자들에게 자동기법을 가르친 로버트 마더웰이 당시 멕시코에 살고 있던 오스트리아 화가에게서 그것을 배웠고, 마더웰은 칠레 화가의 지인을 통해 그 화가를 만났다는 것도 분명하다. 사실 추상 표현주의에서 명확히 미국적인 유일한 것은 그것이 용광로라는 것이다.

수련: 미국 추상화와 마지막 모네, 파리 뤼르주르니 박물관 설치 전시. © 뤼르주르니 박물관. 사진 소피 크레피-보글리

하지만 이번 전시는 기록을 바로잡으려는 시도가 아닙니다. 오히려 세대가 다른 화가들이 어떻게 같은 화려한 미적 결과에 도달했는지를 알게 되었던 아름다운 순간으로 돌아가려는 단순한 시도입니다. 이 화가들이 같은 위치에 도달하기 위해 완전히 다른 방법을 사용했다는 사실은 미술사가 혈통이 아니라 시간 밖에 존재하는 대화임을 보여줍니다. 그 안의 모든 시각적 및 개념적 경향은 언제든지 다시 시작할 수 있는 방황하는 대화일 뿐이며, 각 새로운 시대의 목소리를 통해 재구성될 수 있습니다. 수련: 미국 추상과 마지막 모네는 2018년 8월 20일까지 파리의 오랑주리 미술관에서 전시됩니다.

특집 이미지: 수련: 미국 추상화와 마지막 모네, 파리의 오랑주리 미술관 설치 전경. © 오랑주리 미술관. 사진 소피 크레피-보글리

모든 이미지 제공: 오랑주리 미술관

필립 Barcio