Whitney feirer 1960-tallets fargemalerier i en ny utstilling

Bob Thompson døde av en heroinoverdose i en alder av 28 år, men han fullførte nesten 1000 malerier og tegninger i sin korte karriere. Whitney Museum of American Art feiret hans arbeid i en retrospektiv utstilling i 1996, og denne våren vil hans malerier og ord være kjernen i en stor Whitney-utstilling om farge. Spilling Over: Painting Color in the 1960s tar sitt navn fra et sitat av Thompson: «Jeg har noe inni meg som bare brister, vrir seg, fester seg, renner over for å komme ut. Ut i sjeler og munner og øyne som aldri har sett før.» Diktene og lidenskapen i disse ordene kommer strålende til uttrykk i hans malerier, mange av dem låner komposisjonene til de gamle mestrene, og abstraherer figurene og landskapene for å skape ekspresjonistiske, jazz-inspirerte verdener definert av livfulle og illusoriske fargepaletter. Thompson representerer denne utstillingen perfekt, siden kurateringen ignorerer tradisjonelle betegnelser knyttet til bevegelser og stiler. Thompson var aldri bundet til noen enkelt bevegelse eller metode – han hentet fra Popkunst, Fauvisme, Ekspresjonisme, Figurasjon, Abstraksjon og alt annet som tjente hans visjon. På samme måte vil Spilling Over: Painting Color in the 1960s sette søkelys på mange estetiske posisjoner, inkludert Op-kunst, Hard Edge Abstraksjon, Fargefeltmaling, Post Painterly Abstraksjon, Abstrakt Ekspresjonisme, Minimalisme, Feministisk Kunst, Mønster- og Dekorasjonsbevegelsen, og tidlig Modernistisk Geometrisk Abstraksjon. Og den vil inkludere verk fra et like bredt og mangfoldig utvalg av kunstnere, noen kjente, som Josef Albers, Helen Frankenthaler, Sam Gilliam, Ellsworth Kelly, Morris Louis, Kenneth Noland og Frank Stella, og noen mindre kjente, som Kay Walkingstick, Emma Amos, Richard Anuszkiewicz, Frank Bowling, Marcia Hafif, Al Held, Alvin Loving og Miriam Schapiro. Hentet helt fra den eksisterende Whitney-samlingen, vil den tilby et omfattende innblikk i det sanne mangfoldet av kunstnerisk uttrykk som eksisterte i en av de mest fruktbare epokene i 1900-tallets kunsthistorie. Som forberedelse følger her korte profiler av seks av de mindre kjente kunstnerne som er med i utstillingen.

Emma Amos

Da Emma Amos først kom til New York på begynnelsen av 1960-tallet, møtte hun motstand fra høyskoler som sa at hun var for ung til å undervise, og fra gallerister som ikke ville vise hennes arbeid enten fordi hun var svart eller kvinne. Hennes tilflukt fant hun i selskap med andre kunstnere, som utvidet hennes allerede lange kunstutdanning ved å dele med Amos håndverkets læresetninger. Hun lærte om tekstiler fra Dorothy Liebes; om trykk fra Letterio Calapai; og om nyansene ved å ta opp sosiale spørsmål og politikk i sitt arbeid fra medlemmer av Spiral-gruppen, hvor Amos var det eneste kvinnelige medlemmet. Amos har lenge utmerket seg med sin radikale fantasi og det motet hun har vist ved å omfavne flere forskjellige stiler, teknikker og historiske referanser. Hun er en av de store levende pionerene innen postmodernismen.

Emma Amos - Baby, 1966. Oljemaleri på lerret. 46 1/2 × 51 tommer (118,1 × 129,5 cm). Whitney Museum of American Art, New York; kjøpt i fellesskap av Whitney Museum of American Art, med midler fra Painting and Sculpture Committee; og The Studio Museum in Harlem, museumsinnkjøp med midler gitt av Ann Tenenbaum og Thomas H. Lee T.2018.33a-b. © Emma Amos; med tillatelse fra kunstneren og RYAN LEE Gallery, New York.

Richard Anuszkiewicz

Sammen med Bridget Riley er Richard Anuszkiewicz en av de siste levende pionerene innen Op-kunst-bevegelsen. Som ung kunstner merket Anuszkiewicz at farge var det ene han ikke mestret, så han dro til Yale for å studere fargeteori hos den store Josef Albers. Den unike visuelle stemmen Anuszkiewicz utviklet gjorde hans arbeid banebrytende for sin tid. Mange roste hans briljans, men bare ett maleri ble solgt fra hans debututstilling. Heldigvis for Anuszkiewicz var den ene kjøperen Alfred F. Barr, Jr., direktør ved Museum of Modern Art. Den ene, sterke støtten brakte Anuszkiewicz til oppmerksomheten til Whitney-kuratorene, som straks inkluderte ham i en stor gruppeutstilling om geometrisk abstraksjon, og sikret hans deltakelse i The Responsive Eye, utstillingen som satte Op-kunst på kartet.

Richard Anuszkiewicz - The Fourth of the Three, 1963. Akryl på komposisjonsplate. 48 1/16 × 48 1/16 tommer (122,1 × 122,1 cm). Whitney Museum of American Art, New York; kjøpt med midler fra Friends of the Whitney Museum of American Art 64.4. © 2019 Richard Anuszkiewicz/Lisensiert av VAGA ved Artists Rights Society (ARS), New York.

Frank Bowling

I en alder av 85 år får Frank Bowling endelig den verdensomspennende anerkjennelsen han har fortjent i flere tiår. Hans lysende lerreter stråler av farge og stemning. Sømløst inkorporerer han et mangfold av metoder, og bygger bro mellom ulike estetiske posisjoner som Popkunst, Fargefeltmaling, Abstrakt Ekspresjonisme, Arte Povera og Post Painterly Abstraksjon. Senere i år vil Bowling bli satt i fokus i en monumental retrospektiv utstilling ved Tate Britain, som vil dekke 60 år av hans karriere.

Frank Bowling - Dan Johnson's Surprise, 1969. Akryl på lerret. 115 15/16 × 104 1/8 tommer (294,5 × 264,5 cm). Whitney Museum of American Art, New York; kjøpt med midler fra Friends of the Whitney Museum of American Art 70.14. © 2019 Frank Bowling/Lisensiert av Artists Rights Society (ARS), New York.

Kay Walkingstick

Blant de nyeste anskaffelsene som inngår i denne utstillingen, vil det være verk av Kay Walkingstick, en uramerikansk kunstner hvis arbeid skaper overskridende broer mellom de innfødte estetiske tradisjonene fra hennes cherokee-røtter og estetikken i global postmodernisme. Walkingstick er en forgjenger og en inspirasjon for yngre uramerikanske kunstnere som Jeffrey Gibson, som søker å utforske konsekvensene av de universelle trekkene som deles av gamle og moderne kunsttradisjoner. Jakten på universalitet har alltid vært avgjørende for Walkingstick, som har sagt: «Jeg ønsker at alle mennesker skal holde fast ved sine kulturer – men jeg ønsker også å oppmuntre til gjensidig anerkjennelse av en delt eksistens.»

Kay Walkingstick - Night/ᎤᎡᎢ (Usvi), 1991. Olje, akryl, voks og kobber på lerret. 36,25 x 72,25 x 2 tommer. Med tillatelse fra Montclair Art Museum, kjøpt med midler gitt av Alberta Stout.

Alvin Loving

Alvin Loving skapte en visuelt slående samling verk som blant annet definerte farge som det primære samlende elementet mellom Abstrakt Ekspresjonisme og Hard Edge Geometrisk Abstraksjon. Hans energiske, gestiske malerier og materialfokuserte, multimediakollasjer er følelsesladde og lyriske. Hans geometrisk abstrakte verk er derimot kalkulerte og dristige, og blant de mest iøynefallende og intellektuelt stimulerende verkene i hans generasjon. Som samtidskunstner med Sol Le Witt og Victor Vassarely, tok Loving deres ideer og forskning til et nytt nivå, og fylte sitt arbeid med visuell energi som gjør det friskt og levende selv i dag, nesten en generasjon etter hans død.

Alvin Loving - Septehedron 34, 1970. Akryl på formet lerret. 88 5/8 × 102 1/2 tommer (225,1 × 260,4 cm). Whitney Museum of American Art, New York; gave fra William Zierler, Inc. til ære for John I. H. Baur 74.65. Med tillatelse fra Al Lovings bo og Garth Greenan Gallery, New York.

Miriam Schapiro

Feministisk kunstikon Miriam Schapiro deltok i den banebrytende installasjonen Womanhouse, og ble en av de mest innflytelsesrike stemmene innen Mønster- og Dekorasjonsbevegelsen. Schapiro konfronterte kjønnsforutinntatthet i kunstverdenen ved å bruke materialer og teknikker knyttet til hjem og håndverk. Den ubestridelige mestringen, skjønnheten og den intellektuelle integriteten i hennes arbeid avslørte de absurde patriarkalske fordommene som alltid hadde dominert kunstverdenen. Farge var et essensielt element i hennes verk, og ladet dem med en elektrisk, nesten vibrerende følelse av handling, og trakk oppmerksomhet til formelle estetiske elementers evne til å bli aktivert som redskaper for sosial og politisk forandring.

Miriam Schapiro - Mechano/Flower Fan, 1979. Akryl og tekstilkollasje på papir. 30 x 44 tommer. Gave fra Mary Ross Taylor til ære for hennes mor, Betty S. Abbott. National Museum of Women in the Arts.

Utvalgt bilde: Morris Louis - Gamma Delta, 1959-60. Magna på lerret. 103 1/8 × 152 1/2 tommer (261,9 × 387,4 cm). Whitney Museum of American Art, New York; kjøpt med midler fra Glen Alden Foundation og McCrory Foundation, Inc. 69.57. © 2018 Maryland Institute College of Art (MICA) / Artists Rights Society (ARS), New York.
Alle bilder brukt kun til illustrasjonsformål
Av Phillip Barcio