이번 주 최고의 구매 - 미국 추상 화가들의 작품!

최근 호프스트라 대학교 미술관에서 열린 미지의: 정보 시대의 미국 추상화 전시회는 미국 추상 예술가들 조직의 8명의 회원이 참여한 그룹 전시로, 미국 추상 미술에 대한 지속적이고 매혹적인 관심을 다시 한번 확인시켜 주었습니다. 앞으로의 한 해는 미국 추상 예술가들을 기념하는 시간이 될 것이며, 당신이 미국 추상 미술을 구매하기에 적절한 시기입니다!

오는 해에 미국 추상 화가들을 기리는 여러 행사 중에서 두 가지는 특히 주목할 만하다. 볼티모어 미술관(BMA)과 샌프란시스코 현대 미술관(SFMOMA)은 종합적인 조안 미첼 회고전을 공동 주최할 예정이다. 이 전시는 2020년 4월 볼티모어에서 개막하여 2020년 9월 샌프란시스코로 이동하고, 2021년 2월에는 뉴욕의 솔로몬 R. 구겐하임 미술관으로 옮겨간다. 또한, 테이트 모던은 헬렌 프랭켄탈러 재단에서 대여한 1951년부터 1977년까지의 다섯 작품을 2020년 11월 15일까지 전시할 예정이다. 미국 추상 미술의 이 세계적인 축제에 참여하여 미국 추상 화가들의 가장 놀라운 작품 10점을 공유해 보자.

Tracey Adams - (r) 진화 39

(r) evolution 39는 Adams의 음악 이론과 수학에 대한 매력을 깊이 반영하고 있으며, 이는 그녀가 보스턴의 뉴잉글랜드 콘서바토리에서 공부하던 시절로 거슬러 올라갑니다. (r) evolution 시리즈(2014-2015)에서 Adams는 패턴, 리듬, 음의 간격에 집중하고 점화를 사용하여 그녀가 공연의 감각이라고 설명하는 것을 표현합니다. 그녀는 여러 겹의 인카우스틱과 인카우스틱에 담근 일본 종이로 손으로 자른 원을 장착하여 각 점이 투명한 인카우스틱 매체로 덮이고 기름으로 칠해져 독특한 공간 깊이를 만들어냅니다. 철저한 계획과 자유로운 직관의 균형을 맞추며, 그녀의 계획된 그리드 구조는 그녀의 창의적 과정이 리드미컬하고 서정적인 표현으로 흐르면서 해체됩니다. Adams는 캘리포니아 카멜에서 살고 작업하는 추상 화가이자 판화가입니다.

Tracey Adams - (r) 진화 39, 2015. 색소가 포함된 밀랍, 오일 및 콜라주가 있는 나무 패널. 101. x 101.6 cm.

폴 벤크 - 반더부르트 플레이스

반더부르트 플레이스는 형식적 요소의 세심한 상호작용을 구현합니다 -- 형태, 색상 상호작용 및 페인트의 적용. 동시에 베흔케는 이러한 형식적 요소의 상호작용 내에서 두꺼움/얇음, 빠름/느림, 단단함/부드러움의 대조적인 이중성을 강조합니다. 초기 이미지와 페인트 적용은 혼란스럽고 소란스럽지만, 하드 엣지, 간소화된 형태와 평면적이고 밝은 색상이 과정 중에 나타나면서 형식적 로맨틱 현대미술의 상징적인 작품을 알립니다. 돌기, 기포 및 능선은 베흔케의 가장 개인적이고 (신체적인) 참여뿐만 아니라 그의 그림의 객체성을 명확하게 암시합니다. 베흔케는 형식을 우선시하는 추상 화가이며, 그는 뉴욕에서 살고 일합니다.

폴 벤크 - 반더부르트 플레이스, 2012. 아크릴화. 91.4 x 96.5 cm.

Macyn Bolt - 인터섹트 (블루)

이 아크릴 캔버스 작품은 전경/배경, 중심/가장자리, 내부/외부의 대조로 인해 만들어진 불편한 긴장을 드러냅니다. 이 대조는 시각적 수수께끼를 만들어내는 다양한 형태로 구현됩니다. 수수께끼 자체는 해결할 것이 아니라 해석의 자선과 독특한 지각적 도전을 제공하기 위한 것입니다. Bolt의 건축적 도식에서 비롯된 기하학적 어휘는 그의 작업을 이해하기 위한 의미적 틀을 설정합니다. 따라서 공간적 관계와 색상과 형태 간의 상호작용에 의해 불러일으켜지는 그의 시각적 수수께끼는 관객을 사로잡고 그/그녀를 모호한 해석의 사색적 경험으로 끌어들입니다. Bolt는 색상과 형태가 시각적 지각에 미치는 영향을 탐구하는 그의 예술 작품으로 찬사를 받고 있습니다. 그는 뉴욕과 펜실베이니아에서 살고 일하고 있습니다.

Macyn Bolt - 인터섹트 (블루), 2017. 아크릴화, 캔버스. 96.9 x 122 cm.

Holly Miller - 샤우트 2

'Shout 시리즈는 현대 미국 사회의 모순에 대한 반응으로 발생하는 원한과 불안을 섬세하게 내포하고 있습니다. 그러나 Miller는 조각, 회화, 드로잉의 독특한 혼합을 사용하여 보다 낙관적이고 긍정적인 감정을 전달하려고 합니다. 그녀는 실로 엮인 선을 사용하여 형태를 방해하고 연결을 방지하는 물리적 장벽을 강조하며, 투명성은 관객이 선을 통해 그려진 표면으로 들어갈 수 있게 합니다. Shout 2는 Miller의 경험, 생각, 감정을 세심하게 해부한 작품으로, 그녀의 작업의 본질인 진정한 개인 언어를 창조합니다. Miller는 추상 언어를 통해 시각적 요소와 촉각적 요소를 융합하려고 노력하는 추상 예술가입니다. 그녀는 뉴욕에서 살고 일하고 있습니다.'

Holly Miller - 샤우트 2, 2017. 아크릴, 그래파이트 및 실로 캔버스에 그린 작품. 91.5 x 91.5 cm.

Melissa Meyer - 앰배서드 47

'Ambassade 47'은 Meyer가 암스테르담에서 가장 좋아하는 호텔의 이름을 딴 수채화 시리즈 'Ambassade'의 일부입니다. 그녀의 작품은 제3세대 추상 표현주의자들과 연관되어 있으며, 그녀의 본능적이고 직관적인 회화 접근 방식을 반영합니다. 그녀는 색상, 자국 또는 제스처의 짧은 인상에서 영감을 받아 색상과 선의 최종 경계를 탐구하는 작업을 합니다. 이 생생하고 다채로운 작품은 그녀의 가장 개인적인 감정과 현실의 일시적인 본질을 전달하며, 강렬하고 매혹적인 미적 언어를 표현합니다. Meyer는 뉴욕에서 살고 일하는 다양한 작품을 가진 추상 화가이자 판화가입니다.'

Melissa Meyer - 암바사드 47, 2007. 핫 프레스 종이에 수채화. 50.8 x 81.3 cm.

Yari Ostovany - 오르케보 11

이 새로운 시리즈는 프랑스 샤토 도르크바의 레지던시 성에서 이름을 따왔으며, 서양과 동양의 예술, 전통 및 영성을 신비롭게 집합합니다. Orquevaux 11은 빛, 색상, 질감 및 공간과 같은 형식적 요소의 연금술적 변형을 복잡한 구성에 내재시켜 그 전체성이 부분을 초월합니다. Ostovany의 문화적으로 다양한 배경은 그의 추상 표현주의 및 색면 회화에 대한 예술적 고수에 영향을 미쳐 서로 다르지만 깊이 보완적인 예술 작품을 만들어냅니다. Ostovany는 변형과 화체성 탐구를 반영하는 풍부한 질감의 층이 있는 색면 회화를 창조합니다. Ostovany는 이란 태생의 미국 추상 예술가로, 테헤란, 쾰른, 로스앤젤레스, 뉴욕, 그리고 리노에서 살았습니다. 그는 현재 샌프란시스코에서 살고 작업하고 있습니다.

Yari Ostovany - 오르케바우 11, 2018. 아크릴화, 캔버스. 152 x 108 cm.

Clay Johnson - 거짓말하는 네덜란드인 #4

Johnson의 아크릴과 나무를 사용한 몰입감 있고 철저한 기법은 그의 독특한 회화 접근 방식을 드러냅니다. 영감이 없다고 굳게 믿는 그는 자신의 예술을 진화로 보고, 그의 각 작품을 이전 미적 결정에 대한 일련의 비판적 반응의 결과로 간주합니다. 그는 하나 이상의 수평선을 테이프로 가리고 직관적으로 하나의 색상을 선택하여, 그 색상이 전체 구성을 이끌어 나가도록 합니다. 색상, 선, 질감은 나타나기만 하여 파괴되며, 이는 새로운 예기치 않은 시각적 발견을 위한 공간을 만듭니다. 결국, Lying Dutchman #4는 존슨의 작업에서 가장 중요한 부분을 드러냅니다 -- 그는 자신의 창작의 내러티브를 발전시켜 메타 해석에 열려 있습니다. 나무와 같은 단단한 표면은 그가 자신의 방법을 완전한 강도로 사용할 수 있게 해주며, 아크릴은 빠른 건조 시간과 즉각적이고 예기치 않은 반응을 보장합니다. Johnson은 그의 축소주의적 구성으로 알려진 추상 화가이며, 와이오밍주 라라미에서 살고 일하고 있습니다.

Clay Johnson - 라이잉 더치맨 #4, 2019. 아크릴, 나무 패널. 91.44 x 91.44 cm.

Jessica Snow - 유한체

다재다능한 다학제 예술가인 Snow는 그녀의 독특하고 다채롭고 유쾌한 기하학을 전달하기 위해 종이에 아크릴을 선택합니다. Finite Field는 유쾌한 형태와 설득력 있는 색상, 유기적인 제스처 선, 기하학적 및 선형 형태 간의 독특한 조합을 포착합니다. Snow는 풍경과 여전히 경로를 결정 중인 추상화된 세일보트에서 영감을 받았지만, 그린 형태가 단순화된 항구, 덤불 또는 추상 형태와 관련이 있는지는 관객이 해석하도록 남겨두었습니다. 그녀는 자신의 작품이 해석에 열려 있기를 선호하며, 여러 가지 읽기를 장려하고 각 관객을 그의/그녀의 고유한 기호학적 우주에 몰입시킵니다. Snow는 현재 샌프란시스코 대학교에서 회화, 드로잉 및 미술사를 가르치는 다학제 예술가입니다.

Jessica Snow - 유한 필드, 2016. 아크릴 종이에. 45 x 38 cm.

Anya Spielman - 에플로레세

에플로레스는 사랑과 폭력 사이의 깊고 모호한 긴장을 포착하며, 부서지고 피를 흘리는 꽃들의 생생하고 강렬한 표현으로 드러납니다. Spielman의 포화된 표면은 빛나며, 동시에 광택과 매트 층이 교차합니다; 빨강과 분홍은 살과 피를 나타내고, 그녀의 팔레트에서 연한 크림색, 노란색, 주황색은 신체의 체액을 떠올리게 합니다. 색의 이러한 육체적 표현은 거친 손톱 자국과 흉터에 의해 해체되어, 해독된 아이디어와 이미지를 그림 깊숙이 새깁니다. Spielman은 이분법적 힘과 형태를 탐구하는 것으로 유명하며, 로스앤젤레스 지역에서 살고 일하고 있습니다.

Anya Spielman - 에플로레세, 2009. 종이에 유화. 73.7 x 104.2 cm.

Tom McGlynn - 설문조사 2

이 아크릴 작품은 파브리아노 종이에 그려진 것으로, 2012년에 시작된 진행 중인 시리즈의 일부입니다. 이 작품은 행동 테스트와 현대 이미지의 스캔 문제를 느슨하게 언급합니다. 이 해석적 수수께끼는 엄격한 지시를 벗어나며, 관람객을 확산된 의미에 대한 사색적 탐구로 유도합니다. McGlynn은 기호, 로고, 건축 패턴 및 기타 현대 시각 패턴과 형태가 우리의 (비)의식 깊숙이 숨겨진 잔여 의미를 어떻게 유발할 수 있는지를 탐구합니다. 그의 형식주의적 또는 더 정확히 말하자면 포스트 미니멀리즘 접근법은 의미의 암묵적인 복잡성을 수반합니다. 맥글린의 작품은 강렬하게 손으로 그려졌으며, 정밀하고, 예술가의 존재론적 경험을 전달하기 위해 직사각형 형식에 의존합니다. McGlynn은 뉴욕시 지역에 거주하는 추상 예술가이자 독립 큐레이터, 작가입니다.

Tom McGlynn - 서베이 2, 2013. 아크릴, 파브리아노 종이. 55.8 x 83.8 cm.

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