De Vreugde van de Kleurrijke Abstracte Kunst in de Mnuchin Gallery

De Mnuchin Gallery in New York toont momenteel The Joy of Color, een feestelijke groepstentoonstelling van kleurrijke abstracte kunst van 1939 tot 2018. De tentoonstelling biedt een unieke blik op de vele manieren waarop kunstenaars kleur mobiliseren als zowel inhoud als concept. Het bevat werk van veel van de historisch belangrijke kunstenaars die de galerie vertegenwoordigt, zoals Alexander Calder, Joan Mitchell, Mark Rothko, Morris Louis en Sam Gilliam, naast dat van baanbrekende kunstenaars uit de 20e eeuw zoals Helen Frankenthaler, Alma Thomas, Kenneth Noland en Jack Bush. Ook zijn er schilderijen van vitale hedendaagse kunstenaars zoals Laura Owens en Sean Scully en relatief nieuwe kunstenaars zoals Sarah Crowner en Nathlie Provosty. Voor sommige New Yorkers zou deze tentoonstelling de perfecte gelegenheid kunnen zijn om terug te keren naar de Mnuchin-ruimte. Terug in 2016 publiceerde kunstcriticus Jerry Saltz van New York Magazine een tirade met de titel "Waarom ik niet meer naar de Mnuchin Gallery ga." Hij noemde Steven Mnuchin—de zoon van galerie-eigenaar Robert Mnuchin—die werd benoemd tot Campagnefinancieringshoofd voor de toenmalige presidentiële kandidaat Donald Trump als zijn reden. Sinds dat stuk verscheen, werd Steven Mnuchin benoemd tot de Amerikaanse minister van Financiën. Om redenen die niets met kunst te maken hebben, en alles met ideologie, moedigde Saltz zijn lezers aan om de kunstverkopende vader te straffen voor de vermeende politieke zonden van de zoon. Dergelijke gefabriceerde drama's zijn belachelijk, maar desalniettemin zou iedereen die zich heeft laten beïnvloeden door de sociale druk moeten overwegen The Joy of Color de perfecte excuus te beschouwen om de galerie een nieuwe kans te geven. De tentoonstelling is meer als een wandeling door de moderne en hedendaagse sectie van een klein maar belangrijk museum dan een wandeling door een commerciële galerie. Het werk toont precies aan hoe abstracte kunst op zijn best de capaciteit heeft om petty politiek te overstijgen en nieuwe deuren van perceptie te openen naar wat mooi en betekenisvol is in deze wereld.

Kleur als strategie

De Vreugde van Kleur opent met een bescheiden Calder mobiel die aan het plafond hangt bij een trap. Rode, gele, witte en grijze abstracte vormen draaien zachtjes in de bries die door onze lichamen en adem wordt geproduceerd. Calder gebruikte kleur om mensen te laten nadenken over "het idee van losgekoppelde lichamen die in de ruimte zweven." Deze speelse gekleurde vormen bieden iets om van te genieten terwijl we nadenken over universele kwesties zoals natuurkunde en mechanica. Voorbij de mobiel flankeren twee kleine schilderijen aan weerszijden van een boog. Aan de linkerkant is "Lode" (2018) van Nathlie Provosty. Aan de rechterkant is er een ongetiteld kleurvlak van Mark Rothko, ca. 1959. Beide composities zijn gestructureerd, vlak en rechthoekig. Beide gebruiken subtiele kleurverschuivingen om de kijker uit te nodigen in een contemplatieve ervaring. Kleur is hier niet zozeer inhoud, maar eerder een toegangspunt tot een perceptuele ontmoeting met ons innerlijke wezen. Het schilderij van Provosty, vooral met zijn subtiele variaties van geel, onthult genuanceerde verschillen tussen schijnbaar vergelijkbare dingen—alleen door te generaliseren kunnen we het een monochroom noemen. Elke geel is niet hetzelfde.

Nathlie Provosty - Lode, 2018. Olie op linnen op aluminium paneel. 19 x 15 inch (48,3 x 38,1 cm). © Nathlie Provosty. Met dank aan Mnuchin Gallery

Andere schilderijen in de tentoonstelling die kleur gebruiken als een strategie om andere soorten inhoud te betrekken, zijn onder andere "Aleph Series V" (1960) van Morris Louis, "Landline Green Bolt" (2018) van Sean Scully, een ongetiteld schilderij van Laura Owens uit 2006, en een ongetiteld doek van Joan Mitchell uit 1958. Het schilderij van Louis trekt onze ogen aan met vibrerende kleurrelaties rond de rand, maar naarmate de kleuren in de duisternis in het midden samensmelten, worden we ons meer bewust van het oppervlak: het ongeprimed doek wordt één met de verf, net zoals de kleuren en vormen één met elkaar worden - alles smelt samen tot één. Het schilderij van Scully gebruikt kleur om ons te betrekken bij een overweging van penseelstreken en texturen, een uitnodiging om de materiële kwaliteiten van verf te waarderen. Het schilderij van Owens gebruikt kleur als een emotionele trigger. Het jubelende palet weerspiegelt de figuratieve aspecten van het werk, die plezier nemen in vrouwelijkheid, openheid en natuur. Ten slotte tonen de tumultueuze penseelstreken op het doek van Mitchell ons hoe kleur synoniem kan worden met stemming, en de diepste angst van de menselijke geest kan uitdrukken.

Sean Scully - Landline Green Bolt, 2018. Olie op aluminium. 85 x 75 inch (215,9 x 190,5 cm). © Sean Scully. Met dank aan Mnuchin Gallery

Kleur als ruimte

Veel schilderijen in The Joy of Color gebruiken kleur in een formelere zin, waarbij kleur wordt getoond als een effectieve creator en afbakenaar van visuele ruimte. "Nature’s Red Impressions" (1968) van Alma Thomas biedt een epische verduidelijking van dit concept. Van veraf verklaren de kleuren een lineaire structuur, die de visuele architectuur verdeelt in verticale balken. Bij nader onderzoek breken de kolommen uiteen in een veelheid van organische vormen. De witte ruimte tussen de vormen en kolommen bevestigt zich als een wereld voorbij het oppervlak. Een soortgelijke magie is aan het werk in "Strawberry" (1970) van Jack Bush. Een enorme, roze "U"-vorm weerkaatst met zijn tint de titel van het schilderij, terwijl een lichter roze achtergrond, bezaaid met donkere vlekken, dimensionaliteit vaststelt. Een complementaire kleurstaaf langs de onderkant van het doek vlakt de ruimte af en bedriegt het oog door een combinatie van een horizonlijn en een kinetische parade van geometrische vormen te laten voelen.

Alma Thomas - Natuur's Rode Indrukken, 1968. Acryl op canvas. 51 x 49 1/2 inch (129,5 x 125,7 cm). © Alma Thomas. Met dank aan Mnuchin Gallery

Onder de meest opvallende ruimtelijke composities in de tentoonstelling zijn "Elberta" (1975) van Helen Frankenthaler, "Mysteries: Aglow" (2002) van Kenneth Noland, en "The Wave (Urszula)" (2014) van Sarah Crowner. Frankenthaler creëert een enorme openheid in haar doorweekt geschilderde werk, waardoor het oog wordt geopend voor een uitgestrekt en stralend visueel universum; Noland bereikt het tegenovergestelde effect, door de ruimte te vereenvoudigen en te centraliseren met zijn vertrouwde doelwitsch compositie; Crowner organiseert de ruimte in harmonieuze dissonantie met vibrerende, biomorfe rode en oranje golfvormen. Toch komt de meest diepgaande creatie van ruimte van "Atmosphere" (1972) van Sam Gilliam. Zijn kenmerkende techniek van het afschuin van de randen van zijn oppervlak laat de kleuren ruimte creëren voorbij de fysieke grenzen van het werk. Het schilderij nodigt ons uit om ons af te vragen wat er ligt voorbij de grenzen van wat we kunnen zien - een vitaal probleem voor ons in dit tijdperk, en misschien zelfs iets waar meneer Saltz wel eens de galerie voor zou willen bezoeken om erover na te denken. The Joy of Color is te zien tot 8 december 2018.

Uitgelichte afbeelding: The Joy of Color - groepstentoonstelling in Mnuchin Gallery, New York, 2018. © Tom Powel Imaging. Met dank aan Mnuchin Gallery
Door Phillip Barcio