Det abstrakte karakteren av typografi kunst

Visse illusjoner må opprettholdes for at sivilisasjonen skal fortsette. For eksempel har moderne valuta ingen iboende verdi. Vi opprettholder illusjonen om pengenes verdi for å strukturere samfunnet på en pålitelig måte. Språk er også abstrakt. Lyder og symboler betyr hva vi blir enige om at de betyr. Typografi kunst er en måte kunstnere utforsker disse abstraksjonene som er iboende i vår kultur. Det utfordrer våre aksepterte ideer om hva som er meningsfullt og hva som ikke er meningsfullt ved å presentere skrevet språk utenfor sin vanlige kontekst, på uhyggelige måter, eller sammenstilt med uvanlige eller uventede estetiske motparter. Fra kubisme til dada til konseptuell kunst til popkunst og videre, har typografi kunst undersøkt vår bruk av skrevne symboler i over 100 år. Det har utvidet grensene og mulighetene for hva vi oppfatter språk som og hva vi tror det kan oppnå.

Kubistisk typografi kunst

Et av de første eksemplene på modernistisk typografi kunst er Pablo Picasso’s Still Life with Chair Caning, laget i 1912. Dette ikoniske verket regnes også som Picassos første collage, som markerer begynnelsen på syntetisk kubisme. Stykket er evocativt av overflaten på et kafébord og inkluderer elementer av et drikkeglass, en pipe, en avis og en kaféstol, blant andre gjenstander. I tillegg til å være viktig for utviklingen av kubisme, er det også en nøkkel til vår forståelse av typografisk abstraksjon. Stykket inkluderer tre malte bokstaver som ser ut til å stave ordet "JOU," som på fransk kan oversettes til "spill." Eller, JOU kan være en del av frasen "Le Journal," navnet på den mest leste avisen i Paris på den tiden dette verket ble laget.

Siden bildene i Still Life with Chair Caning henviser til en avis, kunne Picasso lett ha hatt til hensikt å referere til Le Journal. Men igjen kunne teksten ha vært en leken nikk til visuelle eller konseptuelle spill. En annen mulighet er at forvirringen mellom disse tolkningene var en bevisst uttalelse Picasso gjorde om nyhetsmediene og deres tendens til å forvirre mening og intensjon i rapporteringen. Uansett er poenget ikke å identifisere Picassos intensjon. Poenget er å anerkjenne mangelen på klarhet. Hele spørsmålet om betydningen av verkets typografiske elementer identifiserer det som representativt for fødselen av modernistisk typografisk abstraksjon.

Francis Picabia - Dame! Illustrasjon for omslaget til tidsskriftet Dadaphone nr. 7, Paris, mars 1920

Dada Kunst og Typografi

Umiddelbart etter oppkomsten av Kubisme kom Dadaistene, en gruppe kunstnere dedikert til å konfrontere absurditeten i sin sivilisasjon. Dadaistene stolte sterkt på collage som et visuelt medium, og inkluderte mange abstrakte typografiske referanser i verkene sine. Francis Picabia var en av de mest kjente Dadaistene som brukte typografi. Utdannet som en ekspert realistisk maler, poet og typograf, visste Picabia godt at formålet med skrevet språk var kommunikasjon. Likevel gikk han langt i sine Dadaistiske verk for å skape uhyggelige, absurdistiske skriftlige komposisjoner som kunne tolkes på vidt forskjellige måter, eller som til og med kunne tas som nonsens.

Tenk deg et omslag Picabia laget for den dadaistiske tidsskriftet Dadaphone i 1920. Bildet har tittelen "Dame!" Det inkluderer et abstrahert bilde av en spiral og flere tekstområder. Den fullstendige oversettelsen av teksten er: "Kjøtt som har drukket for mye er en napolitansk biff," "håndene i den kanoniske dritten," "lappe sammen sengen hennes," og "damens heisbro." Betydningen av ordene er like uklar som betydningen av spiralen. Er bildet ment å indikere en skrue? Er det noe lekent, som konfetti? Er det et bilde av mekanisk fremgang? Er det et budskap om fortvilelse eller fremgang? Teksten gjør ingenting for å klargjøre betydningen, og legger til nivåer av abstraksjon som oppnår det motsatte av hva Picabia forsto språket som et medium er ment å oppnå, som er klarhet.

Jasper Johns og typografi

På 1950-tallet ble maleren Jasper Johns kjent for sin abstrakte bruk av ikoniske kulturelle symboler, ofte inkludert typografiske symboler. Johns approprierte symbolske former som det amerikanske flagget og et mål, og utforsket dem på måter som re-kontekstualiserte dem som abstrakte former snarere enn meningsfulle symboler, og skilt dem fra deres kulturelle betydning. Johns unngikk å forklare betydningen eller formålet med verkene sine, og indikerte at han mente de skulle være "ferdige", dvs. tolket, av betrakteren.

Joseph Kosuth - One and Three Chairs, 1965, © 2017 Joseph Kosuth / Artists Rights Society (ARS), New York City

Johns inkorporerte berømt det engelske alfabetet samt arabiske tall i et stort antall av sine verk. Han brukte disse typografiske elementene som tilsynelatende meningsløse emner for malerier som så ut til å handle mer om formelle kvaliteter, som overflate, tekstur, dimensjonalitet og maleriskhet enn noe representativt. Han inkorporerte også ord, som navnene på farger, malte dem inn, og satte dem i kontrast med forskjellige farger, noe som forvirret betydningen av ordene. Disse typografiske verkene utfordret om typografi var et verktøy for kommunikasjon eller om det bare var en samling former som kunne brukes abstrakt på samme måte som geometriske abstraksjonister hadde malt sirkler, kvadrater, kors og trekanter.

Andy Warhol - Campbell’s Soup Cans, 1962, Syntetisk polymermaling, cm x 41 cm, Museum of Modern Art, New York City, © 2017 Andy Warhol Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York City

Konseptuell kunst, Popkunst og Typografi

Johns’ arbeid var innflytelsesrikt på Andy Warhol, som berømt kombinerte symbolske og typografiske elementer i verkene sine. Warhols Campbell’s Soup Cans, laget i 1962, besto av 32 separate trykk, hver representerende en av de 32 variantene av suppe som Campbell Company tilbød på den tiden. Disse verkene var flate, mekanisk produserte og benyttet emner som tilsynelatende var irrelevante. Teksten kommuniserte ingenting annet enn kommersiell merkevarebygging. Gjennom denne abstraherte bruken av typografisk bildebruk, reiste Warhol spørsmål om meningen, eller meningsløsheten, av både forbrukerkultur og kunst.

Jasper Johns påvirket også konseptkunstnere som Joseph Kosuth. Kosuth brukte typografi som en tredjedel av sitt berømte verk One and Three Chairs, laget i 1965. I dette verket presenterte Kosuth sammen et fotografi av en stol, en faktisk trestol og en skriftlig beskrivelse av en stol. Verket antydet at alle tre elementene representerte ikke en stol, men ideen om en stol. Bare ett av elementene var funksjonelt som en stol. Fotografiet og den typografiske beskrivelsen var begge abstraksjoner.

Guerrilla Girls - Må kvinner være nakne for å komme inn i Met Museum? 1989, Silketrykk på papir, 280x710mm, © Guerrilla Girls

Form og det malte ord

Kunstnere i dag bruker ofte tekst, mange ganger med intensjon om at den skal tas bokstavelig, for å bli lest og forstått. For eksempel Guerilla Girls, et kollektiv av kvinnelige kunstnere, som bruker ikke-abstrakt typografisk budskap som en integrert del av sin kunst for sosial rettferdighet.

Den abstrakte bruken av typografi i kunst engasjerer seg i en annen sosial rettferdighetsmisjon, en uten et klart mål. Gjennom typografisk abstraksjon stiller ikke kunstnere spørsmål ved ett bestemt kulturelt ideal. De stiller spørsmål ved hele begrepet kommunikasjon. Etter hvert som samfunnene våre blir mer komplekse, kompliserer bruken av typografi ofte bare tingene ytterligere for massene, mens seere som har lært å oversette de skjulte budskapene deler hemmeligheter i åpen sikt. Abstrakt typografi kunst stiller spørsmål ved verdien og objektiviteten til skrevet språk, og spør om noe mer essensielt som vi kunne kommunisere på mer intuitive måter går tapt.

Uthevet bilde: Pablo Picasso - Stilleben med stoler, 1912, olje og blandet teknikk på oljeduk, 11 2/5 × 14 3/5 tommer, Musée National Picasso, Paris, Réunion des Musées Nationaux / Art Resource, NY Foto: R.G. Ojeda / Picasso, Pablo (1881-1973) © Artists Rights Society (ARS), New York City
Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.
Av Phillip Barcio