Innflytelsen av abstrakt kunst på moderne og samtidsdesign
Abstrakte kunstdesign finnes overalt, på mote, møbler, arkitektur, reklame og omtrent alle andre produkter innen moderne design. Enten det er en skokollektion inspirert av Op Art, champagneglass inspirert av en Dan Flavin-installasjon, eller scenografi i en hiphop-video inspirert av James Turrell, er det bare den nyeste manifestasjonen av en gammel tendens: designere påvirket av kunst. Det var det Bauhaus bygde på; en total kunst som omfattet alle estetiske fenomener. Og det er grunnen til at abstrakt kunst er grunnlaget for så mye design i dagens kultur.
Abstrakt kunst og design bygde opp verden på nytt
Etter andre verdenskrig trengte menneskeheten designere i en større skala enn noen gang før. Store deler av Europa, Asia og Middelhavet måtte bygges opp igjen etter å ha blitt bombet til ruiner. Og det var ikke bare bygninger og bygater som trengte hjelp. En befolkning herjet av år med depresjon, sult og krig trengte alt nytt: boliger, klær, transportmidler, redskaper, møbler, offentlige samlingssteder, telekommunikasjonsutstyr og mer.
Verdens industrielle kapasitet var på sitt høyeste takket være mobiliseringen under krigen, og samfunnets anvendte kunstnere fant enestående muligheter til å redesigne det som skulle bli den nye verden, og hjelpe kulturen tilbake fra kanten. Anvendte kunstnere som arkitekter, møbeldesignere, motedesignere, bilutviklere og industridesignere kastet seg helhjertet inn i det praktiske, og skapte produkter som kunne masseproduseres effektivt og dekke et bredest mulig forbrukermarked.
Charles og Ray Eames - Case Study House nr. 8
Yin Yang-teorien i praksis
De ledende abstrakte kunstnerne på den tiden forsøkte også å forstå hva som hadde skjedd med verden. Men i stedet for å bygge opp samfunnet, noe som vanligvis ikke regnes som en del av billedkunsten, arbeidet de med å sette det i sammenheng. Abstrakte kunstnere etter krigen prøvde å forstå noe grunnleggende om seg selv. De konfronterte det ukjente, det underbevisste og de dypt personlige sidene ved sin menneskelighet.
En måte å se det på er at en balanse ble funnet. Designere svarte på krigens galskap med effektivitet og logikk. Abstrakte kunstnere svarte med intuisjon og følelser. Disse komplementære kreftene påvirket bevisstheten i etterkrigssamfunnet. På den ene siden ble den vestlige verden mer ettertenksom og eksistensielt dyp enn noen gang før. På den andre siden ble den mer materialistisk.
Ugo Gianattasio - Uten tittel, 1920
I etterkrigstiden var to av de mest innflytelsesrike designerne Charles og Ray Eames, skaperne av den berømte Eames-stolen. I 1949 tegnet og bygde de Case Study House nr. 8, som de brukte som hjem og atelier. Bygningen ble ansett som høydepunktet for samtidsarkitektur på den tiden. Ifølge Eames Foundation var designet en del av et prosjekt som skulle «uttrykke menneskets liv i den moderne verden.» Huset lignet et maleri av Piet Mondrian fra omtrent tretti år tidligere. Mondrian døde i 1944. I New York i 1950 var en av de fremste arkitektoniske prestasjonene en prisvinnende skyskraper kjent som Lever House. Hyllet som et mesterverk innen moderne arkitektur, med sine rene linjer, bruk av stål og glass, svært funksjonelle utnyttelse av plass og fullstendige mangel på pynt, var det et ypperlig eksempel på modernistisk arkitektur. Det uttrykte perfekt de estetiske bekymringene i 1920-tallets russiske konstruktivisme.
Lever House, New York
Den største nyvinningen innen bildesign i 1950 var oppfinnelsen av hardtop-kabriolet. Hva kunne være mer fornuftig? Det er høydepunktet av funksjonalitet og stil, med bruk av billige, nye, lette materialer og en økende forbrukeretterspørsel etter valgmuligheter. Og bilens slanke design var virkelig futuristisk, nesten like futuristisk som 1920-tallets italienske futurisme.
1950 Chrysler Town & Country
Påvirket abstrakt kunst moderne design? Absolutt. Piet Mondrians De Stijl-estetikk hadde åpenbart stor innflytelse på Eames-huset, det var bare noen tiår etter at neoplastisismen ble introdusert. Lever House var den perfekte konstruktivistiske skyskraperen; den kom bare noen tiår etter at konstruktivistisk arkitektur hadde gjort sitt inntog. Og hardtop-kabrioletene var virkelig fremtidens biler; både 1920-tallets og 1950-tallets fremtid.
Hva skjedde innen abstrakt kunst på 1950-tallet? Det var året Jackson Pollock malte «Number 1, 1950» og Franz Kline malte «The Chief.»
Jackson Pollock - Number 1, 1950 (Lavender Mist), 1950, olje, emalje og aluminium på lerret, Ailsa Mellon Bruce Fund, 1976.37.1
Arkitekturens abstrakte ekspresjonisme
Etter hvert som telekommunikasjon utviklet seg raskt, økte også hastigheten som abstrakt kunst kunne påvirke design på. I stedet for 30 år tok det bare omtrent 10 år før abstrakt ekspresjonisme satte sitt preg på designverdenen. Estetikken og filosofien bak abstrakt ekspresjonisme oppsto gjennom en spredning av hele kunstprosessen. Det var en tilbakevending til intuisjon, til de urtidslige røttene av underbevisste påvirkninger. Det var oppfyllelsen av abstraksjonens endelige mål: oppdagelsen av originalitet og det sanne uttrykket for den unike enkeltpersons vesen.
Den abstrakte ekspresjonistiske filosofien kom til uttrykk i arkitekturen i form av dekonstruktivisme. Dekonstruktivisme søkte å oppnå et element av uforutsigbarhet. I stedet for å følge funksjonelle former uten pynt, søkte dekonstruktivistiske arkitekter originale former som åpenlyst brukte dekorative designelementer. Mange dekonstruktivistiske arkitekter tegnet bygninger som så ut som om de var demontert, som om de var delt opp i seksjoner. Andre tegnet bygninger som etterlignet de gestuelle estetikkene i abstrakt ekspresjonistisk kunst. Selv om stilen startet på slutten av 1950-tallet, brukes den fortsatt i dag. Den mest kjente tilhenger er sannsynligvis Frank Gehry.
Frank Gehrys Guggenheim Bilbao
På midten av 1960-tallet etterlignet designtrender nesten umiddelbart trender innen abstrakt kunst, særlig motedesign. Bridget Riley malte sitt banebrytende Op Art-verk, Movement in Squares, i 1961. Time Magazine lanserte begrepet «Op Art» i 1964 som svar på en utstilling med Julian Stanczaks verk på Martha Jackson Gallery i New York. I 1965 var stilen så fullt utbredt i populærkulturen at den ble nevnt i en bildeserie i Vogue Magazine.
Bridget Riley - Movement in Squares, 1961. Tempera på hardboard. 123,2 x 121,2 cm. © 2018 Bridget Riley. Med tillatelse fra Karsten Schubert, London
Minimalistiske påvirkninger
På 1970-tallet var minimalisme en av de dominerende stilene innen abstrakt kunst, og en av de mest innflytelsesrike stemmene innen minimalismen var kunstneren Donald Judd. Judd og hans samtidige ønsket å lage verk som var fundamentalt forskjellige fra tidligere abstraksjonisters, spesielt de abstrakte ekspresjonistene. Minimalismen fjernet personlige biografiske elementer fra verkene og søkte forenklede former og et nedtonet billedspråk.
Det som gjør Judd til en fascinerende skikkelse, er at han ikke bare var minimalistisk kunstner, men også arkitekt og møbeldesigner. Som forkjemper for både billedkunst og anvendt kunst kunne han samtidig realisere sine konsepter på tvers av de ulike feltene han arbeidet innenfor. På mange måter var Judd personifiseringen av idealene til Bauhaus eller jugendstilen, som begge la vekt på en samtidig uttrykksform for alle kunstarter som arbeidet sammen om de samme ideene.
Donald Judd - Prototype Desk, 1978. LACMA-samlingen. Gave fra 2011 Collectors Committee. © Museum Associates/LACMA
Judd var også en ivrig forfatter og teoretiker, og sa dette om forskjellen mellom billedkunst og anvendt kunst: «Konfigurasjonen og skalaen til kunst kan ikke overføres til møbler og arkitektur. Intensjonen med kunst er annerledes enn for sistnevnte, som må være funksjonell. Hvis en stol eller en bygning ikke er funksjonell, hvis den bare fremstår som kunst, er det latterlig...» Den filosofien er tydelig i det ulike arbeidet han laget.
Donald Judd - Uten tittel, 1971
Form mot funksjon
Den grunnleggende forskjellen mellom abstrakt kunst og design er at abstrakt kunst, som all billedkunst, er noe man møter på et ettertenksomt nivå. Den kan være intellektuell, følelsesmessig, inspirerende eller estetisk vakker. Den er ment å få oss til å tenke, føle, vurdere, utvikle oss og undre oss over meningen med våre opplevelser. Design har en helt annen funksjon. Det er en måte å øke nytten eller gleden ved forbruksvarer. Design må tjene et formål, ellers er det, som Judd sa, meningsløst.
Den dype innflytelsen abstrakte kunstretninger som abstrakt ekspresjonisme, Op Art, neoplastisismen og minimalismen har hatt på alle anvendte kunstarter, fra motedesign til møbeldesign, arkitektur og videre, kan ikke overdrives. Og heldigvis lever vi i dag i en tid hvor vi raskt kan få tilgang til historien til både abstrakt kunst og design, og selv se de dype effektene estetikken og filosofien i abstrakt kunst har på designretninger.
Interessant nok lever vi også i en tid hvor vi kan se disse effektene utfolde seg umiddelbart. En abstrakt maler kan laste opp et bilde av sitt nye maleri på Instagram, og sekunder senere kan en motedesigner i Milano bruke det bildet som inspirasjon til sin nye vårkolleksjon. Eller omvendt. En motedesigner kan laste opp et bilde av en ny kjole, og det kan ha en sterk innvirkning på en abstrakt kunstner, som deretter kan gjøre fremskritt innen nye områder av abstrakt kunst. I dag kan alt påvirke alt annet, mens vår kultur lykkelig hopper fremover for å møte det nye.
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio
