Innflytelsen av abstrakt kunst på moderne og samtidsdesign

Abstrakt kunstdesign kan finnes overalt, på mote, møbler, arkitektur, reklame, og omtrent hvert eneste annet produkt av moderne design. Enten det er en skolinje inspirert av Op Art, champagneglass inspirert av en Dan Flavin-installasjon, eller settdekorasjon på en hip hop-video inspirert av James Turrell, er det bare den nyeste manifestasjonen av en gammel tendens: designere påvirket av kunst. Det er hva Bauhaus var basert på; en total kunst som omfattet alle estetiske fenomener. Og det er grunnen til at abstrakt kunst er grunnlaget for så mye design i kulturen i dag.

Abstrakt kunst og design gjenoppbygde verden

Etter andre verdenskrig trengte menneskeheten designere i en skala større enn noen gang før. Store deler av Europa, Asia og Middelhavet trengte å bli gjenoppbygd etter å ha blitt bombet praktisk talt til ruiner. Og det var ikke bare bygningene og gatebildet som trengte hjelp. En menneskelig befolkning som var ødelagt av år med depresjon, hungersnød og krig trengte nye ting: boliger, klær, transport, verktøy, møbler, offentlige samlingssteder, telekommunikasjonsenheter, og så videre.

Verdens industrialiseringskapasitet var på et historisk høyt nivå takket være mobiliseringen for krigen, og samfunnets anvendte kunstnere fant enestående muligheter til å redesigne det som ville bli den nye verden, og hjelpe til med å bringe kulturen tilbake fra kanten. Anvendte kunstnere som arkitekter, møbeldesignere, motedesignere, bildesignere og industridesignere kastet seg hodestups inn i praktisk anvendelse, og skapte produkter som kunne masseproduseres effektivt og imøtekomme den bredest mulige forbrukerbasen.

Charles and Ray Eames - Case Study House No. 8

Yin Yang-teorien i arbeid

De rådende abstrakte kunstnerne på den tiden strevde også med å hjelpe til med å forstå hva som hadde skjedd med verden. Men i stedet for å gjenoppbygge samfunnet, noe som vanligvis ikke anses å være innenfor rammen av billedkunst, arbeidet de med å kontekstualisere det. Abstrakte kunstnere etter krigen prøvde å forstå noe iboende ved seg selv. De konfronterte det ukjente, det underbevisste og de dypt personlige aspektene ved sin menneskelighet.

En måte å se på det er at en balanse ble oppnådd. Designere svarte på krigens galskap med effektivitet og logikk. Abstrakte kunstnere svarte på det med intuisjon og følelser. Disse komplementære kreftene hadde begge sin effekt på bevisstheten til etterkrigssamfunnet. På den ene siden ble den vestlige verden så kontemplativ og eksistensielt dyp som den noen gang hadde vært. På den andre siden ble den sin mest materialistiske.

Ugo Gianattasio - Uten tittel, 1920

I etterkrigstiden etter andre verdenskrig var to av de mest innflytelsesrike designerne Charles og Ray Eames, skaperne av den berømte Eames-stolen. I 1949 designet og bygde de sitt Case Study House No. 8, som de brukte som hjem og studio. Bygningen ble ansett for å representere høyden av moderne arkitektonisk design på den tiden. Ifølge Eames Foundation var designet en del av et prosjekt ment å "uttrykke menneskets liv i den moderne verden." Huset så ut som et Piet Mondrian-maleri fra omtrent tretti år tidligere. Mondrian døde i 1944. I New York City i 1950 var en av de kronearkitektoniske prestasjonene en prisvinnende skyskraper kjent som Lever House. Hyllet som et mesterverk av moderne arkitektur, gjorde dens rene linjer, bruk av stål og glass, supre funksjonelle bruk av plass og totale mangel på ornament det til et fremragende eksempel på modernistisk arkitektur. Det uttrykte perfekt de estetiske bekymringene til 1920-tallets russiske konstruktivisme.

Lever House, New York City

Den største innovasjonen innen bildesign i 1950 var oppfinnelsen av hardtop kabriolet. Hva kunne gi mer mening? Det er høyden av funksjonalitet og stil, som utnytter billige, nye, lette materialer og en økende forbrukeretterspørsel etter alternativer. Og den strømlinjeformede designen av bilene var virkelig futuristisk, nesten akkurat så futuristisk som 1920-tallets italienske futurisme.

1950 Chrysler Town & Country

Påvirket abstrakt kunst moderne design? Absolutt. Piet Mondrian sin De Stijl-estetikk hadde åpenbart en dyp innvirkning på Eames-huset, det var bare tiår etter at neoplastisisme ble introdusert. Lever House var den perfekte konstruktivistiske skyskraperen; den kom bare noen tiår etter at konstruktivistisk arkitektur hadde introdusert seg selv. Og hardtop cabrioleter var faktisk bilene til fremtiden; 1920-tallets fremtid og 1950-tallets fremtid.

Det som skjedde innen abstrakt kunst på 1950-tallet var dette: Det var året Jackson Pollock malte "Nummer 1, 1950" og Franz Kline malte "The Chief."

Jackson Pollock - Nummer 1, 1950 (Lavender Mist), 1950, olje, emalje og aluminium på lerret, Ailsa Mellon Bruce-fondet, 1976.37.1

Den abstrakte ekspresjonismen i arkitektur

Etter hvert som innovasjoner innen telekommunikasjon utviklet seg raskt, økte også hastigheten med hvilken abstrakt kunst kunne påvirke design. I stedet for 30 år, tok det bare omtrent 10 år for Abstrakt Ekspresjonisme å sette sitt preg på designverdenen. Estetikken og filosofien bak Abstrakt Ekspresjonisme kom til gjennom en spredning av hele prosessen med kunstproduksjon. Det var en tilbakevending til intuisjon, til de primordiale opprinnelsene av underbevisste påvirkninger. Det var oppfyllelsen av Abstraksjons ultimate mål: oppdagelsen av originalitet og den sanne uttrykkelsen av essensen til det unike individet.

Den abstrakte ekspresjonistiske filosofien manifesterte seg i arkitektur i form av dekonstruvisme. Dekonstruvisme søkte å oppnå et element av uforutsigbarhet. I stedet for å holde seg til funksjonelle former som manglet ornamentikk, søkte dekonstruerende arkitekter originale former som åpenbart utnyttet ornamentale designelementer. Mange dekonstruerende arkitekter designet bygninger som så dekonstruerte ut, som om de var fragmentert i seksjoner. Andre designet bygninger som etterligner de gesturale estetikkene til abstrakt ekspresjonistisk kunst. Selv om stilen ble initiert på slutten av 1950-tallet, fortsetter den å bli brukt i dag. Dens mest gjenkjennelige tilhenger er sannsynligvis Frank Gehry.

Frank Gehrys Guggenheim Bilbao

På midten av 1960-tallet imiterte designtrender nesten umiddelbart trender innen abstrakt kunst, spesielt motedesign. Bridget Riley malte sitt banebrytende Op Art-verk, Movement in Squares, i 1961. Time magazine myntet begrepet "Op Art" i 1964 som svar på en utstilling av Julian Stanczaks verk i Martha Jackson Gallery i New York. I 1965 var stilen så fullt gjengitt i populærkulturen at den ble referert til i et fotospred i Vogue Magazine.

Bridget Riley - Bevegelse i firkanter, 1961. Tempera på hardboard. 123,2 x 121,2 cm. © 2018 Bridget Riley. Med vennlig hilsen Karsten Schubert, London

Minimale påvirkninger

På 1970-tallet var en av de dominerende stilene innen abstrakt kunst minimalisme, og en av de mest innflytelsesrike stemmene innen minimalisme var en kunstner ved navn Donald Judd. Judd og hans samtidige søkte å lage verk som var fundamentalt forskjellige fra verkene til tidligere abstraksjonister, spesielt de abstrakte ekspresjonistene. Minimalisme eliminerte personlige biografiske elementer fra verkene og søkte forenklede former og et nedtonet visuelt språk.

Det som gjør Judd til en så fascinerende studie, er at han ikke bare var en minimalistisk kunstner, men han var også en arkitekt og en møbeldesigner. Som en tilhenger av både billedkunst og anvendt kunst, var han i stand til å manifestere sine konsepter samtidig på tvers av de ulike feltene han arbeidet i. På noen måter var Judd personifiseringen av idealene til Bauhaus, eller av Art Nouveau, som begge understreket en samtidig uttrykk for alle kunstene som arbeidet sammen om de samme ideene.

Donald Judd - Prototype Desk, 1978. LACMA-samlingen. Gave fra 2011 Collectors Committee. © Museum Associates/LACMA

Judd var også en ivrig forfatter og teoretiker, og hadde dette å si om forskjellen mellom de skjønne kunstene og de anvendte kunstene: “Konfigurasjonen og skalaen av kunst kan ikke overføres til møbler og arkitektur. Intensjonen med kunst er forskjellig fra den sistnevnte, som må være funksjonell. Hvis en stol eller en bygning ikke er funksjonell, hvis den bare fremstår som kunst, er det latterlig...” Den filosofien er tydelig i det forskjellige arbeidet han laget.

Donald Judd - Uten tittel, 1971

Form vs. funksjon

Den essensielle forskjellen mellom abstrakt kunst og design er at abstrakt kunst, som all fin kunst, er noe som skal oppleves på et kontemplativt nivå. Det kan være intellektuelt, visceralt, inspirerende eller estetisk vakkert. Det er ment å få oss til å tenke, føle, vurdere, utvikle oss og undre oss over meningen med våre erfaringer. Designets funksjon er ganske annerledes. Det er en måte å øke nytteverdien eller gleden av forbrukerprodukter. Design må tjene en funksjon, ellers er det, som Judd sa, absurd.

Den dype innflytelsen abstrakte kunstretninger som Abstrakt Ekspresjonisme, Op Art, Neoplastisisme og Minimalisme har hatt på alle de anvendte kunstformene, fra motedesign til møbeldesign til arkitektur og videre, kan ikke overdrives. Og heldigvis lever vi i dag i en tid hvor vi raskt kan få tilgang til historien om både abstrakt kunst og design, og se med egne øyne de dype effektene estetikk og filosofi fra abstrakt kunst har på designretninger.

Interessant nok lever vi også i en tid hvor vi kan se disse effektene utspille seg på en umiddelbar måte. En abstrakt maler kan laste opp et fotografi av sitt nye maleri på Instagram, og sekunder senere kan en motedesigner i Milano bruke det bildet som inspirasjon for sin nye vårkolleksjon. Eller omvendt. En motedesigner kan laste opp et bilde av en ny kjole, og det kan ha en visceral effekt på en abstrakt kunstner, som deretter kan gjøre fremskritt inn i nye områder av abstrakt kunst. I dag kan alt påvirke alt annet, mens vår kultur lykkelig hopper fremover for å møte det nye.

Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.
Av Phillip Barcio