De Glorieuze Austeriteit van Ben Nicholson

Toen Ben Nicholson in 1982 op 88-jarige leeftijd overleed, liet hij een ingewikkeld nalatenschap achter in zijn vaderland Engeland. Enerzijds worden zijn abstracte reliëfs door de meeste Britse geleerden beschouwd als het toppunt van het Britse modernisme. Anderzijds had Nicholson de reputatie een beetje een toneelspeler te zijn—een kunstenaar die vaak en strategisch van stijl veranderde om relevant te blijven op de markt. De ene dag maakte hij een abstract reliëf, maar als dat niet verkocht werd, schakelde hij de volgende dag weer over op het schilderen van een prachtig landschap. Welke versie van Nicholson het dichtst bij de werkelijkheid ligt, blijft in Groot-Brittannië een fel bediscussieerd onderwerp telkens wanneer er een overzichtstentoonstelling van zijn werk verschijnt. Voor kijkers buiten Groot-Brittannië is de vraag echter puur academisch. Internationaal gezien is de kern dat Nicholson met zijn reliëfschilderijen iets unieks toevoegde aan de geschiedenis van de modernistische abstracte kunst—geen gemakkelijke prestatie voor wie dan ook. Zijn nalatenschap heeft niets te maken met de vraag of hij deze werken maakte omdat hij dacht dat ze zouden verkopen, of dat hij alleen strategisch te werk ging om te concurreren met zijn tijdgenoten. De reliëfs zijn simpelweg fenomenale voorbeelden van soberheid en precisie, en verdienen als zodanig lof. Juist hun soberheid en precisie zorgen er zelfs voor dat velen de reliëfs als typisch Brits omschrijven. Ze zijn als tastbare uitingen van het Britse verlangen om alles in de rommelige wereld terug te brengen tot iets eenvoudigs, helder en rechtlijnigs. Toch onthullen hun overbewerkte oppervlakken en obsessieve werkwijze misschien ook iets anders over de Britse cultuur—dat net onder het oppervlak van die publieke zoektocht naar soberheid een onderstroom van angst en obsessie schuilgaat.

De zoektocht naar vernieuwing

Nicholson werd in 1894 geboren in een familie die letterlijk overliep van artistiek talent. Zijn vader en moeder waren beiden schilders, en zijn grootmoeder van moederskant was de nicht van de kunstenaars Robert Scott Lauder en James Eckford Lauder. Niet alleen groeide Nicholson op tot kunstenaar, ook zijn zus werd dat, en zijn broer werd architect. In plaats van zich te wentelen in zijn artistieke erfgoed, zocht Nicholson echter afstand van wat hij zag als een ziekelijk romantische visie. Nicholson was een opkomend modernist. Hij wilde aspirerende werken maken die de meest ideale aspecten van de moderne wereld toonden. Met die aspiraties in gedachten schreef hij zich op 16-jarige leeftijd in bij de Slade School of Fine Art, de meest prestigieuze Britse kunstschool, in 1910. Maar hij gaf duidelijk de voorkeur aan biljarten boven de lessen, en stopte na één semester.

Ben Nicholson - moonshine, 1966. Ets op een gebruikte plaat (voorheen I.C.I. schuur, 1948). BAT proefdruk; met potlood ingeschreven 'bon a tirer BN'; met potlood op achterzijde ingeschreven 'artist's proof (moonshine)'; aantekeningen op achterzijde in potlood door een andere hand. 12 3/5 × 15 inch; 32 × 38 cm. Foto met dank aan Alan Cristea Gallery, Londen

Nicholson herinnerde zich later dat zijn beste kunstopleidingservaring kwam toen hij in 1917 naar de Verenigde Staten reisde. Tijdens een bezoek aan Californië kwam hij toevallig voor het eerst in aanraking met het synthetisch kubistische werk van Picasso. De verdeling van de werkelijkheid in vereenvoudigde massa’s en vlakken had een diepgaande invloed op Nicholson, die de rest van zijn werk in zijn leven aan die standaard afmat. Toch was het pas in 1924 dat hij zijn eerste abstracte compositie maakte. Getiteld “1924 (eerste abstracte schilderij, Chelsea),” had het een afmeting van 55,4 x 61,2 cm. Het olieverf- en potloodwerk op doek bestaat uit een rangschikking van gedempte, overlappende vierkanten en rechthoeken die licht schuin zijn geplaatst. Het oppervlak is schilderachtig maar ook vlak. Het lijkt te verwijzen naar geometrische composities van kunstenaars als Malevich en Mondriaan, maar de bescheiden materiële kwaliteiten geven het een veel minder academisch karakter dan de werken van die kunstenaars. Na het schilderen van deze compositie keerde Nicholson echter weer terug naar zijn landschappen en stillevens. Het zou nog tien jaar duren voordat hij de abstracte reliëfwerken maakte die hem beroemd zouden maken.

Ben Nicholson - Stilleven, 1962. Litho op papier. 18 1/2 × 26 inch; 47 × 66 cm. Foto met dank aan Frestonian Gallery, Londen

Zoete verlichting

Na Picasso was de kunstenaar die de diepste invloed op Nicholson had Barbara Hepworth. Nicholson en Hepworth begonnen rond 1931 met elkaar om te gaan. Hun band begon professioneel, maar groeide al snel uit tot een affaire, wat leidde tot de echtscheiding van Nicholson’s eerste vrouw. In tegenstelling tot Nicholson was Hepworth zeker van haar zoektocht naar abstractie. Ze geloofde volledig in de waarde van massa’s en vlakken, en wist dat een abstracte vorm volledig gewaardeerd kon worden om haar eigen materiële en formele kwaliteiten. Drie jaar na het begin van zijn relatie met Hepworth maakte Nicholson zijn eerste gesneden reliëfs. Om deze werken te maken sneed hij eenvoudige vormen zoals cirkels en vierkanten uit karton en plakte hij de kartonplaten op elkaar. De werken waren bedoeld om aan de muur te hangen, waarbij hun driedimensionale kwaliteiten de traditionele vlakheid van schilderkunst uitdaagden. Hij schilderde hun oppervlakken met gedempte tinten en schraapte de verf vervolgens obsessief weg met scheermesjes. Hij vergeleek dat proces met het zien van zijn moeder die als kind de keukentafel schrobde. De versleten esthetiek staat in contrast met de minimale precisie van de vormen, wat zowel dissonantie als evenwicht creëert.

Ben Nicholson - Olympisch fragment, 1966. Ets. 7 9/10 × 9 4/5 inch; 20 × 25 cm. Oplage van 60. Foto Osborne Samuel, Londen

Nicholson en Hepworth trouwden in 1938 en scheidden in 1951. Tijdens hun relatie ontwikkelde Nicholson zijn sobere, abstracte visie volledig. Zelfs na het einde van hun relatie bleef hij zijn geometrische reliëfs en sobere abstracte schilderijen maken. Maar er waren ook vele periodes waarin hij zich terugtrok in het comfort van figuratief werk. Misschien is het waar dat hij dat alleen deed om geld te verdienen, aangezien Britse verzamelaars destijds niet altijd enthousiast waren over abstracte kunst. Of misschien was Nicholson gewoon nieuwsgierig naar de wisselwerking tussen abstractie en figuratie. Hij zag zijn reliëfs misschien minder als abstractie op zich, maar als voorbeelden van het weglaten van versiering. In die zin probeerde hij misschien niet de figuratieve werkelijkheid los te laten, maar eerder de definitie ervan uit te breiden. Als dat zo is, dan tartte Nicholson, net als de constructivisten, elke stijl en bood hij in plaats daarvan een complexe esthetische visie die zijn eigen hoop op een nieuwere, meer gelaagde en eerlijkere wereld omvatte.

Afbeelding: Ben Nicholson - lange horizontale Patmos, 1967. Ets. Proefdruk van de kunstenaar; gesigneerd en gedateerd 'Nicholson 67'; met potlood op achterzijde ingeschreven. 'BN copy box artist's copy no 6'. 11 7/10 × 17 4/5 inch; 29,7 × 45,2 cm. Foto met dank aan Alan Cristea Gallery, Londen
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie gebruikt
Door Phillip Barcio