Å sette pris på abstrakte portretter og deres spesifikke estetikk

Abstrakt portrett kunstnere møter spesielle utfordringer. Når vi ser ansikter i alt; kalles det pareidolia. Når vi ser alt i ansikter; kalles det empati. Abstrakte portretter befinner seg et sted mellom de to, og deres kunstnere må samtidig forholde seg til begge. På noen måter kan den naturlige vanen mennesker har med å oppfatte kjente visuelle mønstre overalt, uavhengig av om de faktisk er der, være til fordel for skaperne av abstrakte portretter. De trenger knapt å referere til det menneskelige ansiktet eller figuren i det hele tatt for å fremkalle følelsen av det. Men besettelsen av å lete etter ansikter og figurer i et abstrakt bilde kan også distrahere seerne fra å vurdere de andre aspektene ved et kunstverk. Tilsvarende kan malere av abstrakte portretter dra nytte av den naturlige tendensen seerne har til å føle empati når de oppfatter, selv svakt, bildet av en gjenkjennelig annen. Uansett hvilke følelser en empatisk seer gir et bilde, kan det fungere til fordel for konseptet med verket. Men empati kan også forstyrre forståelsen. Gjenkjennelse av et kjent ansikt eller figur i et kunstverk kan føre til personlige fordommer, generaliseringer og angst i tankene til en seer, noe som kan undergrave og komplisere de ideene kunstneren opprinnelig hadde i tankene.

Definere Abstrakte Portretter

På 1500-tallet utviklet italienerne et hierarki over hvilke emner som var mest respektable for et kunstverk. Det mest respektable emnet ble ansett for å være den historiske scenen, som vanligvis endte opp med å være en slags mytologisk eller religiøs episode. Det nest mest respektable emnet var portrettet. I klassisk forstand ble et portrett vanligvis definert som bildet av et menneske, oftest avbildet fra hodet og ned til omtrent midten av torsoen. Men det trenger ikke bare å være det. Et portrett kan også avbilde hele kroppen, eller bare ansiktet. Og det trenger ikke bare å være et bilde av et menneske. Det kan være et bilde av ethvert vesen, menneskelig, dyrisk, fiktivt, mytologisk, åndelig, eller en hvilken som helst kombinasjon derav.

For å bli ansett som et abstrakt portrett, må et kunstverk inkorporere to fakulteter: først, det må på en eller annen måte bruke konseptet portrett; og for det andre må det være abstrakt, noe som betyr at det må omhandle ideenes rike, eller i det minste unngå en rent objektiv eller representativ tilnærming til virkeligheten. Hva det ikke trenger å være, er ett bestemt medium eller disiplin. Et abstrakt portrett kan være en tegning eller et maleri, eller det kan også være abstrakt portrettfotografi, abstrakt portrettskulptur, abstrakt portrettinstallasjon, abstrakt portrettperformingkunst, osv. Ethvert abstrakt estetisk fenomen som inkorporerer figuren av ethvert vesen, ekte, imaginært, eller en hvilken som helst kombinasjon derav, kan betraktes som et abstrakt portrett.

Joan Miro - Head of a Woman, 1938. Oil on canvas. 18 x 21 5/8 in. (45.72 x 54.93 cm) © Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris

Mot oss selv

Fra et tolkningsmessig ståsted kan det som er mest utfordrende, og noen ganger mest kontroversielt, med å sette pris på abstrakte portretter, være at de er iboende personlige. Sosial konstruktivisme postulerer at alt vi forstår om livet vokser ut av våre erfaringer, og at alle våre instruktive erfaringer vokser ut av sosiale interaksjoner. I en psykologisk forstand er det en skapning som stirrer på et bilde av en annen skapning en sosial interaksjon. En betrakter som interagerer med et rom fullt av abstrakte portretter utgjør et fellesskap.

Det som er vanskelig med den personlige naturen til abstrakte portretter, er at de inviterer til kontemplasjoner som er mye dypere og mer profound enn det som kan bli invitert av andre typer abstrakt kunst. For eksempel kan en abstrakt geometrisk skulptur eller en helt abstrakt komposisjon som et fargefeltmaleri eller en monokrom kun interageres med utelukkende basert på dens formelle kvaliteter, eller dens symbolske kvaliteter, eller dens tolkende eller kontemplative kvaliteter. Men i tillegg til alle disse elementene, tvinger abstrakte portretter også seerne til å interagere med seg selv.

Frank Auerbach - Head of JYM ll, 1984-85. Oil on canvas. 660 x 610 mm. Private collection. © Frank Auerbach

Å bli personlig

Den største utfordringen med å sette pris på abstrakte portretter er derfor å overvinne iboende skjevheter. Når en betrakter ser på et representativt portrett, et som er konstruert for å etterligne virkeligheten så nært som mulig, hjelper selve gjenkjennelsen betrakteren til å holde bildet i et respektfullt lys. En følelse av kunstnerisk og billedlig mestring krever at den som blir representert i portrettet fortjener spesiell og fullstendig vurdering. Men abstrakte portretter inviterer til merkelige generaliseringer. Et område hvor dette er åpenbart, er med abstrakte portretter av allerede marginaliserte befolkninger. Tenk for eksempel på abstrakte portretter av kvinner.

To av de mest kjente abstrakte portrettmalerne er Pablo Picasso og Willem de Kooning. Sammen malte de hundrevis av abstrakte portretter. Mange av de mest kjente abstrakte portrettene Picasso malte var av kvinner, som hans berømte Kvinne som gråter. Men hans mest kontroversielle var et abstrakt portrettmaleri av sin elskerinne Marie-Thérèse Walter, kalt Drømmen. Maleriet er kontroversielt fordi folk mener de ser en fallus i hodet til figuren. De tolker det derfor som et erotisk maleri. Men er det bare pareidolia? Eller er det empati? Eller er det en voyeuristisk opptatthet av forholdet Picasso hadde med modellen? Det faktum at maleriet er abstrahert åpner døren for tolkende sprang som lar iboende skjevheter komme til syne. Viser maleriet oss virkelig noe om Picasso og hans elskerinne? Eller viser det oss noe om oss selv?

Kvinnene til de Kooning

Et lignende fenomen skjer når folk ser på de abstrakte portrettene Willem de Kooning malte av kvinner. Når andre abstrakte de Kooning-malerier diskuteres, er de egenskapene som oftest tas opp, deres gestuelle kvalitet, deres livlige energi, deres distinkte penselstrøk, deres karakteristiske palett, og spenningen og lidenskapen som formidles gjennom deres uttrykksfulle komposisjoner. Hans rent abstrakte komposisjoner omtales som komplekse, intrikate og kraftfulle. Hans abstrakte landskap omtales som sublime.

Men et helt annet vokabular brukes når man refererer til de abstrakte portrettene de Kooning malte av kvinner. Vanlige adjektiver brukt av seere, spesielt kritikere, for å beskrive disse maleriene er mer i retning av fiendtlig, sint, voldelig, gal, kvinnefiendtlig og gal. De Kooning bemerket at da han malte sine portretter av kvinner, håpet han at de ville bli oppfattet som unike, og muligens humoristiske. Han forsøkte å formidle i sin egen stil den kvinnelige formen, på en klassisk og likevel moderne og abstrahert måte, ulikt hva noen hadde gjort før. Så hva er det med portrettene i disse maleriene som fremkaller slike antropomorfe bemerkninger? La de Kooning de tankene i maleriet, eller gjorde vi?

Willem de Kooning - Woman I, 1950–2. Oil on canvas. 192.7 x 147.3 cm. © 2018 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York (Left) / Willem de Kooning - Willem Woman, 1949. Oil, enamel, and charcoal on canvas. 152.4 x 121.6 cm. Private Collection. © 2018 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York (Right)

Å se abstrakte portrettmalere i maleriene deres

I stedet for å bringe våre egne fordommer inn i vurderingen av den underliggende meningen som finnes i disse maleriene, er en annen måte å sette pris på abstrakte portretter på å tolke måtene de kommuniserer tankene til kunstneren som malte dem. For eksempel demonstrerer de abstrakte portrettene av Paul Klee interessen denne maleren hadde for farge, form og harmoniske komposisjoner. De kommuniserer hans søken etter den geometriske essensen av naturen, og balansen han søkte å fange i kunsten sin.

På samme måte, ved å se på de abstrakte portrettene til Robert Delaunay, kan vi se hans utvikling fra en figurativ maler til en abstraksjonist. Tidlige portretter som det han malte i 1906 av vennen sin Jean Metzinger kan verdsettes for deres avanserte bruk av Divisionisme. Dette maleriet fanger fascinasjonen Delaunay hadde for farge, og de ulike abstrakte visuelle effektene som oppstår når forskjellige farger plasseres ved siden av hverandre på en overflate. Det kommuniserer også hans søken etter å flate ut bildeflaten og gi lik oppmerksomhet til alle deler av bildet.

Paul Klee - Senecio, 1922. Oil on canvas. 40 cm x 38 cm. Kunstmuseum Basel, Basel, Scala / Art Resource, NY © ARS, NY (Left) / Robert Delaunay - Portrait de Jean Metzinger, 1906. Oil on canvas. 55 x 43 cm (Right)

Hva abstrakt portrettfotografi lærer

Den mest direkte måten å sette pris på abstrakte portretter på, er rett og slett å følge stien til ideene de inspirerer. Ideer er sentrale i abstrakt portrett fotografi. I fotografiet Noire et Blanche av Man Ray ser vi ansiktet til en kvinnelig menneskemodell posert ved siden av en tremaske. Ansiktet og masken har en lignende form, og begge deler et felles uttrykk. Til tross for at det viser oss objektiv virkelighet, stiller dette bildet spørsmål ved om et fotografi kan vise oss hva som er ekte, ved å utfordre sannheten i vårt eget ansikt. Det spør betrakteren: "Hvilken er masken?"

Helt annerledes, men også forankret i ideer, er dobbeltbildeportrettfotografiet av Marcel Duchamp tatt av Victor Obsatz i 1953. Det viser et bilde av en kontemplativ Duchamp som stirrer ut av vinduet, og over det er det superimponert et smilende, gledelig Duchamp som ser tilbake på oss. Det viser oss den seriøse tenkeren og den lekne, satiriske spøken, begge av disse som denne kunstneren legemliggjorde. Dette fotografiet lærer oss hvordan vi skal sette pris på alle abstrakte portretter; som bilder som kombinerer virkeligheter, som visjoner av verdener innenfor verdener. De viser oss et bilde av oss selv, og antyder også at det er mer ved oss enn vi vet.

Utvalgt bilde: Salvador Dalí - Galatea of the Spheres, 1952. Olje på lerret. Dalí Teater og Museum, Figueres, Spania. © Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí, Figueres, 2018.
Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.
Av Phillip Barcio