Pomaluj swoją kolekcję sztuki abstrakcyjnej na zielono!

Gdy wiosna nieśmiało nadchodziła, zieleń dostojnie wchodzi na pierwszy plan ze swoim pierwotnym związkiem z naturą i rozkwitającą roślinnością. Jednak jej liczne metaforyczne znaczenia wcale się tutaj nie wyczerpują – uspokajająca i niebezpieczna, przyjemna i trująca – zieleń jest kolorem ambiwalentnym, jeśli nie dwuznacznym. Niestabilna zarówno w malarstwie, jak i w procesie blaknięcia, była kojarzona ze wszystkim, co zmienne – od miłości po szczęście, a ta intrygująca niepewność została ujęta w niektórych z najbardziej fascynujących dzieł zielonej abstrakcji. Ambiwalencja i niepewność towarzyszyły zieleni przez całą historię. Po jej pompatycznym (ponownym) pojawieniu się na początku nowoczesności, gdy malarze od impresjonistów wzwyż stosowali ją z większym zapałem niż ich poprzednicy, była kochana i nienawidzona – jednocześnie! Od nieprzychylnej krytyki koloru przez Kandinsky’ego (wraz z żółtym) po bezwarunkowe zauroczenie Brice’a Mardena w jego zielonych monochromatycznych obrazach, zieleń nadal ucieleśnia tę kapryśną zmienność także w sztuce abstrakcyjnej. Jeśli, podobnie jak my, zostaliście oczarowani hipnotyzującym efektem zieleni, prosimy przewińcie w dół, aby poznać naszą najnowszą kolekcję zielonej abstrakcji.

Martín Reyna - Bez tytułu (Ref 19013)

Najnowsze dzieło Reyna ukazuje jego charakterystyczną technikę rozcieńczania tuszu i dodawania wody na papierze, dzięki czemu kolory – przeważnie różne odcienie zieleni – rozpraszają się i wchodzą w niezwykłe interakcje. Barwy rozpraszają się i rozrzucają, wdzięcznie drgając i przekraczając swoje pierwotne granice. Bez tytułu (Ref 19013) zgrabnie równoważy zaangażowanie Reyny w staranne planowanie właściwości liniowych i przestrzennych swoich kompozycji oraz pozwolenie siłom natury na przejęcie procesu i prowadzenie go w najbardziej nieprzewidywalny sposób. Reyna to argentyński malarz abstrakcyjny mieszkający w Paryżu, Francja, znany ze swoich gestualnych obrazów abstrakcyjnych.

Martin Reyna - Bez tytułu (Ref 19013), 2019. Tusz na papierze. 150 x 150 cm.

Seb Janiak - Photon 04 (Średni)

Seria Photon wizualnie bada dwoistą naturę światła – zarówno jako fali, jak i cząstki. Podstawowym (meta)fizycznym założeniem Janiaka i punktem wyjścia dla jego estetycznych poszukiwań jest to, że gdy obserwator postrzega światło, jego natura ulega zmianie. Aby zweryfikować swoje twierdzenia, Janiak używa obiektywu aparatu, który najbardziej przypomina oko. Pryzmat, używany jako pośrednik między okiem a widzialnym, rozkłada niewidzialne białe światło na siedem podstawowych kolorów, a Photon 04 izoluje zieloną część spektrum. Janiak jest artystą fotograficznym, którego prace badają warunki, w których przeciwieństwa mogą współistnieć, ujawniając wizualne cechy ukrytych sił kształtujących fizyczny wszechświat. Mieszka i pracuje w Paryżu, Francja.

Seb Janiak - Photon 04 (Średni), 2012. Odbitka chromogeniczna. 100 x 133 cm.

Jessica Snow - Terra Incognita 5

Zieleń dominuje w tym żywym akrylu na gorącym papierze prasowanym, gdy Snow mistrzowsko łączy figlarne kształty z przekonującym kolorem, organicznymi gestualnymi liniami, geometrycznymi i liniowymi formami. Terra Incognita 5 łączy uczuciowe i racjonalne, porządek i chaos, gdy Snow bada, jak kody kulturowe są spolaryzowane i jak wiążą się z określonymi kolorami i formami. Zaczyna od licznych szkiców, po czym następuje intuicyjny i bezwysiłkowy proces malowania, podczas którego pociągnięcia pędzla znikają, a warstwy stają się nieopisane. Snow jest amerykańską artystką abstrakcyjną, której obrazy i rysunki wyróżniają się kolorową i figlarną geometrią. Mieszka w San Francisco.

Jessica Snow - Terra Incognita 5, 2018. Akryl na papierze Arches hotpress 300lb. 57,2 x 54,6 cm.

Macha Poynder - Tales of Japan

Tales of Japan ukazuje zdumiewającą złożoność i głębię, jaką tworzą liczne warstwy i kolory. Zieleń, która historycznie przesuwała się głęboko w niebieską i żółtą część spektrum, dominuje, gdy teksturowane i malarskie powierzchnie Poynder łączą przypadkowość rozpryskiwanej/zanurzanej farby z celowym, kontrolowanym ruchem. Łączy automatyczne rysowanie, performatywne gesty i intuicyjne wybory kolorów, aby wydobyć swoje nieświadome ja. Poynder jest rosyjsko-urodzoną, paryską artystką, której wielodyscyplinarne dzieła inspirowane są filozofiami i zasadami estetycznymi ekspresjonizmu abstrakcyjnego.

Macha Poynder - Tales of Japan, 2011. Olej na nieoprawionym płótnie. 161 x 304,5 cm.

Janise Yntema - Saltaire

Saltaire jest częścią formalnych, trójdzielnych kompozycji w stylu weneckiego colore, które tworzą przedstawienie atmosfery jako zarówno tematu, jak i przedmiotu. Zieleń chartreuse tworzy solidną gęstość, która zatrzymuje nasycone światło i tajemnicze elementy natury. Jej nagromadzone, półprzezroczyste warstwy koloru tworzą efemeryczną lekkość, gdy światło przenika przez wierzchnią warstwę i oświetla warstwy pod spodem. Yntema jest amerykańską malarką abstrakcyjną, obecnie mieszkającą i pracującą w Brukseli, Belgia, znaną z pracy starożytną techniką encaustic wax, czyli mieszanką wosku pszczelego, żywicy i pigmentów.

Janise Yntema - Saltaire, 2015. Wosk pszczeli, żywica i pigment na płótnie zamontowanym na panelu. 60 x 60 cm.

Tom McGlynn - Survey 4

Seria Survey uosabia pozornie formalistyczne i postminimalistyczne podejście McGlynna, które podkreśla bezpośredniość i fenomenalną obecność jego dzieł. Spokojnie nakłada warstwy akrylu na papier Fabriano, kontrastując zielone i brązowe warstwy poprzez nowatorską, uproszczoną reinterpretację form z jego najbliższego otoczenia. Survey pośrednio odnosi się do gry na temat testów behawioralnych, ale w szerszym, konotacyjnym sensie. McGlynn jest amerykańskim artystą abstrakcyjnym, którego twórczość bada interaktywny kolor i proporcje w napięciu z ich potencjalnym znaczeniem semiotycznym. Mieszka i pracuje w okolicach Nowego Jorku.

Tom McGlynn - Survey 4, 2013. Akryl na papierze Fabriano. 55,8 x 83,8 cm.

Fieroza Doorsen - Bez tytułu (Id. 1281)

Bez tytułu (Id. 1281) oddaje napięcia i harmonie charakterystycznego języka wizualnego Doorsen, który łączy strukturę i intuicję. Ten olej na papierze ucieleśnia jej starania, by połączyć organiczne i geometryczne, gdy zieleń i czerwień współgrają zarówno w sposób metodyczny, jak i przypadkowy. Działając jako medium między jej materiałami a wzorami i kształtami, wpisuje w swoją pracę wewnętrzne znaczenie estetyczne. Doorsen jest angielską artystką abstrakcyjną, która rozwinęła własny, osobisty język z naciskiem na wzory i kolorowe formy. Mieszka i pracuje w Londynie.

Fieroza Doorsen - Bez tytułu (Id. 1281), 2017. Olej na papierze. 27 x 19 cm.

Yari Ostovany - Conference of the Birds Nr 28

Seria Conference of the Birds została nazwana na cześć sufickiej przypowieści perskiego mistyka z XII wieku, Farideddina Attara. Mistyczna atmosfera emanująca z tego dzieła współbrzmi z alegoryczną przypowieścią o poszukiwaniu przez ptaki swojego króla Simorgh w czasach chaosu i ciemności. Warstwy pigmentów zmywane i nakładane, zdzierane i rozpuszczane dodają głębi i świetlistości kompozycji, tworząc duchowe połączenie ekspresjonizmu abstrakcyjnego i malarstwa pola koloru. Ostovany jest irańsko-urodzonym amerykańskim artystą abstrakcyjnym, który tworzy bogato fakturowane, warstwowe obrazy pola koloru. Obecnie mieszka i pracuje w San Francisco.

Yari Ostovany - Conference of the Birds Nr 28, 1999. Olej na panelu. 51 x 51 cm.

Debra Ramsay - Kolor Miejsca. Tajlandia

Nałożony na przezroczysty pleksiglas, który pozwala światłu przenikać przez atmosferyczną zieloną farbę, Kolor Miejsca. Tajlandia ukazuje przemianę czasu i przestrzeni, zarówno fizycznej, jak i metafizycznej. Zainspirowana swoją wizytą w Tajlandii w 2018 roku, Ramsay zebrała kolory, fotografując obiekty na miejscu, a po powrocie do domu wymieszała je za pomocą oprogramowania komputerowego, unikając jakiejkolwiek subiektywnej ingerencji pośredniczonej przez pamięć. Ramsay jest amerykańską artystką abstrakcyjną, która tworzy obrazy akrylowe, rysunki i instalacje badające konceptualną grę między kolorem, linią i powierzchnią. Mieszka i pracuje w Nowym Jorku.

Debra Ramsay - Kolor Miejsca. Tajlandia, 2018. Akryl na panelu akrylowym (pleksi). 48,3 x 30,5 cm.

Matthew Langley - Sombre Reptiles

Langley dokonuje zdumiewającego badania zagadkowej i pytającej natury malarstwa poprzez budowanie i rozbudowę, a także redukcję i minimalizację malowanej powierzchni, co doskonale ilustruje to dzieło. Jego niesprecyzowana dokładność wizualizowana jest w półprzezroczystych warstwach zieleni połączonych pod powierzchnią, pozwalając jego intencji (i inspiracji) ujawnić się poprzez odbicie i bezruch. Langley jest amerykańskim artystą abstrakcyjnym zainteresowanym równowagą koloru i procesu, znakowania i pola, skali i relacji, planowania i improwizacji. Mieszka i pracuje w Nowym Jorku.

Matthew Langley - Sombre Reptiles, 2018. Akryl na płótnie. 58,4 x 58,4 cm.

Odkryj więcej zielonych dzieł abstrakcyjnych!

Zdjęcie wyróżnione: Matthew Langley - Sombre Reptiles, 2018, widok instalacji.
Autor: Jovana Vuković