프랑코 그리냐니의 최면 세계

이번 2월, 스위스의 m.a.x. museo와 키아소 문화센터에서 프랑코 그리냐니 (1908 – 1999)의 경력을 탐구하는 전시가 열립니다. 그리냐니를 들어본 적이 없을지라도, 그의 가장 유명한 작품 중 하나를 적어도 한 번쯤은 소유하고 있을 가능성이 큽니다. 그리냐니는 유명한 “울마크” 로고를 디자인했는데, 이는 순수한 새 양모로 만들어진 제품임을 나타내는 태그에 나타나는 검은색과 흰색 선이 삼각형 모양으로 얽혀 있는 문양입니다. 이 평범해 보이는 로고는 이전에는 눈에 띄지 않았을지 모르지만, 자세히 보면 광학적 신비의 세계를 발견할 수 있습니다. 이 로고는 수학자들이 비가역면이라고 부르는 성질과 유사한데, 이는 2차원의 연결된 경로가 끊임없이 자신의 거울상으로 변형되는 구조입니다. 이 로고를 이해하려 할수록 눈이 마음을 속이는 착시 현상을 경험하게 됩니다. 그러나 이것은 단순한 착시가 아닙니다. 이 로고는 형태 심리학도 활용합니다. 삼각형 구조는 안정성과 강인함을 나타내고, 원형 선은 부드러움과 지지를, 곡선은 조화와 평화를 상징합니다. 또한 흑백 색상 조합은 색채 이론의 심리학을 이용합니다. 검은색은 힘과 권위를, 흰색은 개방성과 순수를 의미하며, 두 색이 함께 조화를 이루고 포용성을 나타냅니다. 그리냐니는 이 모든 점을 인지하고 로고를 디자인했습니다. 1963년, 55세 때 이 디자인을 개발했으며, 수십 년간 지각 과학을 연구하며 수천 점의 스케치, 로고, 그림, 포스터, 회화를 제작해 배운 바를 담았습니다. 그리냐니는 시각, 광학, 상징의 숨은 의미에 관한 모든 지식을 이 단순한 디자인에 쏟아부었습니다. 그 결과는 역사상 가장 인지도가 높은 소비자 로고 중 하나가 되었습니다. 그러나 키아소에서 열릴 전시가 시사하듯, 울마크 로고와 그의 다른 작품들이 성공할 수 있었던 진정한 이유는 그리냐니가 평범한 디자이너가 아니었기 때문입니다. 그는 인간이 시각 세계와 형이상학적으로 상호작용하는 방식을 완전히 이해한 완전한 예술가였습니다.

바우하우스보다 더 바우하우스다운

2019년, 바우하우스 창립 100주년을 맞아 그리냐니의 작품을 기념하는 것은 매우 적절합니다. 그리냐니는 바우하우스와 직접적인 연관은 없었지만, 그의 경력은 학교의 가장 높은 이상을 구현했습니다. 그리냐니는 학교에서 건축을 공부했고, 졸업 후에는 이탈리아의 자동차 제조사 피아트와 출판사 아놀도 몬다도리 에디토레 같은 기업을 위한 로고를 만드는 디자인 회사를 설립했습니다. 그의 디자인은 단순히 그래픽적 임팩트를 위한 것이 아니라, 사람들이 일상생활에서 시각 현상과 상호작용하는 방식을 세밀하게 연구한 결과였습니다. 바우하우스 구성원들처럼 그리냐니는 각 디자인이 “총체적 예술 작품”이 되도록 노력했으며, 이는 아름답고 유용할 뿐 아니라 사용자의 심리적 요구를 고려한 것이었습니다.

프랑코 그리냐니 - Operativo numerico, 1965

그의 그래픽 디자인에 대한 관점은 즉각적인 시각적 소통을 위한 도구라는 것이었습니다. 그러나 그는 광고 메시지가 단어와 사진만으로는 부분적으로만 전달된다는 것을 깨달았습니다. 그의 연구는 이미지가 전달하는 대부분의 정보가 형식적 미적 요소를 통해 무의식적으로 해석된다는 것을 보여주었습니다. 이 부분에 대한 그의 탁월함은 디자인 수업이 아니라 근대 추상미술에 대한 엄격한 연구에서 나왔습니다. 그의 가장 유명한 초기 피아트 포스터 중 하나에서 그리냐니는 읽기 어려운 소문자 필기체로 ‘Fiat’를 썼습니다. 광고의 메시지는 분명합니다: 이 제품은 미래를 위한 것입니다. 이 이미지는 다다 콜라주 기법(흑백 사진 요소를 컬러 배경 위에 겹침), 미래주의 구성 기법(날카로운 대각선), 그리고 수프레마티즘 형태 언어(하얀 바탕 위의 초록색 정사각형)를 결합했습니다. 광고 속 자동차는 현대 기준으로는 구식이지만, 디자인 덕분에 오늘날에도 여전히 현대성을 외칩니다.

프랑코 그리냐니 - Dissociazione dal bordo, 1967

잃어버린 착시 미술가

그리냐니는 로고, 책 표지, 포스터, 기업 광고를 디자인하는 동시에 자신의 작업실에서 꾸준히 예술 작품을 창작했습니다. 1950년대 초반부터 그가 만든 그림들은 착시 미술 운동을 예견하며, 오랜 시간 바라볼수록 움직이는 듯한 선과 형태의 지각적 도전 배열을 보여줍니다. 비록 빅터 바사렐리와 브리짓 라일리 같은 착시 미술의 공인 선구자들보다 먼저 이런 그림을 그렸음에도 불구하고, 그리냐니는 착시 미술을 대중에게 소개한 것으로 평가받는 MoMA의 《The Responsive Eye》 전시에 포함되지 않았습니다. 그러나 MoMA는 1965년 작가가 직접 기증한 석판화 한 점을 소장하고 있는데, 이는 《The Responsive Eye》 전시와 같은 해에 제작된 작품입니다. 이 석판화의 이미지는 전시와 완벽히 어울렸을 것이며, 그리냐니가 이를 기증한 이유는 자신이 부당하게 제외되었음을 알리기 위함이었을 것입니다.

프랑코 그리냐니 - Frammentazione radiale, 1964

흥미롭게도 그리냐니는 훨씬 이전인 1949년 MoMA의 《Modern Art In Your Life》 전시에 포함된 적이 있습니다. 그 전시의 그의 작품도 《The Responsive Eye》와 잘 어울렸겠지만, 그것은 그림이 아니라 광고였습니다. 이 사실이 그리냐니가 착시 미술 대화에서 제외된 편견의 원인이자, 오늘날 그를 아는 사람이 적은 이유일 수 있습니다. 그러나 이는 불행하고 부당한 실수였습니다. 그리냐니가 20세기 가장 뛰어난 디자이너 중 한 명임은 의심할 여지가 없으며, 그 이상이었습니다. 그는 낙관적이고 사려 깊은 예술가로서 우리가 보는 것과 느끼는 것 사이의 관계를 밝히는 데 평생을 바쳤으며, 그것이 우리로 하여금 무엇을 믿게 만드는지에 대해 탁월한 질문을 던졌습니다. 프랑코 그리냐니 (1908-1999) – 예술, 그래픽, 사진 사이의 다감각성 전시는 2019년 2월 17일부터 9월 15일까지 스위스 m.a.x. museo와 키아소 문화센터에서 열립니다.

대표 이미지: 프랑코 그리냐니 - N. 265, (dissociazione dal bordo), 1969. 슈엘러 판지에 아크릴. 50 x 70 cm.
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됨
작성자 Phillip Barcio