Jak Karel Appel złamał zasady poprzez eksperyment
Dziś uważamy za oczywiste, że sztuka jest dziedziną kreatywną. Ale co to właściwie oznacza? Aby coś mogło być stworzone, musi wcześniej nie istnieć. Kreatywność wymaga oryginalności. Artyści są zatem twórcami. Ale tak nie zawsze było. W 1921 roku, kiedy urodził się Karel Appel, kreatywność dopiero zaczynała afirmować się jako siła napędowa sztuki. Mówiąc historycznie, przed modernizmem sukces w świecie sztuki osiągano częściej dzięki umiejętnościom technicznym i estetycznym niż kreatywności. Oczekiwano, że zawodowi artyści będą naśladować obserwowalny świat lub przynajmniej się do niego odnosić, i robić to w sposób, który miał sens intelektualny. Nawet artyści abstrakcyjni musieli być w stanie wyjaśnić widzom i krytykom, co robią i dlaczego to robią, odwołując się do ideologii i metodologii zakorzenionych w istniejących wzorcach myślenia. Karel Appel był częścią pokolenia artystów, które zakwestionowało ten sposób podchodzenia do tworzenia sztuki. Zamiast podchodzić do sztuki z perspektywy tego, co już istnieje, Appel opowiadał się za sztuką, która wyraża to, co jeszcze nie istnieje. W ten sposób wprowadził nowy paradygmat dla artystów oparty na kreatywności i oryginalności, który nie tylko łamał zasady, ale także być może zniósł potrzebę zasad w ogóle.
Eksperymentacja nieokreślona
Wszyscy prawdopodobnie znamy aforyzm: „Jeśli nie jest zepsute, nie naprawiaj tego.” Tak powszechny i oklepany, jak brzmi, to uczucie wyraża to, co leży u podstaw Modernizmu. Pod koniec XIX wieku każdy w zachodnim świecie, kto miał globalną perspektywę i potrafił krytycznie obserwować, mógł wyraźnie dostrzec, że „to było zepsute”: „to” odnosiło się do postępu ludzkości. Logika cywilizacji zachodniej doprowadziła do atmosfery intensywnej konkurencji i przemocy, która zagrażała rozdarciem tkaniny ludzkości. Choć przyznajmy, że wówczas wiele osób czerpało korzyści finansowe lub w inny sposób z zepsutego systemu, było znacznie więcej tych, którzy dostrzegali, że nadszedł czas na zmianę.
Modernizm to nazwa, której używamy szeroko, aby odnieść się do epoki, która rozpoczęła się pod koniec XIX wieku, podczas której ludzie podejmowali szereg szerokich transformacyjnych wysiłków, aby na nowo wyobrazić sobie, czym jest i czym może być nowoczesne społeczeństwo ludzkie. Fundamentalna zasada modernizmu została najlepiej wyrażona przez autora Ezrę Pounda, kiedy powiedział: „Uczyń to nowym!” Mówił o powszechnie odczuwanej potrzebie wielu ludzi, aby stworzyć jakąś alternatywną rzeczywistość kulturową. Ale pytanie, które zadawali sobie wszyscy moderniści, brzmiało: „Jak uczynić to nowym?” Większość różnych odpowiedzi, które zostały zaproponowane, polegała na wynalezieniu nowych stylów artystycznych, lub abstrahowaniu od obecnego sposobu postrzegania świata, lub innowacyjnym wykorzystaniu elementów estetycznych, takich jak kolor, linia czy forma. Rozwiązanie zaproponowane przez Karela Appela było unikalne. Całkowicie zignorowało estetykę i styl, koncentrując się na jednym prostym czynniku: oryginalności, umożliwionej przez nieograniczoną swobodę eksperymentowania.
Karel Appel - Dzikie Strażaki, 1947. © 2018 Stowarzyszenie Praw Artystów (ARS), Nowy Jork / Fundacja Karela Appela
Obecność nieobecności
Dla Appela wartość aktu artystycznego nie miała nic wspólnego z produktem, który ostatecznie miał być stworzony w wyniku tego aktu. Ważny był proces twórczy. Chodziło o to, aby artysta nie mówił o tym, co ma być zrobione, ani nie oceniał czy nie wyjaśniał tego, co ostatecznie zostało zrobione. Chodziło po prostu o tworzenie: pozwolenie, aby coś nieznanego się ujawniło, pozwalając nierealnemu stać się rzeczywistym. Jak powiedział Appel, "Jeśli pociągnięcie pędzla jest tak ważne, to dlatego, że precyzyjnie wyraża to, czego tam nie ma."
Karel Appel - Rzeźba bez tytułu, 1950. © 2018 Stowarzyszenie Praw Artystów (ARS), Nowy Jork / Fundacja Karela Appela
Często zauważano, że wczesne wysiłki Appela w nieograniczonej eksperymentalnej kreacji estetycznej przypominają obrazy tworzone przez dzieci. Ich quasi-figuralne, quasi-abstrakcyjne kompozycje wykorzystują pozornie chaotyczny słownik kolorów oraz prymitywne wyrazy linii i formy. W rzeczywistości były tak źle rozumiane, że kiedy po raz pierwszy zostały wystawione pod koniec lat 40., były publicznie wyśmiewane. Ale Appel nie dał się zniechęcić. Nie motywowała go publiczna akceptacja. Był oddany konfrontacji z brakiem poprzez proces manifestowania obecności. Był w podróży ku oryginalności, nie zważając na to, dokąd ta podróż prowadziła ani jak wyglądała.
Karel Appel - Mindscape #12, 1977. © 2018 Stowarzyszenie Praw Artystów (ARS), Nowy Jork / Fundacja Karela Appela
Karel Appel i grupa CoBrA
Co było tak szokującego w obrazach Appela? Czy to fakt, że wydawał się nie przejmować estetycznymi rezultatami swojego procesu? A może to wolność, z jaką tworzył, była tak niepokojąca? Odpowiedź może tkwić w okolicznościach świata, w który wprowadzono sztukę Appela. Jego pierwsza wystawa miała miejsce w 1946 roku, gdy Europa dopiero co wyszła z II wojny światowej. Powszechnie wierzono, że świat oszalał. Praktyczne aspekty odbudowy kontynentu i konfrontacji z ogromnymi stratami narzuciły kulturze surowe poczucie egzystencjalnego lęku. Istniała silna metafizyczna potrzeba, aby umiejscowić wojnę w kontekście, aby ocalałych poczuć, że poświęcenie było warte kosztów.
Podczas wojny mieszkańcy Danii, Holandii i Belgii byli skutecznie całkowicie odcięci od reszty świata przez niemiecką okupację ich terytoriów. Bezpośrednio po wojnie stało się jasne, że mała grupa artystów, którzy spędzili wojnę w Kopenhadze, Brukseli i Amsterdamie, przyjęła podobne podejście do tworzenia sztuki. Grupa, w której skład wchodził Appel, odrzuciła logikę i racjonalność istniejących zachodnich instytucji. Inspirowali się prymitywną sztuką ludową i dziełami dzieci. Tworzyli sztukę zakorzenioną w intuicji, spontaniczności i wolności ekspresji. Kiedy ci artyści zaczęli wystawiać razem, nazwano ich grupą CoBrA, etykietą wziętą od pierwszych liter ich rodzinnych miast.
Karel Appel - Kwestionowanie dzieci, 1949. Gwasz na drewnie. Obiekt: 873 x 598 x 158 mm, rama: 1084 x 818 x 220 mm. © 2018 Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork / Fundacja Karela Appela
Zbieżność wpływów
Appel nie dotarł do swojego podejścia w próżni. W swoich pismach wspomina, że widział wystawę Kurta Schwittersa, swoje pierwsze doświadczenie z tym, co nazywa objet trouvé, dziełem sztuki stworzonym z przedmiotów znalezionych. Nazywa to doświadczenie „rozbijającym.” Uwolniło go to od potrzeby podążania za historycznymi tradycjami dotyczącymi mediów, a co za tym idzie, uwolniło go od wszelkich tradycji historycznych. Intuicyjna, dziecięca wolność, z jaką Appel tworzy, również zawdzięcza artystom takim jak Paul Klee i Joan Miro, którzy obaj przekazali ducha nieograniczonej wolności w swojej pracy.
Oprócz wpływów artystycznych, Appel pisze także o trzech innych wpływach na swoje myślenie. Wspomina o książce Liście trawy amerykańskiego poety Walta Whitmana, długiej poezji Pieśni Maldorora urugwajsko-francuskiego pisarza Comte de Lautréamont oraz pismach Jiddu Krishnamurtiego, wpływowego myśliciela na temat natury człowieka. Te wpływy razem ukazują szeroki zakres myślenia. Liście trawy to jedno z najbardziej elokwentnych i optymistycznych świętowań wolności i otwartości, jakie kiedykolwiek napisano. Pieśni Maldorora są jednak jednym z najbardziej charakterystycznych badań całkowitego zła, jakie kiedykolwiek skomponowano. Tymczasem Jiddu Krishnamurti zachęcał do poświęcenia się jedynie osobistej świadomości, aby doświadczyć prawdy i stać się wolnym.
Karel Appel - z serii Nude, 1963. © 2018 Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork / Fundacja Karela Appela
Dziedzictwo Appela
Obserwując nieograniczoną entuzjazm dzieci i artystów ludowych, Appel znalazł drogę do odkrycia w sobie tego samego poczucia wolności. Cenił wartość wolnego umysłu ludzkiego. Pokazał w praktyczny sposób, jak artyści mogą swobodnie i spontanicznie wyrażać wewnętrzne doświadczenie swojej własnej prawdy. Ten akt sam w sobie zainspirował całe pokolenie artystów, w tym tak ważne postacie jak Willem de Kooning i Jackson Pollock, którzy zmienili świat poprzez ruchy takie jak Art Informel i Ekspresjonizm Abstrakcyjny.
Ale poza indywidualnymi artystami i stylami, które wpłynął, prawdziwe dziedzictwo wkładu Appela można podsumować słowami „proces twórczy.” To całkowicie dzięki artystom takim jak Appel, że dziś uważamy za oczywiste, iż najważniejszym aspektem sztuki powinna być oryginalność, a nie naśladowanie. W 1989 roku Appel podsumował swoje doświadczenie, mówiąc: „Kreatywność jest bardzo krucha. To jak liść jesienią; wisi i kiedy opada, nie wiesz, dokąd dryfuje… Jako artysta musisz walczyć i przetrwać w dziczy, aby zachować swoją wolność twórczą.” Przyjmując prawdziwą oryginalność, Appel wyeliminował potrzebę trzymania się jakiejkolwiek ścieżki poza wolnym wyrażaniem siebie. Dzięki jego pracy uczymy się, że ważne nie jest tylko zbieranie, kategoryzowanie i podziwianie produktów pracy artysty, ale zachwycanie się oryginalnością i wolnością, z których te obiekty powstały, oraz przyjęcie ich źródła jako naprawdę cennego i niekończącego się procesu kreatywności.
Obraz wyróżniony: Karel Appel - Małe Księżycowe Ludki, 1946. © 2018 Stowarzyszenie Praw Artystów (ARS), Nowy Jork / Fundacja Karela Appela
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio
