Docenianie abstrakcyjnych portretów i ich szczególnej estetyki

Abstrakcyjni portreciści stają przed osobliwymi wyzwaniami. Kiedy widzimy twarze we wszystkim; nazywa się to pareidolią. Kiedy widzimy wszystko w twarzach; nazywa się to empatią. Abstrakcyjne portrety zajmują przestrzeń gdzieś pomiędzy tymi dwoma, a ich twórcy muszą jednocześnie radzić sobie z oboma. W pewnym sensie naturalny nawyk ludzi do dostrzegania znajomych wzorców wizualnych wszędzie, niezależnie od tego, czy faktycznie tam są, może przynosić korzyść twórcom abstrakcyjnych portretów. Potrzebują ledwie nawiązać do ludzkiej twarzy lub sylwetki, aby wywołać jej poczucie. Jednak obsesja na punkcie szukania twarzy i sylwetek w abstrakcyjnym obrazie może również odciągać uwagę widzów od rozważania innych aspektów dzieła sztuki. Podobnie, malarze abstrakcyjnych portretów mogą korzystać z naturalnej tendencji widzów do empatii, gdy tylko dostrzegają, nawet słabo, obraz rozpoznawalnego innego. Jakiekolwiek wrażliwości, które empatyczny widz nadaje obrazowi, mogą działać na korzyść koncepcji dzieła. Ale empatia może też przeszkadzać w zrozumieniu. Rozpoznanie znajomej twarzy lub sylwetki w dziele sztuki może wywołać w umyśle widza osobiste uprzedzenia, uogólnienia i obawy, które mogą podważyć i skomplikować pierwotne zamysły artysty.

Definiowanie abstrakcyjnych portretów

W XVI wieku Włosi opracowali hierarchię tematów uważanych za najbardziej godne dzieła sztuki. Najbardziej szanowanym tematem była scena historyczna, która zwykle kończyła się jakimś mitycznym lub religijnym epizodem. Drugim najbardziej szanowanym tematem był portret. W klasycznym rozumieniu portret zwykle definiowano jako wizerunek człowieka, najczęściej ukazanego od głowy do około połowy tułowia. Ale nie musi być tylko taki. Portret może przedstawiać całe ciało lub tylko twarz. I nie musi być tylko wizerunkiem człowieka. Może być obrazem dowolnej istoty, ludzkiej, zwierzęcej, fikcyjnej, mitycznej, duchowej lub ich dowolnej kombinacji.

Aby dzieło zostało uznane za abstrakcyjny portret, musi zawierać dwie cechy: po pierwsze, musi w jakiś sposób wykorzystywać koncepcję portretu; po drugie, musi być abstrakcyjne, co oznacza, że musi operować w sferze idei lub przynajmniej unikać czysto obiektywnego lub przedstawiającego podejścia do rzeczywistości. Nie musi to być jednak jeden konkretny środek wyrazu czy dziedzina. Abstrakcyjny portret może być rysunkiem lub obrazem, ale także abstrakcyjną fotografią portretową, abstrakcyjną rzeźbą portretową, instalacją, performansem i tak dalej. Każde abstrakcyjne zjawisko estetyczne, które zawiera postać dowolnej istoty, rzeczywistej, wyimaginowanej lub ich kombinacji, może być uznane za abstrakcyjny portret.

Joan Miro - Głowa kobiety, 1938. Olej na płótnie. 45,72 x 54,93 cm. © Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork / ADAGP, Paryż

Stawiając czoła sobie

Z punktu widzenia interpretacyjnego, tym co może być najtrudniejsze, a czasem najbardziej kontrowersyjne w docenianiu abstrakcyjnych portretów, jest to, że są one z natury osobiste. Konstruktywizm społeczny zakłada, że wszystko, co rozumiemy o życiu, wynika z naszych doświadczeń, a wszystkie nasze pouczające doświadczenia wynikają z interakcji społecznych. W sensie psychologicznym, jedno stworzenie patrzące na obraz innego stworzenia to interakcja społeczna. Widz wchodzący w interakcję z salą pełną abstrakcyjnych portretów tworzy wspólnotę.

Trudność w osobistym charakterze abstrakcyjnych portretów polega na tym, że zapraszają do rozważań znacznie głębszych i bardziej doniosłych niż te, które mogą wywołać inne rodzaje abstrakcyjnej sztuki. Na przykład abstrakcyjna rzeźba geometryczna lub całkowicie abstrakcyjna kompozycja, taka jak obraz pola barwnego czy monochrom, mogą być odbierane wyłącznie przez pryzmat ich cech formalnych, symbolicznych lub interpretacyjnych. Ale oprócz tych wszystkich elementów, abstrakcyjne portrety zmuszają widzów do interakcji z samymi sobą.

Frank Auerbach - Głowa JYM II, 1984-85. Olej na płótnie. 660 x 610 mm. Kolekcja prywatna. © Frank Auerbach

Sprawy osobiste

Głównym wyzwaniem w docenianiu abstrakcyjnych portretów jest przezwyciężenie wrodzonych uprzedzeń. Gdy widz patrzy na portret realistyczny, skonstruowany tak, by jak najwierniej naśladować rzeczywistość, sam fakt rozpoznania pomaga mu traktować obraz z szacunkiem. Poczucie mistrzostwa artystycznego i malarskiego wymaga, by istota przedstawiona na portrecie zasługiwała na szczególne i pełne rozważenie. Jednak abstrakcyjne portrety wywołują dziwne uogólnienia. Szczególnie widoczne jest to w przypadku abstrakcyjnych portretów już zmarginalizowanych grup. Weźmy na przykład abstrakcyjne portrety kobiet.

Dwóch najsłynniejszych malarzy abstrakcyjnych portretów to Pablo Picasso i Willem de Kooning. Razem namalowali setki abstrakcyjnych portretów. Wiele z najsłynniejszych abstrakcyjnych portretów Picassa przedstawiało kobiety, jak jego słynna Płacząca kobieta. Jednak najbardziej kontrowersyjny był abstrakcyjny portret jego kochanki Marie-Thérèse Walter, zatytułowany Sen. Obraz ten budzi kontrowersje, ponieważ ludzie dostrzegają w głowie postaci fallusa. Interpretują go więc jako obraz erotyczny. Ale czy to tylko pareidolia? A może empatia? Czy może voyeurystyczne zainteresowanie relacją Picassa z modelką? Fakt, że obraz jest abstrakcyjny, otwiera drzwi do interpretacyjnych skoków, które pozwalają ujawnić wrodzone uprzedzenia. Czy obraz naprawdę pokazuje coś o Picassie i jego kochance? A może pokazuje coś o nas samych?

Kobiety de Kooninga

Podobne zjawisko występuje, gdy ludzie patrzą na abstrakcyjne portrety kobiet malowane przez Willema de Kooninga. Gdy omawia się inne abstrakcyjne obrazy de Kooninga, najczęściej podkreśla się ich gestualność, żywiołową energię, wyraźne ślady pędzla, charakterystyczną paletę oraz napięcie i pasję wyrażone w ekspresyjnych kompozycjach. Jego czysto abstrakcyjne kompozycje określa się jako złożone, misternie wykonane i potężne. Jego abstrakcyjne pejzaże nazywa się wzniosłymi.

Jednak zupełnie inny język używany jest w odniesieniu do abstrakcyjnych portretów kobiet de Kooninga. Powszechnie używane przez widzów, zwłaszcza krytyków, przymiotniki to: wrogi, gniewny, gwałtowny, szalony, mizoginiczny i obłąkany. De Kooning zauważył, że malując portrety kobiet, miał nadzieję, że zostaną one odebrane jako po prostu wyjątkowe, a może nawet humorystyczne. Próbował w swoim stylu oddać kobiecą formę w sposób klasyczny, a zarazem nowoczesny i abstrakcyjny, czego wcześniej nikt nie zrobił. Co więc w portretach tych obrazów wywołuje takie antropomorficzne komentarze? Czy to de Kooning włożył te myśli w obraz, czy my sami?

Willem de Kooning - Kobieta I, 1950–52. Olej na płótnie. 192,7 x 147,3 cm. © 2018 Fundacja Willema de Kooninga / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork (po lewej) / Willem de Kooning - Kobieta Willema, 1949. Olej, emalia i węgiel na płótnie. 152,4 x 121,6 cm. Kolekcja prywatna. © 2018 Fundacja Willema de Kooninga / Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork (po prawej)

Widząc malarzy abstrakcyjnych portretów w ich obrazach

Zamiast wnosić własne uprzedzenia dotyczące ukrytego znaczenia tych obrazów, innym sposobem doceniania abstrakcyjnych portretów jest interpretowanie sposobów, w jakie przekazują one myślenie artysty, który je namalował. Na przykład abstrakcyjne portrety Paula Klee ukazują zainteresowanie tego malarza kolorem, formą i harmonijnymi kompozycjami. Przekazują jego poszukiwanie geometrycznej istoty natury oraz równowagi, którą starał się uchwycić w swojej sztuce.

Podobnie, patrząc na abstrakcyjne portrety Roberta Delaunaya, możemy dostrzec jego przemianę z malarza figuratywnego w abstrakcjonistę. Wczesne portrety, takie jak ten namalowany w 1906 roku jego przyjaciela Jeana Metzingera, można docenić za zaawansowane użycie dywizjonizmu. Obraz ten oddaje fascynację Delaunaya kolorem oraz różnymi abstrakcyjnymi efektami wizualnymi powstającymi, gdy różne barwy są umieszczone obok siebie na powierzchni. Przekazuje także jego dążenie do spłaszczenia płaszczyzny obrazu i równomiernego traktowania wszystkich części wizerunku.

Paul Klee - Senecio, 1922. Olej na płótnie. 40 x 38 cm. Kunstmuseum Basel, Bazylea, Scala / Art Resource, NY © ARS, NY (po lewej) / Robert Delaunay - Portret Jeana Metzingera, 1906. Olej na płótnie. 55 x 43 cm (po prawej)

Czego uczy abstrakcyjna fotografia portretowa

Najprostszym sposobem docenienia abstrakcyjnych portretów jest po prostu podążanie ścieżką idei, które one inspirują. Idee są kluczowe dla abstrakcyjnej fotografii portretowej . Na fotografii Noire et Blanche autorstwa Man Raya widzimy twarz kobiecej modelki obok drewnianej maski. Twarz i maska mają podobny kształt i dzielą wspólny wyraz. Pomimo ukazywania nam obiektywnej rzeczywistości, obraz ten kwestionuje, czy fotografia może pokazać nam to, co prawdziwe, podważając prawdę naszego własnego oblicza. Pyta widza: „Która to maska?”

Zupełnie inne, ale również oparte na ideach, jest podwójne zdjęcie portretowe Marcela Duchampa wykonane przez Victora Obsatza w 1953 roku. Pokazuje zamyślonego Duchampa patrzącego przez okno, a nałożone na to uśmiechniętego, radosnego Duchampa patrzącego na nas. Ukazuje poważnego myśliciela i żartobliwego, satyrycznego błazna, których ten artysta uosabiał. To zdjęcie uczy nas, jak doceniać wszystkie abstrakcyjne portrety; jako obrazy łączące rzeczywistości, jako wizje światów w światach. Pokazują nam obraz nas samych, a także sugerują, że jest w nas więcej, niż zdajemy sobie sprawę.

Zdjęcie wyróżniające: Salvador Dalí - Galatea z kul, 1952. Olej na płótnie. Teatr i Muzeum Dalí, Figueres, Hiszpania. © Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí, Figueres, 2018.
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio