리차드 아누스키에비츠가 옵 아트의 주요 세력이었던 이유
예술 운동은 결코 사라지지 않습니다. 단지 새로운 천재가 그들을 깨워 과거 거장들이 남긴 자취를 이어가도록 잠시 잠들 뿐입니다. 때로는, 옵 아트처럼 드문 경우에는, 가장 오래도록 활동한 선구자 중 한 명인 리처드 아누슈키비치 덕분에 예술 운동이 세대를 거쳐 끊임없이 발전할 수 있는 특권을 누리기도 합니다. 옵 아트는 1960년대에 등장했으며, 결코 사라지지 않았습니다. 브리짓 라일리와 함께 아누슈키비치는 2020년까지 그 운동의 살아있는 전설 중 한 명이었습니다. 예일에서 요제프 알버스의 제자였던 아누슈키비치는 예술에서 개인의 감정과 극적인 표현에서 벗어나 객관적인 형식 관계와 그 관계가 우리의 눈과 마음에 미치는 영향을 탐구하는 흐름의 선두에 있었습니다. 아누슈키비치가 동시대 예술가들 사이에서 돋보였고 대부분이 그만둔 후에도 계속 주목받을 수 있었던 이유는 그의 작품의 탁월함뿐 아니라 그것을 만드는 데 보여준 진지함과 겸손함에 있었습니다.
색을 발견하다
리처드 아누슈키비치에 관한 가장 사랑스러운 이야기 중 하나는 그의 첫 개인전이 뉴욕에서 열린 이야기입니다. 이야기는 오하이오에서 시작되는데, 아누슈키비치는 클리블랜드 미술학교에서 학사 학위를 받았습니다. 그 학교에서 마지막 5학년 때 유럽에서 미술을 공부할 수 있는 장학금을 받았지만, 유럽에 관심이 없다고 지도교수에게 말하자 대신 디트로이트 외곽의 진보적인 미술학교인 크랜브룩이나 예일에서 대학원 과정을 밟으라는 권유를 받았습니다. 바우하우스 출신의 유명한 색채학자 요제프 알버스가 예일에 있다는 사실을 알고 아누슈키비치는 예일을 선택했습니다. 그는 나중에 자신의 선택에 대해 색채가 자신의 작품에서 가장 부족한 부분이라고 느꼈기 때문이라고 설명했습니다.
알버스는 천재로 여겨졌지만, 모두가 좋아하는 교사는 아니었습니다. 많은 이들이 그의 수업을 임의적이고 지루하며 쓸모없다고 생각했습니다. 그러나 알버스는 학생들의 생각에 개의치 않았습니다. 그는 색채 관계를 이해하는 것의 본질적 가치를 믿었기에 그것만을 가르쳤습니다. 학생이 이해하지 못하거나 관심을 보이지 않아도 상관하지 않았습니다. 하지만 아누슈키비치는 알버스가 가르치는 것의 중요성을 완전히 이해한 드문 학생이었습니다. 그는 수업에서 뛰어났고, 알버스의 설득으로 인물화를 포기하며 색채의 힘을 진정으로 탐구하려면 색을 작품의 중심 주제로 삼아야 한다는 것을 받아들였습니다. 그러나 아누슈키비치에게는 한 가지 큰 문제가 남아 있었는데, 그것은 알버스가 가진 강력한 인격 때문에 학생들이 개별적인 스타일을 발전시키기 거의 불가능했다는 점입니다.
리처드 아누슈키비치 - Rosafied; and Veridified, 1971, 두 점의 색판화, 평판지에, 전체 여백 포함, 36 × 26 인치, 91.4 × 66 센티미터, © 리처드 아누슈키비치
막판 성공
예일에서 석사 학위를 마친 후, 아누슈키비치는 가르칠 경우를 대비해 교육학 학위를 추가로 받기 위해 오하이오로 돌아가는 이례적인 선택을 했습니다. 알버스의 영향에서 벗어난 그곳에서 그는 자신만의 스타일을 발견했습니다. 그것은 색과 형태 사이의 관계가 어떻게 눈을 속이고 마음이 존재하지 않는 것을 보게 만드는지 탐구하는 것이었습니다. 그는 이 경험을 초월적이고 사색적이며 그 역설을 시적으로 여겼습니다. 교육학 학위를 마친 후, 아누슈키비치는 처음으로 강력하고 독특한 아이디어와 훌륭한 작품 예시를 갖게 되었다고 느꼈습니다. 그래서 뉴욕으로 이주해 갤러리 관계자들에게 작품을 보여주기 시작했습니다. 많은 이들이 작품에 흥미를 느꼈지만, 갤러리들은 전시를 맡으려 하지 않았습니다. 1957년이었고, 추상 표현주의가 여전히 유행이었기 때문입니다. 딜러들은 아누슈키비치가 만든 평면적이고 다채로운 경계가 뚜렷한 작품들이 팔릴지 확신하지 못했습니다.
아누슈키비치는 2년 후에야 The Contemporaries 갤러리의 칼 룬데에게 계약을 맺었습니다. 룬데는 1960년 3월에 개인전을 제안했고, 그 전시는 대단히 많은 관객을 끌어모았습니다. 많은 평론가와 수집가들이 작품에 대해 기쁘게 이야기했지만, 다른 딜러들이 예측한 대로 아무도 작품을 사지 않았습니다. 거의 전시 기간 내내 판매가 없었으나, 마지막 날에 한 명의 구매자가 나타났습니다. 바로 현대미술관(MoMA) 관장 알프레드 F. 바 주니어였습니다. 바는 Fluorescent Complement라는 작품을 구입했고, 그해 말 MoMA에서 다른 신작들과 함께 전시했습니다. 이후 다른 수집가들, 특히 도시의 부유한 수집가인 넬슨 록펠러 같은 이들이 아누슈키비치의 작품을 사들이기 시작했습니다.
리처드 아누슈키비치 - Fluorescent Complement, 1960, 캔버스에 유화, 36 x 32 1/4 인치 (91.5 x 82 센티미터), MoMA 소장, © 리처드 아누슈키비치
MoMA의 영향
MoMA에 Fluorescent Complement가 전시된 것은 대중에게 추상 표현주의가 잠시 쉬어야 할 때임을 알리는 신호였습니다. 다음 해 휘트니 미술관은 미국의 기하학적 추상전을 개최했고, 아누슈키비치의 작품도 포함되었습니다. 이어 MoMA는 “주로 시각적 강조”에 초점을 맞춘 대규모 전시회를 예고했습니다. 그 전시회는 반응하는 눈이라는 이름으로 열렸으며, 수많은 예술가들의 작품을 포함해 옵 아트라는 용어의 의미를 확고히 했습니다. 그리고 빅터 바자렐리와 브리짓 라일리와 함께 아누슈키비치는 전시회의 가장 중요한 예술가 중 한 명으로 떠올랐습니다.
바자렐리를 구별 짓는 것은 빛과 어둠의 숙련된 조절, 라일리는 선의 숙련, 그리고 아누슈키비치는 색채 관계의 숙련입니다. 그러나 이 세 사람을 구별 짓는 또 다른 점은 그들의 진지함입니다. 세 사람 모두 본질적인 호기심과 헌신을 지니고 있습니다. 아누슈키비치는 겸손함으로도 특별했습니다. 작가들이 그의 업적을 칭송할 때도 그는 “두 가지 색을 함께 놓으면 무언가가 일어난다. 그것은 효과가 있다”고 말하며 자신의 작품의 탁월함과 힘을 겸손하게 축소했습니다. 그는 색과 형태가 상황에 따라 변한다는 개념으로 돌아가, 그러한 변화를 관찰하는 것이 우리가 보고 있는 것이 진짜인지 확신할 수 없다는 사실을 상기시켜 준다고 생각했습니다.
리처드 아누슈키비치 - Unnumbered (Annual Edition), 1978, 메이소나이트에 페인트와 판화, 4 × 4 인치, 10.2 × 10.2 센티미터, 로레타 하워드 갤러리, 뉴욕시, 뉴욕 © 리처드 아누슈키비치
대표 이미지: 리처드 아누슈키비치 - Untitled (Annual Edition), 1980, 메이소나이트에 판화, 5 3/4 × 5 3/4 인치, 14.6 × 14.6 센티미터. © 리처드 아누슈키비치
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