메트로폴리탄 미술관은 추상 표현주의의 깊은 유산을 탐구합니다.

뉴욕의 메트로폴리탄 미술관 5번가관에서 이번 주에 Epic Abstraction: Pollock to Herrera 전시가 개막했습니다. 지난 세기 가장 매력적인 추상 미술가들의 주요 작품 50점 이상을 선보이는 이 전시는 웅장한 규모가 미치는 영향을 탐구한다는 점에서 그 이름에 걸맞습니다. 웅장함은 때로는 갤러리를 압도하는 루이스 네벨슨의 조각품 “Mrs. N’s Palace”(1964–77)처럼 거대한 작품을 통해 표현되기도 하고, 때로는 무의식의 비밀을 끌어내는 자동 드로잉 기법을 사용해 그림을 만드는 거대한 아이디어를 통해 드러나기도 하며, 때로는 손튼 다이얼의 매우 복잡한 조립 작품처럼 기술적인 방법을 통해 나타나기도 합니다. 한편, 전시 부제인 ‘Pollock to Herrera’는 두 가지 일반적인 생각을 가리킵니다. 첫째는 1940년대에 잭슨 폴록이 한 작업이 추상 미술계에 큰 변화를 가져왔다는 이론입니다. 이 시기는 큼직한 것이 진정으로 더 낫다고 여겨지기 시작한 순간이었습니다. 둘째는 2016년 휘트니 미국 미술관에서 첫 회고전을 가진 쿠바 출신 미니멀리스트 예술가 카르멘 헤레라처럼 상대적으로 덜 알려진 예술가들의 작품도 유명한 슈퍼스타들만큼 중요하다는 점입니다. 실제로 전시에는 앞서 언급한 폐품 조립 예술가 손튼 다이얼, 혁신적인 퍼포먼스 작품 “Challenging the Mud”(1955)를 만든 악명 높은 구타이 그룹 멤버 카즈오 시라가, 그리고 헝가리 출신의 혁신적인 추상 화가 일로나 케세루 등 많은 덜 알려진 예술가들의 작품이 포함되어 있습니다. 전시는 또한 차카이아 부커와 마크 브래드포드 같은 젊은 추상 미술가들의 작품으로 현재까지 이어집니다. 큐레이터들이 전시 설명에서 밝힌 또 다른 핵심 가정은 70년 전 추상 미술가들이 웅장한 작품을 만들도록 영감을 준 원동력이 실존적 불안이었다는 점입니다. 이 전시는 여러분에게 묻는 듯합니다: 웅장한 추상이 우리의 불안을 달래는 데 어떤 역할을 했을까요? 아니면 단지 실존적 불안을 인간 조건의 근본적인 부분으로 받아들이도록 도왔을 뿐일까요?

역사 속의 자리

Epic Abstraction에 포함된 유명 예술가 명단은 미술사 애호가라면 누구나 흥분할 만합니다. 앞서 언급한 거장들 외에도 헬렌 프랭켄탈러, 조안 스나이더, 사이 트웜블리, 바넷 뉴먼, 프란츠 클라인, 빌렘 드 쿠닝, 클리포드 스틸, 마크 로스코, 헤다 스턴, 조안 미첼, 엘스워스 켈리, 로버트 맹골드, 모리스 루이스 등의 작품이 전시되어 있습니다. 그리고 대부분 방문객에게는 낯선 일본의 서예 추상화가 이노우에 유이치, 필리핀 출신 추상 미술가 알폰소 오소리오, 미니멀리스트 조각가 Anne Truitt, 아르헨티나의 색채 천재 알레한드로 푸엔테 등의 작품도 다수 포함되어 있습니다. 하지만 이 역사적인 대규모 전시에서 제가 가장 웅장하다고 느낀 점은 특히 두 작품이 전시 부제에 내재된 서사를 실제로 뒤집는다는 점입니다. 폴록과 헤레라를 나란히 언급하고 다른 예술가들과 구분함으로써, 큐레이터들은 추상 표현주의와 미니멀리즘이 가장 영향력 있는 미술 운동이며, 회화가 전시의 주요 초점임을 암시하는 듯합니다. 그러나 폴록과 헤레라의 작품, 기법, 성취는 훌륭하지만 이 전시에서 가장 웅장한 작품과는 거리가 멉니다.

제 생각에 그 영예는 루이스 네벨슨과 손튼 다이얼에게 돌아갑니다. 전시된 네벨슨의 조각은 그녀의 작품을 처음 접하는 관람객들에게 왜 폴록이 그의 동시대 인물인 네벨슨보다 더 많이 언급되는지 의문을 품게 할 것입니다. 그녀의 작품은 기술적으로 더 엄격하고, 개념적으로 더 흥미로우며, 뉴욕의 정신과 더 깊이 연결되어 있습니다. 폴록은 실질적으로 다른 예술가들의 아이디어와 기법을 빌려 완성하며 약간의 새 지평을 열었지만, 영향력 있는 평론가와 친분이 있었기에 다음 논리적 단계를 밟아 유명해졌고, 결국 스스로 파멸했습니다. 그의 그림은 매혹적이지만, 네벨슨은 폴록보다 훨씬 더 많은 성취를 이루었고, 더 독창적이며, 훨씬 오랜 기간 작업하여 훨씬 더 흥미롭고 사려 깊은 예술과 사상의 유산을 남겼습니다.

오랫동안 잃어버린 목소리

그리고 손튼 다이얼이 있습니다. 그의 “Shadows of the Field”(2008)는 제 눈과 마음에 이 전시에서 가장 강렬한 작품입니다. 그 웅장함은 재료, 구성, 색채, 그리고 그 형태 안에 숨어 있는 물리적·형이상학적 세계에 담겨 있습니다. 폐기된 재료들로 조립된 이 작품은 다이얼이 1928년에 태어난 불공정하고 잔혹한 농업 시스템인 소작농 제도의 유산을 불러일으키기 위해 만들어졌습니다. 삼베, 합성 면 솜, 조각 천, 금속 등으로 이루어진 거대한 조립 작품은 지친 존재감을 지니고 있습니다. 단단함과 연약함이 결합된 모습을 구현합니다. 80세에 만든 이 작품은 그의 독학으로 익힌 솜씨를 보여줍니다. 폴록이 부자가 되어 술에 빠져 죽어갈 때, 다이얼은 가난 속에서 인종차별적 사회 체제에서 살아남기 위해 뼈 빠지게 일하며 대부분의 흑인 미국인들이 미술관에 예술가로서뿐 아니라 관람객으로서조차 들어가지 못했던 현실과 싸웠습니다.

아마도 이 전시가 시간이 흐르면서 웅장함에 대한 다른 정의들이 등장하고, 더 강력하고 흥미로운 작품들이 추가될 것입니다. 전시 기간은 정해져 있지 않고, 메트의 영구 소장품에서 선별된 작품들은 주기적으로 교체될 예정이기 때문입니다. 하지만 지금으로서는 메트가 최근에 소장한 다이얼의 열 작품 중 하나인 “Shadows of the Field”가 가장 웅장한 메시지를 전합니다. 훈련받지 않은 남부 흑인 소작농이 지난 70년간 가장 강력하고 의미 있는 추상 작품을 만들어냈으며, 더 많은 특권과 기회를 누린 예술가들의 작품을 능가했다는 사실을 말입니다. 또한 불안이 인간 조건의 불가피한 일부일지라도, 그로부터 흘러나오는 예술은 구원의 은총이 될 수 있고, 종종 그러하다는 점을 알립니다.

대표 이미지: 루이스 네벨슨 - Mrs. N's Palace, 1964–77. 채색 목재, 거울, 140 x 239 x 180 인치 (355.6 x 607.1 x 457.2 cm). 메트로폴리탄 미술관, 작가 기증, 1985 © 2018 루이스 네벨슨 유산 / 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕
필립 Barcio 제공