리차드 아누스키에비츠가 옵 아트의 주요 세력이었던 이유

예술 운동은 결코 사라지지 않는다. 그들은 단지 잠을 자다가 새로운 천재가 그들을 다시 깨워 과거의 대가들이 남긴 자리를 이어받을 수 있도록 한다. 또는 때때로, 드문 경우인 옵 아트처럼, 그 중 가장 지속적인 선구자 중 한 명인 리차드 아누스키에비츠 덕분에 예술 운동은 세대에서 세대로 중단 없이 나아갈 수 있는 특권을 부여받는다. 옵 아트는 1960년대에 등장했으며, 결코 사라진 적이 없다. 브리짓 라일리와 함께 아누스키에비츠는 2020년까지 그 운동의 살아있는 전설 중 한 명이었다. 예일 대학교에서 요제프 알버스의 제자였던 아누스키에비츠는 예술에서 개인적인 감정과 드라마에서 객관적인 형식적 관계의 탐구로의 경향의 최전선에 있었다. 그리고 그 관계가 우리의 눈과 마음에 미치는 영향을 탐구했다. 아누스키에비츠가 동시대 작가들 중에서 두드러진 이유와 그들 대부분이 은퇴한 후에도 그가 여전히 관련성을 유지할 수 있었던 이유는 그의 작품의 탁월함뿐만 아니라 그것이 만들어진 진지함과 겸손함 때문이다.

색상 발견

리차드 아누스키에비치에 대한 가장 사랑스러운 이야기 중 하나는 그의 첫 번째 개인 전시회가 뉴욕시에서 열렸던 것입니다. 이야기는 아누스키에비치가 클리블랜드 예술 대학에서 미술 학사 학위를 취득한 오하이오에서 시작됩니다. 그 학교에서의 다섯 번째이자 마지막 해에 그는 유럽에서 미술을 공부할 수 있는 펠로우십을 받았습니다. 그러나 유럽에 대한 관심이 없다고 조언자에게 표현한 후, 그는 대신 디트로이트 외곽의 진보적인 미술 학교인 크랜브룩이나 예일에서 대학원 과정을 추구하라는 권유를 받았습니다. 요제프 알버스, 바우하우스에 뿌리를 둔 유명한 색채학자가 예일에 있다는 사실을 알게 된 아누스키에비치는 그곳으로 가기로 선택했습니다. 그의 선택에 대해 그는 나중에 색상이 자신의 작업에서 가장 부족한 부분이라고 느꼈다고 설명했습니다.

알버스는 천재로 여겨졌고 지금도 여전히 그렇게 여겨지지만, 그는 보편적으로 사랑받는 교사는 아니었다. 많은 학생들이 그의 수업을 임의적이고 지루하며, 심지어 쓸모없다고 느꼈다. 그러나 알버스는 학생들이 어떻게 생각하는지 신경 쓰지 않았다. 그는 색상 관계를 이해하는 것의 본질적인 가치를 믿었기 때문에 그것만을 가르쳤다. 만약 학생이 이해하지 못하거나 관심을 보이지 않더라도 알버스에게는 모두 같았다. 그러나 아누스키에비치는 알버스가 가르치는 것의 중요성을 완전히 이해한 드문 학생이었다. 그는 수업에서 뛰어난 성과를 보였다. 그는 알버스의 설득으로 구상화를 포기하고, 색상의 힘을 진정으로 탐구하는 유일한 방법은 그것을 작품의 중심 주제로 삼는 것이라는 것을 받아들였다. 그러나 아누스키에비치에게는 하나의 중심 문제가 남아 있었는데, 그것은 알버스가 지닌 강력한 개성의 무게 아래에서 그의 학생들이 개별적인 스타일을 발전시키는 것이 거의 불가능하다는 것이었다.

Richard Anuszkiewicz - Rosafied; and Veridified, 1971, Two screenprints in colors, on wove paper, with full margins, 36 × 26 in, 91.4 × 66 cm, © Richard Anuszkiewicz

마지막 순간의 성공

예일 대학교에서 석사 과정을 마친 후, 아누스키에비치는 가르칠 의향이 있을 경우를 대비해 교육학 추가 학위를 취득하기 위해 오하이오로 돌아가는 이례적인 결정을 내렸다. 그곳에서 그는 알버스의 영향에서 벗어나 자신의 스타일에 도달했다. 그것은 색상과 형태 간의 관계가 어떻게 눈을 속이고 마음이 존재하지 않는 것을 보게 할 수 있는지를 탐구하는 것이었다. 그는 이 경험이 초월적이고 사색적이며 그 역설이 시적이라고 느꼈다. 교육학 학위를 마친 후, 아누스키에비치는 처음으로 강력하고 독특한 아이디어와 자신의 작업의 좋은 예들을 많이 가지고 있다고 느꼈다. 그래서 그는 뉴욕으로 이사하여 자신의 작품을 갤러리스트들에게 보여주기 시작했다. 그러나 많은 사람들이 그의 작업을 흥미롭게 생각했음에도 불구하고, 어떤 갤러리스트도 그것을 전시하는 데 위험을 감수하고 싶어하지 않았다. 그것은 1957년이었다. 추상 표현주의가 여전히 유행하고 있었다. 딜러들은 아누스키에비치가 제작한 평면적이고 다채로운 하드 엣지 작품이 팔릴지 확신하지 못했다.

안우스키에비치가 결국 칼 룬데에 의해 더 컨템포러리즈 갤러리에서 계약된 것은 2년이 걸렸다. 룬데는 그에게 1960년 3월에 개인전을 제안했다. 그 전시는 놀랍도록 많은 관객이 참석했다. 많은 비평가와 수집가들이 그의 작품에 대해 기쁘게 이야기했다. 그러나 다른 모든 딜러들이 예측한 대로, 아무도 구매하지 않았다. 사실, 거의 모든 전시가 단 한 건의 판매도 없이 지나갔고, 거의 마지막 날에 한 구매자가 들어왔다: 현대 미술관의 관장인 알프레드 F. 바르 주니어였다. 바르는 형광 보색이라는 그림을 구입했고, 그 해 후에 MoMA에서 다른 최근 작품들과 함께 전시했다. 시계처럼 다른 수집가들도 안우스키에비치의 작품을 사기 시작했으며, 그 중에는 넬슨 록펠러와 같은 도시에서 가장 부유한 수집가들도 포함되었다.

Richard Anuszkiewicz - Fluorescent Complement, 1960, Oil on canvas, 36 x 32 1/4 in (91.5 x 82 cm), MoMA Colection, © Richard Anuszkiewicz

MoMA 효과

형광 보완의 존재는 MoMA에서 추상 표현주의가 잠시 휴식을 취할 시간임을 대중에게 알렸습니다. 다음 해, Whitney에서는 미국의 기하학적 추상화, 전시가 열렸고, 여기에는 Anuszkiewicz의 그림이 포함되었습니다. 그리고 MoMA는 "주로 시각적 강조"에 전념하는 주요 전시회를 발표했습니다. 그 주요 전시회는 반응하는 눈이라고 불렸고, 결국 수많은 예술가들의 작품이 포함되어 Op Art라는 용어의 의미를 확립했습니다. 그리고 빅토르 바사렐리와 브리짓 라일리와 함께 Anuszkiewicz는 이 전시회에서 가장 중요한 예술가 중 한 명으로 떠올랐습니다.

바자렐리를 구분짓는 것은 그의 빛과 어둠에 대한 숙련도였고, 라일리를 구분짓는 것은 그녀의 선에 대한 숙련도였으며, 아누스키에비츠를 구분짓는 것은 그의 색상 관계에 대한 숙련도였다. 그러나 세 사람 모두를 구분짓는 또 다른 요소가 있다—그들의 진지함이다. 그들은 모두 내재된 호기심과 헌신을 가지고 있다. 그리고 아누스키에비츠는 그의 겸손함으로도 특별했다. 작가들이 그의 업적에 대해 극찬할 때, 그는 "두 가지 색을 함께 놓으면 무언가가 일어난다. 그것은 효과가 있다"와 같은 말을 한다. 그는 자신의 작품의 탁월함과 힘을 낮추며, 단순히 색상과 형태가 다양한 상황에서 변화한다는 개념으로 돌아가고, 그러한 변화를 숙고하는 것이 인간에게 우리가 보고 있는 것이 실제인지 확실하지 않다는 것을 상기시킬 수 있다고 말했다.

Richard Anuszkiewicz - Unnumbered (Annual Edition), 1978, Paint and screenprint on masonite, 4 × 4 in, 10.2 × 10.2 cm, Loretta Howard Gallery, New York City, New York © Richard Anuszkiewicz

특집 이미지: 리차드 아누스키에비치 - 제목 없음 (연례판), 1980, 메이슨라이트에 스크린프린트, 5 3/4 × 5 3/4 인치, 14.6 × 14.6 cm. © 리차드 아누스키에비치
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