De Vreugde van de Kleurrijke Abstracte Kunst in de Mnuchin Gallery

Mnuchin Galerie in New York toont momenteel The Joy of Color, een feestelijke groepstentoonstelling van kleurrijke abstracte kunst uit de periode 1939 tot 2018. De tentoonstelling biedt een unieke blik op de vele manieren waarop kunstenaars kleur inzetten als zowel inhoud als concept. Er zijn werken te zien van veel historisch belangrijke kunstenaars die de galerie vertegenwoordigt, zoals Alexander Calder, Joan Mitchell, Mark Rothko, Morris Louis en Sam Gilliam, naast die van baanbrekende kunstenaars uit de 20e eeuw zoals Helen Frankenthaler, Alma Thomas, Kenneth Noland en Jack Bush. Ook zijn er schilderijen van vitale hedendaagse kunstenaars zoals Laura Owens en Sean Scully en relatief nieuwe namen als Sarah Crowner en Nathlie Provosty. Voor sommige New Yorkers kan deze tentoonstelling de perfecte gelegenheid zijn om terug te keren naar de Mnuchin ruimte. In 2016 publiceerde Jerry Saltz, kunstcriticus van New York magazine, een tirade getiteld “Why I Am Not going to the Mnuchin Gallery Anymore.” Hij gaf als reden dat Steven Mnuchin—zoon van galerie-eigenaar Robert Mnuchin—werd benoemd tot Campagnefinancieringschef voor toenmalig presidentskandidaat Donald Trump. Sinds dat artikel verscheen, werd Steven Mnuchin benoemd tot minister van Financiën van de Verenigde Staten. Om redenen die niets met kunst te maken hebben, maar alles met ideologie, spoorde Saltz zijn lezers aan om de kunstverkopende vader te straffen voor de vermeende politieke zonden van de zoon. Dergelijke verzonnen drama’s zijn belachelijk, maar toch zou iedereen die toegegeven heeft aan de sociale druk The Joy of Color als het perfecte excuus moeten zien om de galerie een nieuwe kans te geven. De tentoonstelling voelt meer als een wandeling door de moderne en hedendaagse afdeling van een klein maar belangrijk museum dan als een bezoek aan een commerciële galerie. De werken tonen precies hoe abstracte kunst op haar best de kracht heeft om kleingeestige politiek te overstijgen en nieuwe deuren te openen naar wat mooi en betekenisvol is in deze wereld.

Kleur als Strategie

The Joy of Color opent met een bescheiden Calder mobiel die aan het plafond hangt bij een trap. Rode, gele, witte en grijze abstracte vormen draaien zachtjes in de bries die onze lichamen en adem creëren. Calder gebruikte kleur om mensen aan het denken te zetten over “het idee van losgemaakte lichamen die in de ruimte zweven.” Deze speelse gekleurde vormen bieden iets om van te genieten terwijl men universele kwesties als natuurkunde en mechanica overdenkt. Naast de mobiel flankeren twee kleine schilderijen een boog. Links is “Lode” (2018) van Nathlie Provosty. Rechts hangt een ongetiteld kleurvlak van Mark Rothko, ca. 1959. Beide composities zijn gestructureerd, vlak en rechthoekig. Beide gebruiken subtiele kleurverschuivingen om de kijker uit te nodigen tot een contemplatieve ervaring. Kleur is hier niet zozeer inhoud, maar een toegangspunt tot een waarnemingsontmoeting met ons innerlijk wezen. Vooral het schilderij van Provosty, met zijn subtiele variaties van geel, onthult genuanceerde verschillen tussen schijnbaar gelijke dingen—alleen door te generaliseren kunnen we het een monochroom noemen. Niet elke geel is hetzelfde.

Nathlie Provosty - Lode, 2018. Olie op linnen op aluminium paneel. 19 x 15 inch (48,3 x 38,1 cm). © Nathlie Provosty. Met dank aan Mnuchin Galerie

Andere schilderijen in de tentoonstelling die kleur als strategie gebruiken om andere soorten inhoud aan te spreken zijn “Aleph Series V” (1960) van Morris Louis, “Landline Green Bolt” (2018) van Sean Scully, een ongetiteld schilderij van Laura Owens uit 2006, en een ongetiteld doek van Joan Mitchell uit 1958. Het schilderij van Louis trekt onze ogen met vibrerende kleurrelaties langs de rand, maar naarmate de kleuren in het midden samensmelten tot duisternis, worden we ons meer bewust van het oppervlak: het ongeprepareerde doek wordt één met de verf, net zoals de kleuren en vormen één worden met elkaar—alles smelt samen. Het schilderij van Scully gebruikt kleur om ons te betrekken bij een overdenking van penseelstreken en texturen, een uitnodiging om de materiële kwaliteiten van verf te waarderen. Het schilderij van Owens gebruikt kleur als een emotionele prikkel. Het uitbundige palet weerspiegelt de figuratieve aspecten van het werk, die plezier nemen in vrouwelijkheid, openheid en natuur. Ten slotte tonen de woelige penseelstreken op het doek van Mitchell hoe kleur synoniem kan worden met stemming, en de diepste angst van de menselijke geest uitdrukt.

Sean Scully - Landline Green Bolt, 2018. Olie op aluminium. 85 x 75 inch (215,9 x 190,5 cm). © Sean Scully. Met dank aan Mnuchin Galerie

Kleur als Ruimte

Veel schilderijen in The Joy of Color gebruiken kleur in een meer formele zin, waarbij kleur wordt getoond als een doeltreffende maker en afbakener van visuele ruimte. “Nature’s Red Impressions” (1968) van Alma Thomas biedt een epische toelichting op dit begrip. Van een afstand tonen de kleuren een lineaire structuur, die de visuele architectuur in verticale balken verdeelt. Bij nadere beschouwing breken de kolommen op in een veelheid van organische vormen. De witte ruimte tussen de vormen en kolommen stelt zich op als een wereld voorbij het oppervlak. Een vergelijkbare betovering werkt in “Strawberry” (1970) van Jack Bush. Een enorme, roze “U”-vorm echoot met zijn tint de titel van het schilderij, terwijl een lichtere roze achtergrond met donkere vlekken dimensie creëert. Een complementaire kleurstrook langs de onderkant van het doek maakt de ruimte vlakker en misleidt het oog tot het waarnemen van een combinatie van horizonlijn en een bewegende stoet geometrische vormen.

Alma Thomas - Nature's Red Impressions, 1968. Acryl op doek. 51 x 49 1/2 inch (129,5 x 125,7 cm). © Alma Thomas. Met dank aan Mnuchin Galerie

Tot de meest in het oog springende ruimtelijke composities in de tentoonstelling behoren “Elberta” (1975) van Helen Frankenthaler, “Mysteries: Aglow” (2002) van Kenneth Noland, en “The Wave (Urszula)” (2014) van Sarah Crowner. Frankenthaler creëert grote openheid in haar doorweekte schilderij, waardoor het oog wordt geopend voor een uitgestrekt en lichtgevend visueel universum; Noland bereikt het tegenovergestelde effect door ruimte te vereenvoudigen en te centraliseren met zijn bekende bulls-eye compositie; Crowner ordent ruimte in harmonieuze dissonantie met vibrerende, biomorfe rode en oranje golfvormen. Toch komt de meest diepgaande ruimtelijke schepping van “Atmosphere” (1972) van Sam Gilliam. Zijn kenmerkende techniek om de randen van zijn oppervlak af te schuinen laat de kleuren ruimte creëren voorbij de fysieke grenzen van het werk. Het schilderij nodigt ons uit om na te denken over wat er ligt voorbij de grenzen van wat we kunnen zien—een wezenlijke zorg in deze tijd, en misschien iets dat zelfs meneer Saltz zou willen overwegen tijdens een bezoek aan de galerie. The Joy of Color is te zien tot en met 8 december 2018.

Afbeelding bij het artikel: The Joy of Color - groepstentoonstelling in Mnuchin Galerie, New York, 2018. © Tom Powel Imaging. Met dank aan Mnuchin Galerie
Door Phillip Barcio