Det abstrakte karakteren av typografi kunst

Visse illusjoner må opprettholdes for at sivilisasjonen skal kunne fortsette. For eksempel har moderne penger ingen iboende verdi. Vi opprettholder illusjonen om pengenes verdi for å kunne strukturere samfunnet på en pålitelig måte. Språk er også abstrakt. Lyd og symboler betyr det vi blir enige om at de betyr. Typografisk kunst er en måte kunstnere utforsker disse abstraksjonene som er iboende i vår kultur. Det utfordrer våre aksepterte forestillinger om hva som er meningsfullt og hva som ikke er det ved å presentere skriftlig språk utenfor sin vanlige sammenheng, på uhyggelige måter, eller satt sammen med uvanlige eller uventede estetiske motstykker. Fra kubismen til dada til konseptkunst til popkunst og videre, har typografisk kunst undersøkt vår bruk av skrevne symboler i over 100 år. Den har utvidet grensene og mulighetene for hva vi oppfatter språk å være og hva vi tror det kan oppnå.

Kubistisk typografisk kunst

Et av de første eksemplene på modernistisk typografisk kunst er Pablo Picasso’s Still Life with Chair Caning, laget i 1912. Dette ikoniske verket regnes også som Picassos første kollasje, og markerer begynnelsen på syntetisk kubisme. Stykket minner om overflaten på et kafébord og inkluderer elementer som et drikkeglass, en pipe, en avis og en kaféstol, blant annet. I tillegg til å være viktig for utviklingen av kubismen, er det også en nøkkel til vår forståelse av typografisk abstraksjon. Verket inneholder tre malte bokstaver som ser ut til å stave ordet «JOU», som på fransk kan oversettes til «spill». Eller, JOU kan være en del av uttrykket «Le Journal», navnet på den mest leste avisen i Paris da dette verket ble laget.

Siden bildene i Still Life with Chair Caning viser til en avis, kan Picasso lett ha ment å referere til Le Journal. Men teksten kan også ha vært en lekende henvisning til visuelle eller konseptuelle spill. En annen mulighet er at forvirringen mellom disse to tolkningene var en bevisst uttalelse Picasso gjorde om nyhetsmediene og deres tendens til å forvirre mening og hensikt i sin rapportering. Uansett er poenget ikke å fastslå Picassos hensikt. Poenget er å erkjenne uklarheten. Hele spørsmålet om meningen med verkets typografiske elementer identifiserer det som representativt for fødselen av modernistisk typografisk abstraksjon.

Francis Picabia -  Dame! Illustrasjon til forsiden av tidsskriftet Dadaphone nr. 7, Paris, mars 1920

Dada-kunst og typografi

Umiddelbart etter fremveksten av kubismen kom dadaistene, en gruppe kunstnere som viet seg til å konfrontere absurditeten i sin sivilisasjon. Dadaistene brukte collage som et visuelt medium, og inkluderte mange abstrakte typografiske referanser i sine verk. Francis Picabia var en av de mest kjente dadaistene som brukte typografi. Utdannet som en dyktig realistisk maler, poet og typograf, visste Picabia godt at formålet med skriftlig språk var kommunikasjon. Likevel gikk han langt i sine dadaistiske verk for å skape uhyggelige, absurdistiske skriftlige komposisjoner som kunne tolkes på svært forskjellige måter, eller som til og med kunne oppfattes som meningsløst tøys.

Tenk på et omslag Picabia laget for dadaisttidsskriftet Dadaphone i 1920. Bildet heter «Dame!» Det inkluderer et abstrakt bilde av en spiral og flere tekstområder. Den fullstendige oversettelsen av teksten er: «Kjøtt som har drukket for mye er en napolitansk biff», «hendene i den kanoniske dritten», «lapper opp sengen sin» og «damenes trekkbro». Meningen med ordene er like uklar som meningen med spiralen. Er bildet ment å vise en skrue? Er det noe lekent, som konfetti? Er det et bilde av mekanisk framgang? Er det et budskap om fortvilelse eller framgang? Teksten bidrar ikke til å klargjøre meningen, men tilfører nivåer av abstraksjon som oppnår det motsatte av det Picabia forsto at språk som medium er ment å oppnå, nemlig klarhet.

Jasper Johns og typografi

På 1950-tallet steg maleren Jasper Johns fram som en ledende skikkelse for sin abstrakte bruk av ikoniske kultursymboler, ofte inkludert typografiske symboler. Johns tok i bruk symbolske former som det amerikanske flagget og et måltavle, og utforsket dem på måter som omplasserte dem som abstrakte former snarere enn meningsfulle symboler, og skilte dem fra deres kulturelle betydning. Johns unngikk å forklare meningen eller hensikten med sine verk, og antydet at han mente de skulle være «ferdige», det vil si tolket, av betrakteren.

Joseph Kosuth - One and Three Chairs, 1965, © 2017 Joseph Kosuth / Artists Rights Society (ARS), New York City

Johns inkorporerte berømt det engelske alfabetet samt arabiske tall i et stort antall av sine verk. Han brukte disse typografiske elementene som tilsynelatende meningsløst motiv for malerier som virket å handle mer om formelle kvaliteter, som overflate, tekstur, tredimensjonalitet og maleriskhet enn noe representativt. Han inkluderte også ord, som navn på farger, malte dem inn og satte dem sammen med forskjellige farger, noe som forvirret meningen med ordene. Disse typografiske verkene utfordret om typografi var et verktøy for kommunikasjon eller om det bare var en samling former som kunne brukes abstrakt på samme måte som geometriske abstraksjonskunstnere hadde malt sirkler, firkanter, kors og trekanter.

Andy Warhol - Campbell’s Soup Cans, 1962, syntetisk polymermaling, cm x 41 cm, Museum of Modern Art, New York City, © 2017 Andy Warhol Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York City

Konseptkunst, popkunst og typografi

Johns’ arbeid var innflytelsesrikt for Andy Warhol, som berømt kombinerte symbolske og typografiske elementer i sine verk. Warhols Campbell’s Soup Cans, laget i 1962, besto av 32 separate trykk, som hver representerte en av de 32 suppevariantene Campbell Company tilbød på den tiden. Disse verkene var flate, mekanisk produserte og brukte motiv som tilsynelatende var uten betydning. Teksten formidlet ingenting annet enn kommersiell merkevarebygging. Gjennom denne abstrakte bruken av typografiske bilder stilte Warhol spørsmål ved meningen, eller meningsløsheten, i både forbrukerkultur og kunst.

Jasper Johns påvirket også konseptkunstnere som Joseph Kosuth. Kosuth brukte typografi som en tredjedel av sitt berømte verk One and Three Chairs, laget i 1965. I dette verket presenterte Kosuth sammen et fotografi av en stol, en faktisk trestol og en skriftlig beskrivelse av en stol. Verket antydet at alle tre elementene ikke representerte en stol, men ideen om en stol. Bare ett av elementene var funksjonelt som stol. Fotografiet og den typografiske beskrivelsen var begge abstraksjoner.

Guerrilla Girls - Må kvinner være nakne for å komme inn på Met Museum? 1989, silketrykk på papir, 280x710mm, © Guerrilla Girls

Form og det malte ord

Kunstnere i dag bruker ofte tekst, mange ganger med hensikt at den skal tas for det den er, leses og forstås. For eksempel Guerilla Girls, en gruppe kvinnelige kunstnere som bruker ikke-abstrakt typografisk budskap som en integrert del av sin kunst for sosial rettferdighet.

Den abstrakte bruken av typografi i kunst driver en annen sosial rettferdighetsoppgave, en uten et klart mål. Gjennom typografisk abstraksjon stiller kunstnere ikke spørsmål ved ett bestemt kulturelt ideal. De stiller spørsmål ved hele begrepet kommunikasjon. Etter hvert som våre samfunn blir mer komplekse, kompliserer vår bruk av typografi ofte bare ting for massene, mens betraktere som har lært å oversette de skjulte budskapene deler hemmeligheter i åpen dag. Abstrakt typografisk kunst stiller spørsmål ved verdien og objektiviteten til skriftlig språk, og spør om noe mer grunnleggende som vi kunne kommunisere på mer intuitive måter, går tapt.

Utvalgt bilde: Pablo Picasso - Still Life with Chair Caning, 1912, olje og blandede medier på oljeklær, 11 2/5 × 14 3/5 tommer, Musée National Picasso, Paris, Réunion des Musées Nationaux / Art Resource, NY Foto: R.G. Ojeda / Picasso, Pablo (1881-1973) © Artists Rights Society (ARS), New York City
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio