Hvorfor Richard Anuszkiewicz var en stor kraft innen Op Art

Kunstbevegelser dør aldri. De tar bare en lur til noen nye genier vekker dem opp igjen, slik at de kan plukke opp der deres tidligere mestere slapp. Eller noen ganger, som i det sjeldne tilfellet med Op Art, takket være en av sine mest varige pionerer, Richard Anuszkiewicz, får en kunstbevegelse privilegiet av å gå fremover uavbrutt, generasjon etter generasjon. Op Art dukket opp på 1960-tallet, og den har aldri virkelig forsvunnet. Sammen med Bridget Riley var Anuszkiewicz, frem til 2020, en av dens levende legender. En tidligere elev av Josef Albers ved Yale, Anuszkiewicz var i forkant av en trend bort fra personlig følelser og drama i kunsten, og mot undersøkelsen av objektive formelle relasjoner, og effekten disse relasjonene har på våre øyne og sinn. Det som fikk Anuszkiewicz til å skille seg ut blant sine samtidige, og som holdt ham relevant lenge etter at de fleste av dem hadde gitt seg, er ikke bare briljansen i hans arbeid, men alvorligheten og ydmykheten med hvilken det ble laget.

Oppdage farger

En av de mest hjertevarmende historiene om Richard Anuszkiewicz er hans første separatutstilling i New York City. Historien begynner tilbake i Ohio, hvor Anuszkiewicz fikk sin Bachelor of Arts-grad ved Cleveland Institute of Art. I sitt femte og siste år ved den skolen fikk han et stipend for å studere kunst i Europa. Men etter å ha uttrykt til rådgiveren sin at han ikke hadde interesse for Europa, ble han i stedet oppfordret til å ta videre studier ved enten Cranbrook, en progressiv kunstskole utenfor Detroit, eller Yale. Etter å ha fått vite at Josef Albers, den berømte fargekunstneren med røtter i Bauhaus, var ved Yale, valgte Anuszkiewicz å dra dit. Når det gjelder valget hans, forklarte han senere at han følte at farge var det største som manglet i arbeidet hans.

Selv om Albers ble, og fortsatt er, ansett som et geni, var han ikke en universelt elsket lærer. Mange fant hans undervisning vilkårlig, kjedelig – til og med unyttig. Men Albers brydde seg ikke om hva studentene hans mente. Han trodde på den iboende verdien av å forstå fargeforhold, så det var alt han underviste i. Hvis en student ikke forsto eller viste interesse, var det det samme for Albers. Men Anuszkiewicz var den sjeldne studenten som fullt ut forsto viktigheten av det Albers underviste. Han utmerket seg i klassene sine. Han ble til og med overbevist av Albers om å gi opp figurasjon, og aksepterte at den eneste måten å virkelig utforske fargens kraft på, er å gjøre det til det sentrale emnet i arbeidet. Men det gjensto ett sentralt problem for Anuszkiewicz, og det var at under vekten av den sterke personligheten Albers hadde, var det nesten umulig for studentene hans å utvikle en individuell stil.

Richard Anuszkiewicz - Rosafied; and Veridified, 1971, Two screenprints in colors, on wove paper, with full margins, 36 × 26 in, 91.4 × 66 cm, © Richard Anuszkiewicz

Suksess i siste liten

Etter å ha fullført sin mastergrad ved Yale, tok Anuszkiewicz det uvanlige steget å returnere til Ohio for å ta en ekstra grad i utdanning i tilfelle han noen gang ønsket å undervise. Det var der, endelig fri fra innflytelsen fra Albers, at han kom frem til en stil av sin egen. Det var en utforskning av hvordan forholdet mellom farger og former kunne lure øyet og få sinnet til å se ting som ikke er der. Han fant denne opplevelsen transcendent og kontemplativ, og dens paradoks poetisk. Etter å ha fullført sin utdanningsgrad, følte Anuszkiewicz at han for første gang hadde en sterk, idiosynkratisk idé, og mange gode eksempler på sitt arbeid. Så han flyttet til New York og begynte å vise arbeidet sitt til gallerister. Men til tross for mange som syntes arbeidet var interessant, ønsket ingen gallerister å ta sjansen på å vise det. Det var 1957. Abstrakt ekspresjonisme var fortsatt på moten. Forhandlerne var bare ikke sikre på om de flate, fargerike, hardkantede verkene Anuszkiewicz laget ville selge.

Det tok to år før Anuszkiewicz endelig ble signert av Karl Lunde, ved The Contemporaries Gallery. Lunde tilbød ham en separatutstilling i mars 1960. Den utstillingen viste seg å være fantastisk godt besøkt. Mange kritikere og samlere buzzet lykkelig om verkene. Men som alle de andre forhandlerne hadde spådd, var det ingen som kjøpte. Faktisk gikk nesten hele utstillingen forbi uten et eneste salg, helt til, på nesten den siste dagen, en kjøper endelig kom inn: Alfred F. Barr, Jr., som tilfeldigvis var direktør for Museum of Modern Art. Barr kjøpte et maleri kalt Fluorescent Complement, og stilte det ut senere samme år på MoMA sammen med andre nylige anskaffelser. Som klokker begynte andre samlere å skaffe seg verk av Anuszkiewicz, inkludert noen av de rikeste samlerne i byen, som Nelson Rockefeller.

Richard Anuszkiewicz - Fluorescent Complement, 1960, Oil on canvas, 36 x 32 1/4 in (91.5 x 82 cm), MoMA Colection, © Richard Anuszkiewicz

MoMA-effekten

Tilstedeværelsen av Fluorescent Complement på MoMA signaliserte til publikum at det var på tide for Abstrakt Ekspresjonisme å ta en lur. Året etter var Whitney vert for Geometric Abstraction in America, som inkluderte et Anuszkiewicz-maleri, og deretter kunngjorde MoMA en stor kommende utstilling dedikert til "en primært visuell vektlegging." Da den store utstillingen, som ble kalt The Responsive Eye, endelig fant sted, inkluderte den verk av en rekke kunstnere og befestet betydningen av begrepet Op Art. Og sammen med Victor Vasarely og Bridget Riley, dukket Anuszkiewicz opp som en av de viktigste kunstnerne i utstillingen.

Det sies at det som skilte Vasarely var hans mestring av lys og mørke, det som skiller Riley er hennes mestring av linje, og det som skilte Anuszkiewicz var hans mestring av fargeforhold. Men det er noe annet ved alle tre som skiller dem fra hverandre—deres alvor. De har alle tre en iboende nysgjerrighet og dedikasjon. Og Anuszkiewicz var også spesiell for sin ydmykhet. Mens skribenter strømmer over av hans prestasjoner, kommer han med kommentarer som, “Noe skjer når du setter to farger sammen. Det har en effekt.” Han nedtonet briljansen og kraften i sitt arbeid, og refererte enkelt tilbake til tanken om at farger og former endres i forskjellige situasjoner, og å reflektere over slike endringer kan minne mennesker om at vi aldri er helt sikre på om det vi ser på er ekte.

Richard Anuszkiewicz - Unnumbered (Annual Edition), 1978, Paint and screenprint on masonite, 4 × 4 in, 10.2 × 10.2 cm, Loretta Howard Gallery, New York City, New York © Richard Anuszkiewicz

Fremhevet bilde: Richard Anuszkiewicz - Uten tittel (Årlig utgave), 1980, Silketrykk på masonitt, 5 3/4 × 5 3/4 tommer, 14,6 × 14,6 cm. © Richard Anuszkiewicz
Alle bilder er kun brukt til illustrasjonsformål.