Å sette pris på abstrakte portretter og deres spesifikke estetikk

Abstrakte portrett kunstnere møter særegne utfordringer. Når vi ser ansikter i alt; kalles det pareidoli. Når vi ser alt i ansikter; kalles det empati. Abstrakte portretter befinner seg et sted mellom disse to, og deres kunstnere må samtidig håndtere begge. På noen måter kan menneskets naturlige vane med å oppfatte kjente visuelle mønstre overalt, uansett om de faktisk er der, være til fordel for skaperne av abstrakte portretter. De trenger knapt å referere til menneskets ansikt eller figur i det hele tatt for å fremkalle følelsen av det. Men besettelsen av å lete etter ansikter og figurer i et abstrakt bilde kan også distrahere betraktere fra å vurdere andre aspekter ved et kunstverk. På samme måte kan abstrakte portrettmalere dra nytte av betrakteres naturlige tendens til å føle empati når de oppfatter, selv svakt, bildet av en gjenkjennelig annen. Hvilke følelser en empatisk betrakter tilfører et bilde, kan virke til fordel for verkets idé. Men empati kan også forstyrre forståelsen. Gjenkjennelse av et kjent ansikt eller figur i et kunstverk kan føre til at personlige fordommer, generaliseringer og uro oppstår i betrakterens sinn, noe som kan undergrave og forvrenge de opprinnelige tankene kunstneren hadde.

Definere Abstrakte Portretter

På 1500-tallet utviklet italienere en rangordning over hvilke motiver som var mest ærverdige for et kunstverk. Det mest ærverdige motivet ble ansett å være historiske scener, som vanligvis endte opp som en slags mytologisk eller religiøs episode. Det nest mest ærverdige motivet var portrettet. I klassisk forstand ble et portrett vanligvis definert som bildet av et menneske, oftest avbildet fra hodet til omtrent midt på overkroppen. Men det trenger ikke bare være det. Et portrett kan også vise hele kroppen, eller bare ansiktet. Og det trenger ikke bare være et bilde av et menneske. Det kan være et bilde av hvilket som helst vesen, menneske, dyr, fiktivt, mytisk, åndelig, eller en kombinasjon av disse.

For å bli regnet som et abstrakt portrett, må et kunstverk inneholde to elementer: for det første må det på en eller annen måte bruke portrettbegrepet; og for det andre må det være abstrakt, det vil si at det må forholde seg til idéenes rike, eller i det minste unngå en rent objektiv eller gjengivende tilnærming til virkeligheten. Det det ikke trenger å være, er ett bestemt medium eller disiplin. Et abstrakt portrett kan være en tegning eller et maleri, eller det kan også være abstrakt portrettfotografi, abstrakt portrettskulptur, abstrakt portrettinstallasjon, abstrakt portrett performancekunst osv. Enhver abstrakt estetisk form som inkluderer figuren av et hvilket som helst vesen, ekte, innbilt, eller en kombinasjon, kan regnes som et abstrakt portrett.

Joan Miro - Hode av en kvinne, 1938. Oljemaleri på lerret. 18 x 21 5/8 tommer (45,72 x 54,93 cm) © Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris

Å Møte Seg Selv

Fra et tolkningsperspektiv kan det som er mest vanskelig, og noen ganger mest omstridt, med å sette pris på abstrakte portretter være at de er iboende personlige. Sosial konstruktivisme hevder at alt vi forstår om livet vokser ut av våre erfaringer, og at alle våre lærende erfaringer vokser ut av sosiale samspill. I psykologisk forstand er det en sosial interaksjon når et vesen stirrer på bildet av et annet vesen. En betrakter som samhandler med et rom fullt av abstrakte portretter utgjør et fellesskap.

Det vanskelige med den personlige naturen til abstrakte portretter er at de inviterer til betraktninger som er langt dypere og mer grunnleggende enn det som kan inviteres av andre typer abstrakt kunst. For eksempel kan en abstrakt geometrisk skulptur eller en helt abstrakt komposisjon som et fargefeltmaleri eller et monokromt maleri samhandle med utelukkende etter formale kvaliteter, symbolske kvaliteter eller tolknings- eller kontemplative kvaliteter. Men i tillegg til alle disse elementene tvinger abstrakte portretter også betraktere til å samhandle med seg selv.

Frank Auerbach - Hode av JYM ll, 1984-85. Oljemaleri på lerret. 660 x 610 mm. Privat samling. © Frank Auerbach

Å Bli Personlig

Den største utfordringen med å sette pris på abstrakte portretter er derfor å overvinne iboende fordommer. Når en betrakter ser på et gjengivende portrett, et som er konstruert for å etterligne virkeligheten så nært som mulig, hjelper selve gjenkjennelsen betrakteren til å holde bildet i et respektfullt lys. En følelse av kunstnerisk og billedmessig mestring krever at vesenet som er avbildet i portrettet fortjener spesiell og fullstendig oppmerksomhet. Men abstrakte portretter inviterer til merkelige generaliseringer. Et område hvor dette er tydelig, er med abstrakte portretter av allerede marginaliserte grupper. Tenk for eksempel på abstrakte portretter av kvinner.

To av de mest kjente abstrakte portrettmalerne er Pablo Picasso og Willem de Kooning. Sammen malte de hundrevis av abstrakte portretter. Mange av de mest kjente abstrakte portrettene Picasso malte var av kvinner, som hans berømte Kvinne som gråter. Men hans mest kontroversielle var et abstrakt portrettmaleri av hans elskerinne Marie-Thérèse Walter, kalt Drømmen. Maleriet er kontroversielt fordi folk mener de ser en fallos i hodet til figuren. De tolker det derfor som et erotisk maleri. Men er det bare pareidoli? Eller er det empati? Eller er det en voyeuristisk opptatthet av forholdet Picasso hadde til modellen? Det faktum at maleriet er abstrahert åpner døren for tolkende sprang som lar iboende fordommer komme til uttrykk. Viser maleriet virkelig noe om Picasso og hans elskerinne? Eller viser det noe om oss selv?

Kvinnene til de Kooning

Et lignende fenomen oppstår når folk ser på de abstrakte portrettene Willem de Kooning malte av kvinner. Når andre abstrakte de Kooning-malerier diskuteres, er de egenskapene som oftest nevnes deres gestiske kvalitet, deres livfulle energi, deres tydelige penselstrøk, deres særpregede fargevalg og spenningen og lidenskapen som formidles gjennom deres uttrykksfulle komposisjoner. Hans rent abstrakte komposisjoner omtales som komplekse, innfløkte og kraftfulle. Hans abstrakte landskap omtales som opphøyde.

Men et helt annet ordforråd brukes når man omtaler de abstrakte portrettene de Kooning malte av kvinner. Vanlige adjektiver brukt av betraktere, spesielt kritikere, for å beskrive disse maleriene er mer i retning av fiendtlig, sint, voldelig, gal, kvinnefiendtlig og sinnssyk. De Kooning bemerket at når han malte sine portretter av kvinner, håpet han de ville bli oppfattet som unike, og muligens humoristiske. Han forsøkte å formidle den kvinnelige form i sin egen stil, på en klassisk og likevel moderne og abstrahert måte, ulikt noe som var gjort før. Så hva er det med portrettene i disse maleriene som fremkaller slike menneskelige kommentarer? Var det de Kooning som la disse tankene i maleriene, eller var det vi?

Willem de Kooning - Kvinne I, 1950–2. Oljemaleri på lerret. 192,7 x 147,3 cm. © 2018 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York (venstre) / Willem de Kooning - Willem Woman, 1949. Olje, emalje og kull på lerret. 152,4 x 121,6 cm. Privat samling. © 2018 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York (høyre)

Å Se Abstrakte Portrettmalere i Deres Malerier

I stedet for å bringe våre egne fordommer inn i spillet om den underliggende meningen i disse maleriene, er en annen måte å sette pris på abstrakte portretter på å tolke hvordan de formidler tankene til kunstneren som malte dem. For eksempel viser de abstrakte portrettene til Paul Klee interessen denne maleren hadde for farge, form og harmoniske komposisjoner. De formidler hans søken etter naturens geometriske essens, og balansen han søkte å fange i sin kunst.

På samme måte kan vi ved å se på de abstrakte portrettene til Robert Delaunay se hans utvikling fra figurativ maler til abstraksjonist. Tidlige portretter som det han malte i 1906 av sin venn Jean Metzinger kan verdsettes for deres avanserte bruk av divisjonisme. Dette maleriet fanger Delaunays fascinasjon for farge, og de ulike abstrakte visuelle effektene som oppstår når forskjellige farger plasseres ved siden av hverandre på en flate. Det formidler også hans søken etter å flate ut billedplanet og gi lik oppmerksomhet til alle deler av bildet.

Paul Klee - Senecio, 1922. Oljemaleri på lerret. 40 cm x 38 cm. Kunstmuseum Basel, Basel, Scala / Art Resource, NY © ARS, NY (venstre) / Robert Delaunay - Portrett av Jean Metzinger, 1906. Oljemaleri på lerret. 55 x 43 cm (høyre)

Hva Abstrakt Portrettfotografi Lærer Oss

Den mest direkte måten å sette pris på abstrakte portretter på er å følge tankene de inspirerer. Tanker er sentrale i abstrakt portrettfotografi. I fotografiet Noire et Blanche av Man Ray ser vi ansiktet til en kvinnelig modell ved siden av en treskulpturmaske. Ansiktet og masken har en lignende form, og begge deler et felles uttrykk. Til tross for at det viser oss objektiv virkelighet, stiller dette bildet spørsmål ved om et fotografi kan vise oss hva som er virkelig, ved å utfordre sannheten i vårt eget ansikt. Det spør betrakteren: «Hvilken er masken?»

Et helt annet, men også forankret i tanker, er dobbeltportrettfotografiet av Marcel Duchamp tatt av Victor Obsatz i 1953. Det viser et bilde av en ettertenksom Duchamp som stirrer ut av vinduet, og overlagt over det et smilende, gledelig Duchamp som ser tilbake på oss. Det viser oss den alvorlige tenkeren og den lekne, satiriske spøkefuglen, begge sider denne kunstneren hadde. Dette fotografiet lærer oss hvordan vi skal sette pris på alle abstrakte portretter; som bilder som kombinerer virkeligheter, som syn på verdener i verdener. De viser oss et bilde av oss selv, og antyder også at det er mer i oss enn vi vet.

Utvalgt bilde: Salvador Dalí - Galatea av sfærene, 1952. Oljemaleri på lerret. Dalí-teateret og museet, Figueres, Spania. © Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí, Figueres, 2018.
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio