Jak Ad Reinhardt nauczył nas patrzeć na sztukę nowoczesną

Co to znaczy być purystą? Czy to jak być zamkniętym na nowe idee? A może dążenie do czystości jest z natury szlachetne, jak dążenie do doskonałości? Dla amerykańskiego artysty abstrakcyjnego Ad Reinhardta czystość była niezbędna w sztuce wysokiej. W swoim eseju z 1953 roku, „Dwanaście zasad dla nowej akademii”, Reinhardt zdefiniował sztukę wysoką jako „sztukę opróżnioną i oczyszczoną ze wszystkich innych znaczeń niż sztuka.” Wyjaśnił dalej, że „Im więcej zastosowań, relacji i „dodatków” ma obraz, tym mniej jest czysty. Im więcej rzeczy w nim, tym bardziej zajęta jest praca artystyczna, tym gorsza jest. 'Więcej znaczy mniej'.” To może brzmieć jak dziwne stwierdzenie od malarza związanego z ekspresjonistami abstrakcyjnymi, artystami, którzy zdecydowanie dodawali więcej na swoje płótna, a nie mniej. Ale chociaż Reinhardt rozpoczął swoją karierę, malując ekspresyjne, dynamiczne płótna, jego dążenie do czystości drastycznie zmieniło jego podejście z biegiem czasu. Tak dramatycznie zredukował treść w swoich obrazach w trakcie swojej kariery, że w ostatnich latach swojego życia malował tylko czarnym kolorem. Kiedy zmarł w 1967 roku, był tak pewny czystości swoich wysiłków, że ogłosił, iż namalował ostatnie obrazy, które kiedykolwiek były potrzebne.

Sztuka w czystej postaci

Poszukiwanie czystości może wydawać się bardziej odpowiednie dla klasztoru niż dla pracowni artystycznej. Ale Ad Reinhardt był zarówno filozofem, jak i artystą. A jednym z jego najlepszych przyjaciół był w rzeczywistości mnich w klasztorze. Reinhardt regularnie wymieniał z nim listy, żartobliwie wymieniając się poglądami na temat natury życia i sztuki. W szkole magisterskiej Reinhardt studiował historię sztuki, temat, o którym wiedział więcej niż prawdopodobnie jakikolwiek inny artysta jego pokolenia. Być może jego zainteresowanie odkrywaniem ostatecznej manifestacji czystości w sztuce miało tyle samo wspólnego z intelektualną i duchową ciekawością, co z jego pragnieniem zdefiniowania własnej istotności w kontekście historii sztuki.

Kiedy po raz pierwszy zaczął wystawiać swoje obrazy w Nowym Jorku w latach 40. XX wieku, były one zgodne z dominującym wówczas stylem, Ekspresjonizmem Abstrakcyjnym. Były malarskie, gesturalne, pełne żywych kolorów i ożywione abstrakcyjnymi znakami. Mniej niż dekadę później z pasją odrzucił wszystkie te rzeczy, publikując dogmatyczny, niemal komicznie szczegółowy, często sprzeczny manifest opisujący precyzyjną metodę tworzenia czystych, nowoczesnych obrazów: obrazów, które przypadkowo były zupełnie inne niż jego wczesne prace. Jeśli to wydaje się paradoksalne, warto przypomnieć sobie słynne słowa Reinhardta: „Sztuka jest zbyt poważna, aby traktować ją poważnie.”

Ad Reinhardt - Malarstwo abstrakcyjne, 1960. Olej na płótnie. © 2018 Spadek po Ad Reinhardt / Stowarzyszenie Praw Artystów (ARS), Nowy Jork

Dismantling the Avant-Garde

Aby zrozumieć klimat kulturowy, w którym pracował Reinhardt, warto cofnąć się do historii modernizmu. Przed II wojną światową prawie wszystkie awangardowe ruchy artystyczne miały swoje źródła poza Ameryką. Po II wojnie światowej Ameryka dała początek niektórym z najbardziej wpływowych ruchów modernistycznych XX wieku, w tym ekspresjonizmowi abstrakcyjnemu, minimalizmowi i postekspresjonizmowi. Co spowodowało tę zmianę w wpływie sztuki amerykańskiej? Miało to więcej wspólnego z polityką niż ze sztuką.

Po rewolucji niemieckiej, która miała miejsce po I wojnie światowej, w Niemczech u władzy znalazł się rząd reprezentacyjny zwany Republiką Weimarską. Ten demokratycznie wybrany rząd wprowadził szerokie reformy społeczne, polityczne i gospodarcze, które doprowadziły do ogromnych zmian kulturowych w całych Niemczech. W tym transformacyjnym środowisku rozkwitł niemiecki modernizm. Bauhaus został założony w tym samym roku co Republika Weimarska, w tym samym mieście, a w ciągu następnych 14 lat Niemcy stały się wiodącą postępową siłą w sztuce.

Ad Reinhardt - Kolaż z papieru gazetowego, 1940. Wycięty i sklejony papier drukowany oraz czarny papier na desce. 15 7/8 x 20 cali (40,6 x 50,8 cm). Kolekcja MoMA. © 2018 Spadek po Ad Reinhardcie / Stowarzyszenie Praw Artystów (ARS), Nowy Jork  

Ciemna strona puryzmu

Kiedy giełda załamała się w 1929 roku, Niemcy, podobnie jak większość innych krajów zachodnich, doświadczyły załamania gospodarki. Następująca globalna depresja spowodowała wiele frustracji w życiu zwykłych pracujących ludzi. Kiedy reżim nazistowski doszedł do władzy w Niemczech w 1933 roku, działał pod pretekstem przywrócenia Niemiec do ich historycznej wielkości i odwrócenia trendów z niedawnej przeszłości. Jedną z pierwszych rzeczy, które zrobiła Partia Nazistowska, było wywieranie wpływu na niemiecką kulturę. Nowoczesna sztuka była kluczowym celem.

Pod przewodnictwem Adolfa Hitlera naziści opracowali koncepcję czystej niemieckiej sztuki. Obejmuje ona tylko tradycyjną, klasyczną sztukę, która odpowiadała ich definicji tożsamości rasowej i narodowej. Każda sztuka poza tą definicją była nazywana degeneracyjną. Tak rozpoczęła się eksodus awangardowych artystów z Niemiec. A gdy wpływy nazistowskie rozszerzyły się poza Niemcy, nowocześni artyści w całej Europie również znaleźli się pod tym samym prześladowaniem.

Ad Reinhardt - Studia do obrazu, 1938. Gwasz na papierze. 4 x 5 cali (10,2 x 12,8 cm). Kolekcja MoMA. © 2018 Spadek po Ad Reinhardcie / Stowarzyszenie Praw Artystów (ARS), Nowy Jork

Re-assembling the Avant-Garde

W późnych latach 30. i wczesnych latach 40. XX wieku każdy europejski artysta nowoczesny, który miał środki, znalazł sposób, aby wyjechać za granicę. Jako jedno z nielicznych globalnych stolic, które nie były pod oblężeniem przez faszystowskie mocarstwa, Nowy Jork stał się latarnią dla awangardowych artystów z całego świata. Nowo przybyli artyści mieszali się z już żywą nowojorską sceną sztuki abstrakcyjnej, która obejmowała amerykańskich artystów, takich jak Jackson Pollock, a także artystów takich jak Willem de Kooning i Arshile Gorky, którzy imigrowali tam po I wojnie światowej. Z tej kultury wyłoniły się pierwsze amerykańskie ruchy sztuki modernistycznej.

Ad Reinhardt osiągnął dojrzałość artystyczną jako członek pokolenia nowojorskich artystów awangardowych po II wojnie światowej. Był w pełni zaangażowany w żywą mieszankę politycznych, filozoficznych, społecznych i kulturalnych dyskusji, które miały miejsce w tej różnorodnej, międzynarodowej społeczności. Brał udział w protestach i uczestniczył w scenie na wszelkie możliwe sposoby. Jednak w jednym fundamentalnym aspekcie nie zgadzał się ze swoimi współczesnymi. Podczas gdy oni uważali swoje życie i sztukę za nierozerwalnie związane jako jedną holistyczną doświadczenie, Reinhardt wierzył, że to zła droga. Jak to ujął: “Sztuka to sztuka. Życie to życie.”

Ad Reinhardt - Studia do obrazu, 1939. Gwasz na papierze. 3 7/8 x 4 7/8 cala (10 x 12,5 cm). Kolekcja MoMA. © 2018 Spadek po Ad Reinhardcie / Stowarzyszenie Praw Artystów (ARS), Nowy Jork

Szukaj Inwariantu

Aby ewoluować swoje dzieło sztuki w kierunku odmiennym od jego współczesnych, Reinhardt sformułował ideę „oświeconego obiektu”, dzieła sztuki, które nie odnosiło się do żadnej zewnętrznej rzeczy, żadnej zewnętrznej idei, lecz po prostu istniało jako pojedynczy przykład swojej czystej istoty. Oświecony obiekt był formą tego, co spirytualista mógłby nazwać „inwariantem”, wielkim ostatecznym, niezmienną substancją, która nawet w obliczu transformacji nie ulega zmianie. Zasadniczo szukał artystycznej wersji Boga.

Reinhardt dążył do niezmienności poprzez negację, co oznacza, że zamiast definiować, czym jest czysta sztuka, zdefiniował, czym czysta sztuka nie jest. Jego 12 zasad dla nowej akademii, opublikowane w 1953 roku, zawierały jego listę negacji, sformułowanych jako zasady, jak osiągnąć czystą sztukę. Zasady te obejmowały: brak realizmu, brak impresjonizmu, brak ekspresjonizmu, brak rzeźby, brak plastyki, brak kolażu, brak architektury, brak dekoracji, brak tekstury, brak pociągnięć pędzlem, brak szkicowania pomysłów wcześniej, brak form, brak projektu, brak kolorów, brak światła, brak przestrzeni, brak czasu, brak rozmiaru, brak ruchu, brak tematu, brak symboli, brak obrazów i brak przyjemności. Dodał: „Zewnętrznie, trzymaj się z dala od wszelkich relacji, a wewnętrznie, nie miej pragnień w swoim sercu."

Ad Reinhardt - Kolaż papierowy, 1939. Muzeum Hirshhorna i Ogród Rzeźby, Waszyngton DC. © 2018 Spadek po Ad Reinhardcie / Stowarzyszenie Praw Artystów (ARS), Nowy Jork

Zmiana z Zmianą

Ważne jest, aby pamiętać podczas czytania 12 Zasad dla Nowej Akademii, że Reinhardt pracował jako autor komedii na studiach, a także że był osobą duchową i filozoficzną. Miał ostry dowcip i często celowo mówił w paradoksalnych stwierdzeniach. Nawet jeśli wierzył, że wszystkie jego zasady można stosować indywidualnie, musiał również wiedzieć, że przestrzeganie ich wszystkich jednocześnie oznacza, że niektóre będą naruszone.

Na przykład, gdy chodziło o Czarne Obrazy, które malował przez ostatnie 12 lat swojego życia, odnosił się do nich jako do „Wolnej, niemodyfikowanej, niemożliwej do modyfikacji, bezużytecznej, nierynkowej, nieredukowalnej, niezdolnej do sfotografowania, niemożliwej do reprodukcji, niewytłumaczalnej ikony.” Ale nie były wolne; były produktem ideologicznego, dogmatycznego systemu. A jeśli chodzi o to, że były niemożliwe do sfotografowania i nierynkowe, to w rzeczywistości szybko się sprzedały i nadal regularnie pojawiają się na sprzedaż na aukcjach, z doskonałymi fotografiami w katalogach. Czy więc Reinhardt żartował? A może wygłaszał głębszą wypowiedź na temat złożoności tworzenia i mówienia o sztuce abstrakcyjnej?

Ad Reinhardt - Bez tytułu, 1947. Olej na płótnie. Narodowa Galeria Sztuki, Waszyngton DC. © 2018 Spadek po Ad Reinhardcie / Stowarzyszenie Praw Artystów (ARS), Nowy Jork

Nieprzemienna Państwo

Zrozumienie Reinhardta oznacza zrozumienie jego kultury. Reinhardt był częścią sceny artystycznej zdominowanej przez pasjonujące, emocjonalne, osobiste i malarskie dzieła. Jego odpowiedzią na to było opowiadanie się za jego przeciwieństwem. Gdy artyści z pasją opowiadali się za reintegracją sztuki w codzienne życie, Reinhardt nalegał, że sztuka i życie są oddzielne. Twierdził, że namalował ostatnie obrazy, ale jako historyk sztuki wiedział, że koniec malarstwa nigdy nie nadejdzie, dopóki są artyści gotowi malować.

Nieco zrozumienia Ad Reinhardta można znaleźć w tym cytacie Bruce'a Lee: „Aby zmieniać się z zmianą, trzeba być w stanie niezmiennym.” Oferując alternatywę dla dominujących trendów chwili, Reinhardt zapewnił, że historia sztuki będzie kontynuowana. Podobnie jak Czarny Kwadrat Kazimierza Malewicza, Czarne Obrazy Ad Reinhardta nie zakończyły malarstwa, lecz raczej przesunęły kontinuum do przodu. Będąc dogmatycznym, nie twierdził, że istnieje tylko jeden sposób, lecz ofiarował następnemu pokoleniu: wroga do pokonania: purystę do oporu i ideologię do zdefiniowania.

Obraz wyróżniony: Ad Reinhardt - Numer 6, 1946. Olej na masonicie. © 2018 Spadek po Ad Reinhardcie / Stowarzyszenie Praw Artystów (ARS), Nowy Jork
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio