도트, 붓기, 그리고 고인물 - 존 아르믈레더의 예술의 추상적 측면

John Armleder는 2017년을 맞아 미국의 두 해안 예술 중심지에서 동시에 회고전을 열었습니다. 뉴욕의 알민 레쉬 갤러리와 로스앤젤레스의 데이비드 코단스키 갤러리에서 그의 작품들이 전시되었습니다. 두 전시를 모두 본 사람들은 다양한 분야를 아우르는 훌륭한 작품들을 접할 수 있었습니다. 하지만 이상하게도, 그들은 같은 예술가의 작품임을 직감했을 것입니다. 이는 많은 평론가들이 암레더에 대해 말하는 바와는 상반됩니다. 평론가들은 그를 매우 다양하고, 틀에 박히지 않았으며, 실험적인 예술가로 평가하여 그의 작품들 사이에 비교할 만한 점이 없다고 말합니다. 그러나 저는 그에 대해 그런 느낌을 받지 않습니다. 그는 전방위적 예술가로, 플럭서스(Fluxus)와 자신을 동일시하는 예술가답게 당연한 일입니다. 그가 그림을 그리든, 꽃꽂이대를 만들든, 벽돌 더미를 쌓든, 벽지를 만들든, 발견된 오브제 조각품을 만들든, 벽에 상업용 물건들을 늘어놓든, 그의 모든 작품에는 그의 흔적이 담겨 있는 듯합니다. 저는 그것을 본능적인 무언가라고 말하고 싶습니다. 마치 그가 세상을 바라보는 방식과 관련이 있는 것 같습니다. 암레더는 공간, 색, 형태, 재료에 대해 정의할 수 없지만 분명히 개인적인 방식으로 반응합니다. 이는 그가 뚜렷하고 구체적이며 쉽게 팔리는 스타일이 없으면서도 예술 시장에서 성공적인 경력을 쌓을 수 있었던 이유입니다. 바로 그 독특하면서도 즉시 알아볼 수 있는 미적 분위기가 그를 2017년 말 미국의 세 번째 해안 예술 중심지로 이끌었습니다. 그의 작품은 12월 10일까지 마이애미 디자인 지구의 무어 빌딩에서 열리는 아트 위크 마이애미에서 전시됩니다. 이 전시는 래리 가고시안과 제프리 디치가 주최한 대규모 전시 <추상/비추상(Abstract/Not Abstract)>입니다. 이 두 미국 갤러리계의 베테랑은 33명의 작가 작품을 모아 1910년부터 현재까지 추상미술의 역사를 탐구하려 했습니다. 암레더가 이 전시에 참여한 것은 놀라운 일이 아닙니다. 그는 거의 그 시간의 절반 동안 활동해 왔으며, 그동안 꾸준히 시대에 맞게 진보하며 플럭서스가 무엇인지 보여주는 살아있는 예가 되어 왔습니다.

플럭서스의 선구자들

저는 John Armleder의 팬이지만, 그의 삶에 관한 한 가지 사소한 점에 대해 논쟁하고 싶습니다. 그것은 그를 플럭서스 선구자로 묘사하는 것입니다. 이는 지난 1월 포브스 매거진에서 데이비드 알름이 그의 양 해안 전시를 소개하며 붙인 제목이었습니다. 그 꼬리표는 맞지 않습니다. 암레더는 1948년생으로, 플럭서스 창립자 조지 마치우나스가 플럭서스 선언문을 쓴 1963년에는 15세였습니다. 15세는 진지한 예술가가 되기에 충분한 나이지만, 선언문 작성이 플럭서스의 시작을 의미하지는 않습니다. 진정한 플럭서스 선구자인 딕 히긴스가 한때 말했듯이: “플럭서스는 작품에서 시작되었고, 그 후에 이미 존재하던 작품에 플럭서스라는 이름이 붙여졌다. 마치 상황의 중간에서 시작된 것처럼, 처음부터 시작된 것이 아니다.” 그는 결국 플럭서스라 불리게 된 것이 전 세계적으로 오랜 시간에 걸쳐 형성된 현상임을 언급한 것입니다. 이 현상에는 예술가, 공연자, 출판인, 작곡가 등 아방가르드의 다양한 구성원들이 포함되어 있었고, 모두가 예술이 될 수 있는 것에 대해 더 개방적이고 실험적이며 규제받지 않는 비전을 향해 끌려갔습니다.

John Armleder - Festival of Dolls, 2014, 캔버스에 혼합 재료, 118 1/10 × 74 4/5 × 2 2/5 인치, 300 × 190 × 6 cm (왼쪽) 및 La Bruche, 2014, 캔버스에 혼합 재료, 94 1/2 × 74 4/5 × 3 7/10 인치, 240 × 190 × 9.5 cm (오른쪽), 작가 및 알민 레쉬 갤러리 제공

대부분의 플럭서스 예술가들은 작곡가 John Cage를 진정한 창시자로 꼽습니다. 그는 1930년대에 우연성과 무한한 변주 가능성을 창작 과정에서 탐구했습니다. 그의 작업은 20세기 영향력 있는 수많은 예술가들에게 인용되었습니다. 1930년대부터 60년대까지 진정한 자유 표현을 향한 움직임에는 일본의 실험적 전방위 예술 집단인 구타이 그룹, 해프닝 개념을 개척한 앨런 카프로, 우편 예술 매체를 시작한 레이 존슨, 오노 요코, 그리고 이브 클라인, 아르망, 장 탕글리, 니키 드 생팔 같은 누보 레알리즘 멤버들이 포함되어 있었습니다. John Armleder가 학교를 졸업하고 1969년에 자신의 집단인 Groupe Ecart를 창립했을 때, 이들 예술가들은 이미 플럭서스에 대한 비전을 광범위하게 제시했고, 그들의 비전이 미래의 길임을 세상에 설득하는 어려운 작업을 해냈습니다.

John Armleder - Cast iron, 2016, 왼쪽: 캔버스에 아크릴, 오른쪽: 캔버스에 바니시, 84 3/5 × 118 1/10 × 2 인치, 215 × 300 × 5 cm, 작가 및 알민 레쉬 갤러리 제공 © Annik Wetter

점, 붓질, 그리고 물웅덩이

저에게 암레더는 선구자라기보다 플럭서스가 가장 잘 발현된 성숙한 모습입니다. 그는 이전 세대가 문을 열고 벽을 허물던 시기에 성장했습니다. 그는 옛 세상에 태어나지 않았습니다. 예술이 자유로워야 한다는 설명을 들을 필요가 없는 첫 세대 중 하나였습니다. 그래서 그가 실험하는 것이 매우 자연스럽고, 자신이 하는 일을 정의하는 데 관심이 없는 이유입니다. 그의 작품은 의도적으로 추상적입니다. 그는 관람자에게 자율성을 부여하여 우리가 그가 무엇을 했고 그것이 무엇을 의미하는지 스스로 결정하게 합니다. 그는 유머 감각을 지니고 있어, 영향에서 벗어나는 것이 불가능한 세상에서 저작권의 부조리를 인정합니다. 또한 문화와 비문화, 예술과 비예술, 창조적 삶과 이른바 현실 삶 사이에 우리가 세운 거짓된 경계에 대해 예리하게 인식하고 있습니다.

John Armleder - Haejangguk, 2016, 캔버스에 혼합 재료, 59 1/10 × 84 3/5 인치, 150 × 215 cm, 작가 및 알민 레쉬 갤러리 제공 © Annik Wetter

그의 철학은 수집가들에게 가장 잘 알려진 점, 붓질, 물웅덩이 그림에서 살아 있습니다. 그는 이 작품들을 직관적으로 만듭니다. 겉보기에는 질서 정연한 점들과 붓질 선들이 혼란스러운 물웅덩이 그림과 자유롭게 섞입니다. 이들은 쌍화첩과 삼화첩으로 결합되어 서로를 거스르지 않는 미학적 상반성을 이룹니다. 이들은 화가가 탐구할 수 있는 시각적 가능성의 우주를 말해줍니다. 특히 붓질 그림은 플럭서스의 태도를 날카롭게 표현합니다. 암레더는 색이나 재료의 유사성에 상관없이 다양한 페인트를 캔버스 위에 붓습니다. 그것들은 원시적 수프처럼 부글부글 끓고 뒤섞입니다. 페인트는 화학 반응으로부터 흘러나오고 터져 나옵니다. 결과물은 의도된 행위와 의도치 않은 결과가 공존하는 이미지입니다. 그것은 신비와 실험의 그림입니다. 정의할 수 없습니다. 그저 John Armleder일 뿐입니다. 그저 플럭서스일 뿐입니다. 그저 예술일 뿐입니다.

대표 이미지: John Armleder-Calcareus Sponge, 2016, 캔버스에 혼합 재료, 88 3/5 × 110 1/5 인치, 225 × 280 cm

모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용되었습니다

필립 Barcio 작성