De Glorieuze Austeriteit van Ben Nicholson

Toen Ben Nicholson in 1982 op 88-jarige leeftijd overleed, liet hij een problematische erfenis achter in zijn thuisland Engeland. Enerzijds worden zijn abstracte reliëfs door de meeste Britse geleerden beschouwd als de belichaming van het Britse modernisme. Anderzijds had Nicholson de reputatie een beetje een hamer te zijn—een kunstenaar die vaak en strategisch van stijl veranderde om relevant te blijven voor de markt. De ene dag maakte hij een abstract reliëf, maar toen het niet verkocht, schakelde hij de volgende dag weer over naar het schilderen van een prachtig landschap. Welke versie van Nicholson het dichtst bij de werkelijkheid komt, blijft een fel bediscussieerd onderwerp in Groot-Brittannië wanneer er een retrospectief van zijn werk verschijnt. Voor kijkers buiten Groot-Brittannië is de vraag echter puur academisch. De bottom line internationaal is dat Nicholson met zijn reliëfschilderijen iets unieks heeft toegevoegd aan de geschiedenis van de modernistische abstracte kunst—geen gemakkelijke prestatie voor wie dan ook. Zijn erfenis heeft niets te maken met de vraag of hij deze werken maakte omdat hij dacht dat ze zouden verkopen, of dat hij alleen maar strategisch probeerde te zijn om te concurreren met zijn tijdgenoten. De reliëfs zijn simpelweg fenomenale voorbeelden van soberheid en precisie, en als zodanig verdienen ze het om verheerlijkt te worden. Het is precies hun soberheid en precisie die ervoor zorgen dat zoveel mensen de reliëfs als typisch Brits beschrijven. Ze zijn als concrete representaties van de Britse wens om alles in de rommelige wereld te reduceren tot iets eenvoudigs, helders en rechttoe rechtaan. Toch onthullen hun overbewerkte oppervlakken en obsessieve methodologie misschien ook iets anders over de Britse cultuur—dat net onder het oppervlak van die publieke zoektocht naar het sobere een onderstroom van angst en obsessie schuilgaat.

De Zoektocht naar Vernieuwing

Nicholson werd in 1894 geboren in een gezin dat letterlijk overliep van artistiek talent. Zijn vader en moeder waren beide schilders, en zijn grootmoeder van moederskant was de nicht van de kunstenaars Robert Scott Lauder en James Eckford Lauder. Niet alleen groeide Nicholson op tot een kunstenaar, maar ook zijn zus en zijn broer werd architect. In plaats van zich te verheugen in zijn artistieke erfgoed, zocht Nicholson echter afstand van wat, naar zijn mening, een walgelijk romantische visie was. Nicholson was een opkomende modernist. Hij wilde aspirerende werken creëren die de meest ideale aspecten van de moderne wereld toonden. Met die aspiraties in gedachten, schreef hij zich op 16-jarige leeftijd in aan de Slade School of Fine Art, de meest prestigieuze Britse kunstschool, in 1910. Maar hij gaf blijkbaar de voorkeur aan het spelen van biljart in plaats van naar de les te gaan, en stopte na één semester.

Ben Nicholson - maanlicht, 1966. Ets op een gebruikte plaat (voorheen I.C.I. schuur, 1948). BAT proef; in potlood ingeschreven 'bon a tirer BN'; in potlood op de achterkant ingeschreven 'artist's proof (maanlicht)'; aantekeningen in potlood op de achterkant in een andere hand. 12 3/5 × 15 in; 32 × 38 cm. Foto met dank aan Alan Cristea Gallery, Londen.

Nicholson herinnerde zich later dat zijn beste kunsteducatieve ervaring plaatsvond toen hij in 1917 naar de Verenigde Staten reisde. Tijdens een bezoek aan Californië kwam hij voor het eerst in aanraking met het synthetische kubisme werk van Picasso. De afbakening van de realiteit in vereenvoudigde massa's en vlakken had een diepgaande invloed op Nicholson, die de rest van het werk dat hij in zijn leven maakte met die standaard vergeleek. Toch was het pas in 1924 dat hij erin slaagde zijn eerste abstracte compositie te creëren. Getiteld “1924 (eerste abstracte schilderij, Chelsea),” had het een afmeting van 55,4 x 61,2 cm. Het olieverf- en potloodwerk op canvas bestaat uit een arrangement van gedempte, overlappende vierkanten en rechthoeken die onder een lichte hoek zijn gekanteld. Het oppervlak is schilderachtig maar ook vlak. Het lijkt te verwijzen naar geometrische composities van kunstenaars zoals Malevich en Mondrian, maar de bescheiden materiële kwaliteiten geven het een veel minder academische uitstraling dan de werken van die kunstenaars. Maar na het schilderen van deze compositie keerde Nicholson meteen terug naar zijn landschapschilderijen en stillevens. Het zou nog tien jaar duren voordat hij zou aankomen bij de abstracte reliëfwerken die hem beroemd zouden maken.

Ben Nicholson - Stilleven, 1962. Lithografie op papier. 18 1/2 × 26 in; 47 × 66 cm. Foto met dank aan Frestonian Gallery, Londen

Zoete opluchting

Na Picasso had de kunstenaar die de meest diepgaande invloed op Nicholson had, Barbara Hepworth. Nicholson en Hepworth begonnen rond 1931 met socialiseren. Hun associatie begon professioneel van aard, maar groeide al snel uit tot een affaire, wat leidde tot de scheiding van zijn eerste vrouw. In tegenstelling tot Nicholson was Hepworth zelfverzekerd over haar zoektocht naar abstractie. Ze geloofde puur in de waarde van massa's en vlakken, en wist dat een abstracte vorm volledig gewaardeerd kon worden om zijn eigen materiële en formele kwaliteiten. Drie jaar na de start van zijn relatie met Hepworth maakte Nicholson zijn eerste gegraveerde reliëfs. Om deze werken te creëren, snijd hij eenvoudige vormen zoals cirkels en vierkanten uit karton en plakte vervolgens de kartonnen vellen op andere vellen karton. De werken waren ontworpen om aan de muur te hangen, waarbij hun driedimensionale kwaliteiten de traditionele platheid van schilderkunst uitdaagden. Hij schilderde hun oppervlakken met gedempte tinten en schraapte vervolgens obsessief de verf met scheermesjes weg. Hij vergeleek dat proces met het zien van zijn moeder die als kind de keukentafel schrobde. De versleten esthetiek staat in contrast met de minimale precisie van de vormen op manieren die zowel dissonantie als balans creëren.

Ben Nicholson - Olympisch Fragment, 1966. Ets. 7 9/10 × 9 4/5 in; 20 × 25 cm. Editie van 60. Foto Osborne Samuel, Londen

Nicholson en Hepworth trouwden in 1938 en scheidden in 1951. Tijdens hun relatie heeft Nicholson zijn vereenvoudigde, abstracte visie volledig ontwikkeld. Zelfs nadat hun relatie eindigde, bleef hij zijn geometrische reliëfs en vereenvoudigde abstracte schilderijen maken. Maar er waren ook veel periodes waarin hij terugkeerde naar het comfort van representatief werk. Misschien is het waar dat hij dit alleen deed om geld te verdienen, aangezien Britse verzamelaars destijds niet altijd enthousiast waren over het ondersteunen van abstracte kunst. Of misschien was Nicholson gewoon nieuwsgierig naar de onderlinge relatie tussen abstractie en figuur. Hij zag zijn reliëfs misschien minder als abstractie op zich, maar als voorbeelden van de eliminatie van ornament. In dat opzicht probeerde hij misschien niet representatieve realiteit te verlaten, maar was hij eerder bezig de definitie ervan uit te breiden. Als dat het geval is, dan tartte Nicholson, net als de Constructivisten, elk gevoel van stijl en bood hij in plaats daarvan een complexe esthetische visie die zijn eigen hoop omvatte voor een meer nieuwe, gelaagde en eerlijkere wereld.

Uitgelichte afbeelding: Ben Nicholson - lange horizontale Patmos, 1967. Ets. Proefdruk van de kunstenaar; gesigneerd en gedateerd 'Nicholson 67'; op de achterkant in potlood ingeschreven. 'BN copy box kunstenaarskopie nr 6'. 11 7/10 × 17 4/5 in; 29,7 × 45,2 cm. Foto met dank aan Alan Cristea Gallery, Londen.
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio