Arven etter Sir Howard Hodgkin

Den anerkjente britiske abstrakte maleren og grafikkeren Howard Hodgkin var blant de mest dekorerte kunstnerne i sin generasjon. Han representerte Storbritannia på Venezia-biennalen i 1984 og vant Turner-prisen i 1985. I 1976 ble han tatt opp i The Most Excellent Order of the British Empire (CBE); han ble adlet i 1992; og i 2003 innlemmet dronning Elizabeth II ham i Order of the Companions of Honour, hvor han sluttet seg til en utvalgt liste med bare tre andre abstrakte kunstnere—Henry Moore, Victor Pasmore og Bridget Riley—som har fått samme utmerkelse. Den berømte statusen Hodgkin til slutt oppnådde i sin karriere står i sterk kontrast til kampene i hans tidlige yrkesliv. I 1981 uttalte Hodgkin, «Jeg tror jeg har vært heldig ved at jeg ikke var i det hele tatt suksessfull før jeg var middelaldrende, men det var mange bitre øyeblikk å leve gjennom når det tok så lang tid før noen i det hele tatt virket interessert i å se på bildene mine.» På 30-tallet var han så nedstemt av avvisning at han vurderte selvmord. Men i stedet for å gi etter for fortvilelse, viet han seg på nytt til den estetiske uttrykksformen for sitt indre jeg. Jo mer Hodgkin dykket innover, desto mer intuitivt forstod han forholdet mellom følelser og de formelle elementene i kunsten, som farge og maling; og jo mer abstrakt ble hans arbeid etter hvert. Mot slutten av livet skapte Hodgkin et særegent verk basert på en nedstrippet stil som formidlet rå følelse på de enkleste og mest direkte måter.

Figurer og Følelser

Det har lenge vært en viss debatt om vi bør omtale Howard Hodgkin som en figurativ eller abstrakt kunstner. Hans tidlige arbeid var tydelig basert på virkeligheten, med figurer i innendørs rom, noen ganger i sosiale sammenhenger. Men etter hvert som karrieren utviklet seg, visket han ut skillet mellom abstraksjon og figurativ kunst, og skapte malerier som befant seg i et slags skjæringspunkt mellom de to. I stedet for å bare behandle spesifikt innhold fra sitt liv, utforsket han hvordan formelle elementer som farge, mønster og overflate kunne vekke følelsesmessige elementer i bildene hans. I flere tiår inneholdt maleriene hans små figurative elementer innbakt i abstrakte fargeflater, former og mønstre. Men selv når han malte noe som de fleste betraktere ville anse som rent abstrakt, likte Hodgkin selv å si at verket fortsatt var figurativt, siden det hele var nært knyttet til en pågående fortelling basert på hans personlige virkelighet.

Hodgkin begynte å stille ut maleriene sine i 1950, da han var 18 år gammel og fortsatt student. Faktisk regnes et av hans tidligste verk, en gouache-maleri på plate med tittelen Memoirs, malt da han bare var 16, av noen fans som et av hans beste. Han fikk sin første separatutstilling i 1962, ved den anerkjente Arthur Tooth & Sons-galleriet i London. Den unike blandingen av figurativt og abstrakt som preget verkene i den utstillingen, gjorde Hodgkin til en unik og dristig kunstner. Men det britiske publikum forstod ikke umiddelbart verkene, og utstillingen ble ikke en kommersiell suksess. Det skulle gå nesten et tiår før betraktere i hjemlandet hans begynte å verdsette hans særegne talent.

Howard Hodgkin - Memoirs, 1949, Gouache på plate, 8 5/8 x 9 7/8 tommer, © The Estate of Howard Hodgkin

Minner fra India

Tidlig i livet innså Howard Hodgkin at maleriene han ønsket å male, var mer som estetiske levninger av hans egne minner. Som en som særlig elsket å reise, handlet mange av hans sterkeste minner om det storslagne landskapet og de ekstraordinære menneskene han møtte i utlandet. Noen av de mest vellykkede trykkene han laget, handlet om reiser han tok til India. I en serie silketrykk han laget med tittelen Indian Views tok han for seg de små, horisontale vinduene som er vanlige på sidene av tog i det landet. Bildene kan leses som enkle landskap med horisontlinjer, men kan også betraktes som abstrakte fargeflater.

I tillegg til deres følelsesmessige bruk av farge, er hans Indian View-silketrykk også bemerkelsesverdige ved at de inneholder det arketypiske estetiske elementet rammen, som over tid ble avgjørende viktig for Hodgkin. I mange av hans abstrakte malerier malte han en rektangulær ramme rundt bildet. Senere begynte han å ramme inn flatene med faktiske trerammer, for så å male bildet både på flaten og rammen, og dermed forene de to. Den malte rammen definerte maleriene hans som gjenstander som sto imot ytre innblanding, og klargjorde at meningen deres var helt og holdent inneholdt i seg selv.

Howard Hodgkin - Indian View H, 1971, Silketrykk på papir, 581 x 780 mm, © The Estate of Howard Hodgkin

Utenlandsk Anerkjennelse

Til tross for manglende forståelse Hodgkin først møtte fra publikum, fortsatte han å stille ut og forfulgte sin unike stil, skapte hybride abstrakt-figurative bilder og utviklet et følelsesladet, fargerikt billedspråk basert på følelser. I 1971 ble han for første gang invitert til å stille ut i utlandet, i Köln, Tyskland. Den utstillingen ble en suksess, og året etter stilte han ut i en gruppeutstilling i Paris. Og året etter det stilte han for første gang ut i USA, på et galleri i New York.

Til sin glede hadde utenlandske betraktere et helt annet inntrykk av hans arbeid. Etter sin debut i New York sa Hodgkin, «de forstod med en gang hva slags kunstner jeg var… reaksjonen var slik at jeg følte jeg kommuniserte med et publikum. Det har jeg sjelden følt i England.» Kanskje på grunn av denne internasjonale oppmerksomheten, eller kanskje fordi britiske betraktere endelig innså hva de hadde gått glipp av, så Hodgkin i løpet av de neste årene sin anseelse i Storbritannia forbedres. Innen 1976 hadde han blitt tildelt CBE, og fått sin første retrospektive utstilling ved Oxford Museum of Modern Art.

Howard Hodgkin - Not at Table, 1972, olje på tre, 33 x 36 tommer, © The Estate of Howard Hodgkin

London-skolen

Også i 1976 fikk Hodgkin æren av å bli regnet blant en gruppe britiske kunstnere knyttet til noe kalt London-skolen. Maleren R. B. Kitaj myntet begrepet London-skolen i et katalogessay han skrev til en utstilling med tittelen The Human Clay. Kitaj mente begrepet skulle rette oppmerksomhet mot at i motsetning til globale trender mot Popkunst, minimalisme, konseptkunst og andre populære stiler, hadde en gruppe talentfulle britiske kunstnere grundig utforsket den moderne relevansen av menneskefiguren i kunsten.

The Human Clay inkluderte arbeider av 48 kunstnere; blant dem var Kitaj og Hodgkin, samt flere andre som senere ble svært innflytelsesrike internasjonalt, som Frank Auerbach, David Hockney, Francis Bacon, Henry Moore og Lucian Freud. Hver av dem hadde på den tiden utforsket figurativ kunst på unikt moderne måter. Men de fleste avviste likevel betegnelsen London-skolen da de først hørte den. Howard Hodgkin avviste betegnelsen, selv om han hadde fem verk i utstillingen, det nest høyeste antallet av noen kunstner. Å bli inkludert i utstillingen var likevel et løft for Hodgkin, og en stor offentlig anerkjennelse av hans innsats.

Howard Hodgkin - The Last Time I Saw Paris, 1988-1991, olje på tre, 44 1/4 x 50 tommer, © The Estate of Howard Hodgkin

Mindre er Mer

Gjennom hele karrieren søkte Hodgkin etter måter å uttrykke mer på ved å vise mindre, og reduserte til slutt de figurative elementene i sitt arbeid til knapt synlige. Samtidig med den bredere offentlige anerkjennelsen han opplevde på slutten av 1970-tallet, gjennomgikk Hodgkin også en overgang i sitt personlige liv. Etter 20 års ekteskap med sin kone Julia, kom Hodgkin ut som homofil, og ga Julia omsorgen for deres to sønner. Livet hans ble samtidig enklere og mer komplisert. Selv om titlene på verkene hans fra dette tidspunktet beholdt den personlige fortellende kvaliteten som hans arbeid var kjent for, med henvisninger til spesifikke personlige minner, ble innholdet i bildene hans dramatisk mer abstrakt.

Selv om han sannsynligvis ville ha nektet en slik påstand, er det lett å se hvordan det å frigjøre seg fra en personlig løgn også kunne ha frigjort ham fra behovet for å tilføre bildene sine antydninger, og tillatt ham å bli mer direkte med sine følelser. Om det hadde noe med den omstendigheten å gjøre eller ikke, i de siste tiårene av sitt liv reduserte Hodgkin sitt billedspråk mer dramatisk enn noen gang før. Han ble mer dyktig til å formidle det uttrykksfulle potensialet i farge, penselstrøk, overflate, komposisjon og maling. I sine siste år var komposisjonene hans de enkleste, og kanskje de mest dyptgående, og formidlet elegant hans grunnleggende idé om minnets og følelsens flyktige kraft.

Howard Hodgkin - Love and Death, 2015, olje på tre, 31 x 35 tommer, © The Estate of Howard Hodgkin

Forsidebilde: Howard Hodgkin Brigid Seagrave (detalj), 1961-62, olje på lerret, 34 x 39 tommer
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio