Arven etter Sir Howard Hodgkin

Den anerkjente britiske abstrakte maleren og grafikkeren Howard Hodgkin var blant de mest dekorerte kunstnerne i sin generasjon. Han representerte Storbritannia på Venezia-biennalen i 1984 og vant Turner-prisen i 1985. I 1976 ble han tatt opp i Den mest utmerkede orden av det britiske imperiet (CBE); han ble adlet i 1992; og i 2003 innlemmet dronning Elizabeth II ham i Ordenen av æreskameratene, hvor han ble med på en utvalgt liste av bare tre andre abstrakte kunstnere—Henry Moore, Victor Pasmore og Bridget Riley—som har fått den samme utmerkelsen. Den feirede statusen Hodgkin til slutt oppnådde i sin karriere står i skarp kontrast til kampene i hans tidlige profesjonelle liv. I 1981 uttalte Hodgkin: “Jeg tror jeg har vært heldig i at jeg ikke var særlig vellykket før jeg var middelaldrende, men det var mange bitre øyeblikk å leve gjennom når det var så lenge før noen så ut til å ville se på bildene mine i det hele tatt.” I 30-årene var han så nedstemt av avvisning at han vurderte selvmord. Men i stedet for å gi etter for fortvilelse, viet han seg på nytt til den estetiske uttrykkelsen av sitt indre selv. Jo mer Hodgkin dykket inn i seg selv, jo mer intuitivt forsto han forholdet mellom følelser og de formelle essensene av kunst, som farge og maling; og jo mer abstrakt ble arbeidet hans deretter. På slutten av livet sitt skapte Hodgkin et distinkt verk basert på en nedtonet stil som formidlet rå følelser på de enkleste og mest direkte vilkår.

Figurer og Følelser

Det har lenge vært en debatt om hvorvidt vi skal referere til Howard Hodgkin som en figurativ eller abstrakt kunstner. Hans tidlige arbeid var tydelig basert på virkeligheten, og viste figurer i innendørs rom, noen ganger i sosiale omstendigheter. Men etter hvert som karrieren hans utviklet seg, visket han ut grensen mellom abstraksjon og figurasjon, og skapte malerier som befant seg i et slags skjæringspunkt mellom de to. I stedet for å bare håndtere spesifikke innhold fra livet sitt, utforsket han måtene formelle elementer som farge, mønster og overflate kunne fremkalle emosjonelle elementer i bildene hans. I flere tiår inneholdt maleriene hans minutte figurative elementer innkapslet i abstrakte fargefelt, former og mønstre. Men selv når han malte noe som de fleste seere ville anse som rent abstrakt, elsket Hodgkin selv å si at verket fortsatt var figurativt, da alt var nært knyttet til en pågående fortelling informert av hans personlige virkelighet.

Hodgkin begynte å vise maleriene sine i 1950, i en alder av 18, mens han fortsatt var student. Faktisk er et av hans tidligste verk, et gouache-maleri på plate med tittelen Memoirs, malt da han bare var 16, ansett av noen fans for å være blant hans beste. Han fikk sin første separatutstilling i 1962, på den anerkjente Arthur Tooth & Sons Gallery i London. Den unike blandingen av figuration og abstraksjon som definerte verkene i den utstillingen fikk Hodgkin til å skille seg ut som unik og dristig. Men det britiske publikum forsto ikke umiddelbart verket, og utstillingen var ikke en kommersiell suksess. Det ville ta nesten et tiår før seerne i hjemlandet hans ville komme til å sette pris på hans distinkte talent.

Howard Hodgkin - Memoirs, 1949, Gouache on board, 8 5/8 x 9 7/8 in, © The Estate of Howard Hodgkin

Minner fra India

Tidlig i livet innså Howard Hodgkin at maleriene han ønsket å male var mer som estetiske relikvier av sine egne minner. Som en som spesielt elsket å reise, handlet mange av hans mest potente minner om det spektakulære landskapet og de ekstraordinære menneskene han møtte mens han var i utlandet. Noen av de mest vellykkede trykkene han laget, handlet om turene han tok til India. I en serie silketrykk han laget med tittelen Indian Views tok han for seg de små, horisontale vinduene som er vanlige på sidene av tog i det landet. Bildene leses som enkle landskap med horisontlinjer, men kan også betraktes som abstrakte fargefelt.

I tillegg til deres emosjonelle bruk av farge, er hans Indian View silketrykk også bemerkelsesverdige ved at de inneholder det arketypiske estetiske elementet av rammen, som over tid ble avgjørende viktig for Hodgkin. I mange av hans abstrakte malerier malte han en rektangulær ramme som inneholdt bildet. Senere begynte han å ramme inn overflatene sine i faktiske trerammer, og deretter male bildet både på overflaten og rammen, og kombinere de to. Den malte rammen definerte maleriene hans som objekter motstandsdyktige mot ytre innblanding, og klargjorde at deres mening var helt inneholdt i seg selv.

Howard Hodgkin - Indian View H, 1971, Screenprint on paper, 581 x 780 mm, © The Estate of Howard Hodgkin

Utenfor gjenkjennelse

Til tross for den manglende forståelsen Hodgkin først fikk fra publikum, fortsatte han å stille ut og holdt fast ved sin unike stil, og skapte hybride abstrakt-figurative bilder og utviklet et emosjonelt, fargerikt visuelt språk basert på følelser. I 1971 ble han for første gang invitert til å stille ut i utlandet, i Köln, Tyskland. Den utstillingen var en suksess, og året etter stilte han ut i en gruppeutstilling i Paris. Og året etter stilte han for første gang ut i USA, i et galleri i New York.

Til hans glede hadde utenlandske seere en helt annen oppfatning av arbeidet hans. Etter sin debut i New York sa Hodgkin: “de innså straks hva slags kunstner jeg var… reaksjonen var slik at jeg følte jeg kommuniserte med et publikum. Jeg har sjelden følt det i England.” Kanskje på grunn av denne internasjonale oppmerksomheten, eller kanskje fordi britiske seere rett og slett innså hva de hadde gått glipp av, så Hodgkin i løpet av de neste årene sitt rykte i Storbritannia forbedre seg. I 1976 hadde han blitt tildelt CBE, og hadde fått sin første retrospektive utstilling, ved Oxford Museum of Modern Art.

Howard Hodgkin - Not at Table, 1972, oil on wood, 33 x 36 in, © The Estate of Howard Hodgkin

Skolen i London

Også i 1976 fikk Hodgkin æren av å bli inkludert blant en gruppe britiske kunstnere knyttet til noe som ble kalt School of London. Maleren R. B. Kitaj myntet begrepet School of London i et katalogessay han skrev for en utstilling med tittelen The Human Clay. Kitaj hadde til hensikt å trekke oppmerksomheten mot det faktum at i kontrast til globale trender mot Pop Art, Minimalisme, Konseptuell kunst og andre populære stiler, hadde en gruppe talentfulle britiske kunstnere flittig utforsket den moderne relevansen av den menneskelige figuren i kunsten.

Human Clay inkluderte arbeidet til 48 kunstnere; blant dem var Kitaj og Hodgkin, samt flere andre som senere ble vitale internasjonale påvirkere, som Frank Auerbach, David Hockney, Francis Bacon, Henry Moore, og Lucian Freud. Hver av dem hadde, på den tiden, faktisk utforsket figurasjon på unikt moderne måter. Men de fleste avviste likevel merkelappen School of London da de først hørte den. Howard Hodgkin avviste merkelappen, selv om han hadde fem verk i utstillingen, det nest høyeste antallet av noen kunstner. Å bli inkludert i utstillingen var likevel et løft for Hodgkin, og en stor offentlig bekreftelse av hans innsats.

Howard Hodgkin - The Last Time I Saw Paris, 1988-1991, Oil on wood, 44 1/4 x 50 in, © The Estate of Howard Hodgkin

Less is More

Gjennom hele sin karriere søkte Hodgkin etter måter å uttrykke mer mens han viste mindre, og reduserte til slutt de figurative elementene i arbeidet sitt til de knapt var til stede i det hele tatt. Samtidig med den bredere offentlige anerkjennelsen han opplevde på slutten av 1970-tallet, gjennomgikk Hodgkin også en overgang i sitt personlige liv. Etter 20 år med ekteskap med sin kone Julia, kom Hodgkin ut som homofil, og ga Julia omsorgen for deres to sønner. Livet hans ble samtidig enklere og mer komplisert. Selv om titlene på verkene hans fra dette punktet av beholdt den personlige fortellende kvaliteten som arbeidet hans hadde blitt kjent for, med referanser til spesifikke personlige minner, ble innholdet i bildene hans dramatisk mer abstrakt.

Selv om han sannsynligvis ville ha nektet en slik anklage, er det lett å se hvordan det å frigjøre seg fra en personlig usannhet også kunne ha frigjort ham fra behovet for å investere bildene sine med underforstått mening, noe som tillot ham å bli mer direkte med følelsene sine. Enten det hadde noe med den omstendigheten å gjøre eller ikke, i de siste tiårene av livet sitt, reduserte Hodgkin sitt visuelle språk mer dramatisk enn noen gang før. Han ble mer dyktig til å formidle det uttrykksfulle potensialet i farge, penselstrøk, overflate, komposisjon og maling. I sine siste år var komposisjonene hans de enkleste, og kanskje mest dype, som dyktig kommuniserte hans essensielle idé om den flyktige kraften av minne og følelser.

Howard Hodgkin - Love and Death, 2015, Oil on wood, 31 x 35 in, © The Estate of Howard Hodgkin

Uthevet bilde: Howard Hodgkin Brigid Seagrave (detalj), 1961-62, Olje på lerret, 34 x 39 tommer
Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.
Av Phillip Barcio