Docenianie abstrakcyjnych portretów i ich szczególnej estetyki

Abstrakcyjne portrety artystów stawiają przed nimi osobliwe wyzwania. Kiedy widzimy twarze we wszystkim; nazywa się to pareidolią. Kiedy widzimy wszystko w twarzach; nazywa się to empatią. Abstrakcyjne portrety zamieszkują przestrzeń gdzieś pomiędzy tymi dwoma, a ich artyści muszą jednocześnie zmagać się z oboma. W pewnym sensie naturalny nawyk ludzi do dostrzegania znajomych wzorców wizualnych wszędzie, niezależnie od tego, czy rzeczywiście tam są, może przynieść korzyści twórcom abstrakcyjnych portretów. Muszą ledwie odnosić się do ludzkiej twarzy lub figury, aby wywołać poczucie ich obecności. Jednak obsesja na punkcie szukania twarzy i figur w abstrakcyjnym obrazie może również odciągnąć widzów od rozważania innych aspektów dzieła sztuki. Podobnie, malarze abstrakcyjnych portretów mogą korzystać z naturalnej tendencji widzów do empatyzowania, gdy tylko dostrzegają, nawet słabo, obraz rozpoznawalnego innego. Jakiekolwiek wrażliwości, które empatyczny widz nadaje obrazowi, mogą działać na korzyść koncepcji dzieła. Ale empatia może również zakłócać zrozumienie. Rozpoznanie znajomej twarzy lub figury w dziele sztuki może wywołać osobiste uprzedzenia, generalizacje i obawy w umyśle widza, co może podważyć i skomplikować wszelkie pomysły, które artysta pierwotnie miał na myśli.

Definiowanie Abstrakcyjnych Portretów

W XVI wieku Włosi opracowali hierarchię, które tematy były najbardziej szanowane w dziele sztuki. Najbardziej szanowanym tematem była scena historyczna, która zazwyczaj kończyła się jakimś mitycznym lub religijnym epizodem. Drugim najbardziej szanowanym tematem był portret. W klasycznym ujęciu portret zazwyczaj definiowano jako wizerunek człowieka, najczęściej przedstawiany od głowy do mniej więcej połowy torsu. Ale nie musi to być tylko to. Portret może również przedstawiać całe ciało lub tylko twarz. I nie musi to być tylko wizerunek człowieka. Może to być wizerunek dowolnej istoty, ludzkiej, zwierzęcej, fikcyjnej, mitycznej, duchowej lub jakiejkolwiek ich kombinacji.

Aby uznać dzieło za abstrakcyjny portret, musi ono zawierać dwie cechy: po pierwsze, musi w jakiś sposób wykorzystywać koncepcję portretu; po drugie, musi być abstrakcyjne, co oznacza, że musi odnosić się do sfery idei lub przynajmniej unikać czysto obiektywnego lub reprezentacyjnego podejścia do rzeczywistości. Nie musi to być jeden konkretny medium ani dyscyplina. Abstrakcyjny portret może być rysunkiem lub obrazem, mogą też istnieć abstrakcyjne portrety fotograficzne, abstrakcyjne portrety rzeźbiarskie, abstrakcyjne portrety instalacyjne, abstrakcyjne portrety sztuki performatywnej itd. Każde abstrakcyjne zjawisko estetyczne, które zawiera postać jakiejkolwiek istoty, rzeczywistej, wyimaginowanej lub jakiejkolwiek ich kombinacji, mogłoby być uznane za abstrakcyjny portret.

Joan Miro - Head of a Woman, 1938. Oil on canvas. 18 x 21 5/8 in. (45.72 x 54.93 cm) © Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris

Stając twarzą w twarz z samym sobą

Z interpretacyjnego punktu widzenia, to co może być najtrudniejsze, a czasami najbardziej kontrowersyjne w docenianiu abstrakcyjnych portretów, to fakt, że są one z natury osobiste. Konstruktywizm społeczny postuluje, że wszystko, co rozumiemy o życiu, wyrasta z naszych doświadczeń, a wszystkie nasze doświadczenia edukacyjne wynikają z interakcji społecznych. W sensie psychologicznym, jedno stworzenie wpatrujące się w obraz innego stworzenia jest interakcją społeczną. Widz wchodzący w interakcję z pomieszczeniem pełnym abstrakcyjnych portretów stanowi społeczność.

Trudność osobistego charakteru abstrakcyjnych portretów polega na tym, że zapraszają do kontemplacji znacznie głębszych i bardziej znaczących niż te, które mogą być zaproszone przez inne rodzaje sztuki abstrakcyjnej. Na przykład, abstrakcyjna rzeźba geometryczna lub całkowicie abstrakcyjna kompozycja, taka jak obraz w polu kolorów lub monochrom, mogą być odbierane wyłącznie na podstawie ich formalnych cech, lub ich symbolicznych cech, lub ich cech interpretacyjnych czy kontemplacyjnych. Ale oprócz wszystkich tych elementów, abstrakcyjne portrety zmuszają również widzów do interakcji z samymi sobą.

Frank Auerbach - Head of JYM ll, 1984-85. Oil on canvas. 660 x 610 mm. Private collection. © Frank Auerbach

Stawanie się osobistym

Głównym wyzwaniem w docenianiu abstrakcyjnych portretów jest zatem przezwyciężenie wrodzonych uprzedzeń. Kiedy widz patrzy na portret reprezentacyjny, który został skonstruowany, aby jak najbliżej naśladować rzeczywistość, sama możliwość rozpoznania pomaga widzowi postrzegać obraz w szacownym świetle. Poczucie artystycznej i obrazowej mistrzostwa wymaga, aby byt przedstawiony w portrecie zasługiwał na szczególną i pełną uwagę. Jednak abstrakcyjne portrety zapraszają do dziwnych uogólnień. Jednym z obszarów, w którym jest to oczywiste, są abstrakcyjne portrety już marginalizowanych populacji. Rozważmy na przykład abstrakcyjne portrety kobiet.

Dwaj najsłynniejsi malarze portretów abstrakcyjnych to Pablo Picasso i Willem de Kooning. Razem namalowali setki abstrakcyjnych portretów. Wiele z najsłynniejszych abstrakcyjnych portretów namalowanych przez Picassa przedstawiało kobiety, takie jak jego słynna Kobieta płacząca. Jednak jego najbardziej kontrowersyjny był abstrakcyjny portret jego kochanki Marie-Thérèse Walter, zatytułowany Sen. Obraz jest kontrowersyjny, ponieważ ludzie myślą, że widzą fallusa w głowie postaci. Interpretują go zatem jako obraz erotyczny. Ale czy to tylko pareidolia? Czy to empatia? Czy może to wziernikowe zainteresowanie relacją, jaką Picasso miał z modelką? Fakt, że obraz jest abstrakcyjny, otwiera drzwi do interpretacyjnych skoków, które pozwalają na ujawnienie wrodzonych uprzedzeń. Czy obraz naprawdę pokazuje nam coś o Picassie i jego kochance? Czy może pokazuje nam coś o nas samych?

Kobiety de Kooninga

Podobne zjawisko występuje, gdy ludzie patrzą na abstrakcyjne portrety kobiet namalowane przez Willema de Kooninga. Gdy omawiane są inne abstrakcyjne obrazy de Kooninga, najczęściej poruszane cechy to ich gesturalna jakość, ich żywotna energia, ich wyraźne ślady pędzla, ich charakterystyczna paleta oraz napięcie i pasja wyrażane przez ich ekspresyjne kompozycje. Jego czysto abstrakcyjne kompozycje określane są jako złożone, skomplikowane i potężne. Jego abstrakcyjne krajobrazy określane są jako wzniosłe.

Ale zupełnie inny słownik jest używany, gdy odnosi się do abstrakcyjnych portretów kobiet namalowanych przez de Kooninga. Powszechnie używane przymiotniki przez widzów, zwłaszcza krytyków, do opisania tych obrazów to bardziej w stylu wrogim, zagniewanym, brutalnym, szalonym, mizoginistycznym i szalonym. De Kooning zauważył, że gdy malował swoje portrety kobiet, miał nadzieję, że będą postrzegane jako po prostu unikalne, a być może nawet humorystyczne. Próbował w swoim stylu przekazać kobiecą formę w klasyczny, a jednocześnie nowoczesny i abstrakcyjny sposób, w sposób, w jaki nikt wcześniej tego nie zrobił. Co więc jest w portretach na tych obrazach, co wywołuje takie antropomorficzne uwagi? Czy de Kooning umieścił te myśli w obrazie, czy to my?

Willem de Kooning - Woman I, 1950–2. Oil on canvas. 192.7 x 147.3 cm. © 2018 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York (Left) / Willem de Kooning - Willem Woman, 1949. Oil, enamel, and charcoal on canvas. 152.4 x 121.6 cm. Private Collection. © 2018 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York (Right)

Widząc abstrakcyjnych malarzy portretów w ich obrazach

Zamiast wprowadzać nasze własne uprzedzenia dotyczące ukrytego znaczenia, które istnieje w tych obrazach, innym sposobem na docenienie abstrakcyjnych portretów jest interpretacja sposobów, w jakie komunikują one myślenie artysty, który je namalował. Na przykład abstrakcyjne portrety Paula Klee pokazują zainteresowanie, jakie ten malarz miał kolorem, formą i harmonijnymi kompozycjami. Komunikują jego poszukiwanie geometrycznej istoty natury oraz równowagi, którą starał się uchwycić w swojej sztuce.

Podobnie, patrząc na abstrakcyjne portrety Roberta Delaunay'a, możemy dostrzec jego ewolucję od malarza figuratywnego do abstrakcjonisty. Wczesne portrety, takie jak ten, który namalował w 1906 roku swojego przyjaciela Jeana Metzingera, można docenić za zaawansowane wykorzystanie dywizjonizmu. Ten obraz uchwyca fascynację Delaunay'a kolorem oraz różnorodne abstrakcyjne efekty wizualne uzyskiwane, gdy różne kolory są umieszczane obok siebie na powierzchni. Komunikuje również jego poszukiwania spłaszczenia płaszczyzny obrazu i nadania równej uwagi wszystkim częściom obrazu.

Paul Klee - Senecio, 1922. Oil on canvas. 40 cm x 38 cm. Kunstmuseum Basel, Basel, Scala / Art Resource, NY © ARS, NY (Left) / Robert Delaunay - Portrait de Jean Metzinger, 1906. Oil on canvas. 55 x 43 cm (Right)

Czego uczy abstrakcyjna fotografia portretowa

Najbardziej bezpośrednim sposobem na docenienie abstrakcyjnych portretów jest po prostu podążanie ścieżką pomysłów, które one inspirują. Pomysły są centralne dla abstrakcyjnego portretu fotografii. Na fotografii Noire et Blanche autorstwa Man Raya widzimy twarz modelki ludzkiej pozującej obok drewnianej maski. Twarz i maska mają podobny kształt, a obie dzielą wspólny wyraz. Mimo że pokazuje nam obiektywną rzeczywistość, ten obraz kwestionuje, czy fotografia może pokazać nam to, co jest prawdziwe, podważając prawdę naszego własnego wizerunku. Zadaje widzowi pytanie: "Która z nich jest maską?"

Zupełnie inny, ale również osadzony w ideach, jest podwójny portret fotograficzny Marcela Duchampa wykonany przez Victora Obsatza w 1953 roku. Przedstawia on wizerunek kontemplacyjnego Duchampa wpatrującego się w okno, a nad nim nałożony jest uśmiechnięty, radosny Duchamp patrzący na nas. Pokazuje nam poważnego myśliciela i figlarza, satyryka, którym ten artysta był. To zdjęcie uczy nas, jak doceniać wszystkie abstrakcyjne portrety; jako obrazy, które łączą rzeczywistości, jako wizje światów w światach. Pokazują nam obraz nas samych, a także sugerują, że jest w nas więcej, niż wiemy.

Obraz wyróżniony: Salvador Dalí - Galatea Sfer, 1952. Olej na płótnie. Teatr i Muzeum Dalíego, Figueres, Hiszpania. © Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí, Figueres, 2018.
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio