Mitchell-Innes i Nash oddają hołd sztuce Juliana Stanczaka

Malarz Julian Stanczak zmarł na początku tego roku w swoim rodzinnym mieście Cleveland w Ohio, w wieku 88 lat. Przed jego śmiercią Mitchell-Innes i Nash w Nowym Jorku planowali to, co miała być druga indywidualna wystawa jego prac w galerii. Ta wystawa otworzyła się 18 maja, mniej niż dwa miesiące po śmierci Stanczaka, i stała się czymś więcej niż tylko kolejną wystawą. To celebracja pracy i życia naprawdę ukochanego i wpływowego artysty. Podtytuł wystawy to Życie powierzchni, obrazy 1970-1975. Jak wskazano, zawiera tylko prace wykonane w pięcioletnim okresie lat 70. Ale co ważniejsze, odnosi się do życia, które Stanczak wniósł do swojej pracy i do świata sztuki w ogóle. Jako jeden z protoplastów tego, co ostatecznie stało się znane jako Op Art, Stanczak był pionierem, który odkrył niezwykłe rzeczy, które można osiągnąć, używając tylko prostych elementów koloru i linii.

Przypadkowe wynalezienie sztuki optycznej

Dziś termin Op Art jest rozumiany przez większość miłośników sztuki, kuratorów, nauczycieli i kolekcjonerów jako rodzaj trippy, geometrycznej sztuki, która oszukuje oko, sprawiając, że postrzega ruch, przestrzeń i światło tam, gdzie w rzeczywistości ich nie ma. Ruch ten zazwyczaj związany jest z garstką znanych artystów, takich jak Bridget Riley i Victor Vasarely, którzy w początkowych dniach byli jego najbardziej znanymi zwolennikami. A współczesna publiczność ma tendencję do postrzegania go jako spójnego ruchu, w którym zaangażowani artyści mieli zrozumiałą agendę lub przynajmniej poruszali się w spójnym kierunku estetycznym.

Ale prawda o Op Art jest znacznie mniej glamour niż to. Termin Op Art wyłonił się z tytułu wystawy prac nikogo innego jak Julian Stanczak. Wystawa była jego pierwszą w Nowym Jorku i odbyła się w galerii Martha Jackson w 1964 roku. Sama Martha Jackson zatytułowała wystawę Julian Stanczak: Optical Paintings. Kiedy Stanczak przyjechał do Nowego Jorku z domu w Cleveland, aby zobaczyć wystawę, dowiedział się o tytule po raz pierwszy, gdy zobaczył go napisany na oknie galerii. W wywiadzie z 2011 roku Stanczak wspominał: “Powiedziałem: ‘Mój Boże, skąd to masz? Martha, jak możesz powiedzieć optyczny?’” Jackson próbowała go uspokoić, odpowiadając: “Hej, Julian, to coś dla krytyków sztuki do przemyślenia.” I rzeczywiście przemyśleli. W rzeczywistości młody rzeźbiarz o imieniu Donald Judd, który pisał krytykę dla magazynu Arts w tamtym czasie, zrecenzował wystawę i w odniesieniu do jej tytułu ukuł frazę Op Art w swojej recenzji.

Julian Stanczak - Static Blue, 1973, Akryl na płótnie, 48x120 cali

Kolor i linia

Patrząc wstecz, wydaje się absurdalne, aby wyróżniać jeden konkretny typ malarstwa i nazywać go optycznym. Słowo optyczny odnosi się do każdego zjawiska, które istnieje w widzialnym spektrum światła. Jednak w kontekście obrazów, które znalazły się na pierwszej wystawie Juliana Stanczaka w galerii Martha Jackson, termin ten był interpretowany nie tylko jako odnoszący się do tego, co jest widoczne, ale raczej jako mający coś wspólnego z iluzjami optycznymi. Stanczak wykorzystał połączenie koloru i linii, aby dać wrażenie głębi i ruchu oraz zasugerować, że światło emanuje z powierzchni dzieła. Jednak nic w tym dziele nie miało na celu oszukiwania kogokolwiek. Była to po prostu analiza możliwości, jakie kolor i linia mogły osiągnąć samodzielnie.

Jego początkowe zainteresowanie elementami koloru i linii zaczęło się dla Stanczaka dziesięciolecia przed jego pierwszą wystawą w Nowym Jorku, kiedy był młodym mężczyzną w obozie dla uchodźców w Ugandzie podczas II wojny światowej. Stracił sprawność dominującej prawej ręki podczas pracy w obozie pracy, a następnie doznał dalszych obrażeń od niekompetentnych lekarzy wojskowych. Kontuzja zakończyła jego marzenie o zostaniu muzykiem, więc po przybyciu do Afryki i zauważeniu jej piękna i koloru, skorzystał z okazji, aby nauczyć się rysować i malować lewą ręką. Jego prace z tamtego okresu są niezwykłe, pokazując, że nawet używając niedominującej ręki, posiadał niezwykłą zdolność malowania z rzeczywistości. Jednak nie miał pragnienia malować tego, co widział i przeżył. Zamiast tego poszukiwał abstrakcyjnych tematów, które mogłyby pomóc mu zapomnieć o przeszłości i namalować coś uniwersalnego.

Julian Stanczak - Życie powierzchni, obrazy 1970 – 1975, widok instalacji w Mitchell-Innes and Nash NY, 2017

Przyjazd do Ohio

Gdy tylko mógł, Stanczak przyjechał do Ameryki, gdzie dołączył do członków swojej rodziny, którzy mieszkali w Ohio. Uznał, że miasto Cleveland jest dobrze dopasowane do jego artystycznych ambicji, odkrywając tam tętniącą życiem symfonię i muzeum sztuki. Zapisał się na zajęcia artystyczne w Akademii Sztuk Pięknych w Cincinnati i to tam naprawdę zaczął koncentrować się szczególnie na elemencie koloru. Szybko jednak odkrył, że nikt w jego szkole nie był w stanie nauczyć go wszystkiego, co chciał wiedzieć. Powiedział Stanczak: „Podobał mi się kolor. I chciałem wiedzieć o nim więcej. I nikt nie odpowiadał na moje pytania. Więc usłyszałem, że Albers jest ekspertem. A gdzie on uczy? Na Yale. Więc idę na Yale."

Mówiąc o Albersie, Stanczak miał na myśli Josepha Albersa, jednego z czołowych ekspertów modernizmu w dziedzinie koloru. Joseph Albers i jego żona Anni byli wpływowymi nauczycielami w Bauhausie przed II wojną światową. Kiedy naziści zmusili Bauhaus do zamknięcia, podróżowali do Karoliny Północnej na zaproszenie, aby uczyć w Black Mountain College. Później przenieśli się do Yale. Słysząc, że Albers jest czołowym ekspertem w dziedzinie koloru na świecie, Stanczak aplikował do Yale na studia magisterskie. A podczas nauki u Albersa stał się pewny, że wszystko, co pragnął wyrazić, można wyrazić za pomocą koloru, wraz z prostym dodatkiem linii.

Julian Stanczak - Życie powierzchni, obrazy 1970 – 1975, widok instalacji w Mitchell-Innes and Nash NY, 2017

Responsywne oko

Dwa lata po swojej pierwszej wystawie w Martha Jackson Gallery, która doprowadziła do ukucia terminu Op Art, Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku zorganizowało swoją ambitną wystawę sztuki abstrakcyjnej geometrycznej zatytułowaną The Responsive Eye. W wystawie wzięli udział Julian Stanczak, jego nauczyciel z Yale, Joseph Albers, wspomniana wcześniej Bridget Riley oraz Victor Vasarely, a także 95 innych artystów z 15 krajów. Ta wystawa stała się sławna za wprowadzenie Op Art do szerszej wyobraźni publicznej. Jednak w tamtym czasie MoMA nigdy nie używało terminu Op Art, aby odnieść się do prac prezentowanych na wystawie. Zamiast tego muzeum używało terminów takich jak percepcja, aby podkreślić swoje badania nad nowymi sposobami, w jakie artyści wykorzystywali geometrię, kolor, powierzchnię, linię i światło do badania, jak ludzie widzą.

Jak powiedział William C. Seits, który kierował wystawą The Responsive Eye, w komunikacie prasowym do wystawy: „te prace istnieją mniej jako obiekty do zbadania, a bardziej jako generatory percepcyjnych reakcji w oku i umyśle widza. Używając tylko linii, pasm i wzorów, płaskich obszarów koloru, białego, szarego lub czarnego, lub starannie przyciętego drewna, szkła, metalu i plastiku, artyści percepcyjni ustanawiają nową relację między obserwatorem a dziełem sztuki. Te nowe rodzaje subiektywnych doświadczeń... są całkowicie realne dla oka, mimo że nie istnieją fizycznie w samym dziele.” The Responsive Eye dało ogromny impuls karierze Juliana Stanczaka, a także wielu innym artystom na wystawie. Ale Stanczak nie przeniósł się do Nowego Jorku, gdzie mógłby łatwo cieszyć się ogromną sławą. Zamiast tego pozostał w Cleveland, gdzie przez 38 lat był profesorem malarstwa w Cleveland Institute of Art.

Julian Stanczak - Życie powierzchni, obrazy 1970 – 1975, widok instalacji w Mitchell-Innes and Nash NY, 2017

Pamiętając Juliana Stanczaka

Z jego domu w Cleveland, z dala od stolic świata sztuki, Stanczak kontynuował eksplorację koloru i światła w swoich obrazach przez resztę swojego życia. Jego żmudny proces nakładania warstw farby lewą ręką, która nie była jego dominującą, był czasochłonny i pracochłonny. Ale w swoim procesie znalazł radość i uwolnienie, które emanowały w dużych ilościach z jego pracy. Na przestrzeni dziesięcioleci jego obrazy zostały nabyte przez prawie 100 muzeów na całym świecie, chociaż był prawie ignorowany przez galerie w Nowym Jorku.

Ale w końcu w 2004 roku Stanczak wrócił do Nowego Jorku z dwoma wystawami solowymi w Stefan Stux Gallery. A przez następne dziesięciolecie brał udział w kilku wystawach zbiorowych w mieście, stopniowo ponownie stając się prominentny w umysłach publiczności kupującej sztukę. Następnie w 2014 roku miał swoją pierwszą wystawę w Mitchell-Innes & Nash. Obecna wystawa pośmiertna jego prac jest doskonale podtytułowana, ponieważ Stanczak rzeczywiście spędził całe życie, nadając życie powierzchniom swoich obrazów. Trwa tylko do 24 czerwca 2017 roku, więc pospiesz się, jeśli chcesz ją zobaczyć. Ale jeśli ją przegapisz, nie martw się. Gdy świat uświadamia sobie geniusz, który stracił, prawdopodobnie będzie to tylko pierwsza wystawa, która uczci dziedzictwo tego mistrza koloru i linii.

Obraz wyróżniający: Julian Stanczak - Życie powierzchni, obrazy 1970 – 1975, widok instalacji w Mitchell-Innes & Nash, NY, 2017

Wszystkie obrazy dzięki uprzejmości Mitchell-Innes i Nash

Autor: Phillip Barcio