Dlaczego Richard Anuszkiewicz był główną siłą sztuki optycznej

Ruchy artystyczne nigdy nie umierają. Po prostu drzemią, aż jakiś nowy geniusz obudzi je ponownie, aby mogły kontynuować tam, gdzie ich przeszli mistrzowie skończyli. A czasami, jak w rzadkim przypadku Op Art, dzięki jednemu z jego najbardziej trwałych pionierów, Richard Anuszkiewicz, ruch artystyczny ma przywilej nieprzerwanego postępu, z pokolenia na pokolenie. Op Art pojawił się w latach 60. XX wieku i nigdy tak naprawdę nie zniknął. Obok Bridget Riley, Anuszkiewicz był, aż do 2020 roku, jednym z jego żyjących legend. Były uczeń Josefa Albersa na Yale, Anuszkiewicz stał na czołowej pozycji w trendzie od osobistych emocji i dramatu w sztuce, w kierunku badania obiektywnych relacji formalnych oraz wpływu, jaki te relacje mają na nasze oczy i umysły. To, co wyróżniało Anuszkiewicza spośród jego współczesnych, i co utrzymywało go w aktualności długo po tym, jak większość z nich zrezygnowała, to nie tylko genialność jego pracy, ale także powaga i pokora, z jaką została stworzona.

Odkrywanie koloru

Jedną z najbardziej ujmujących historii o Richardzie Anuszkiewiczu jest ta o jego pierwszej wystawie solowej w Nowym Jorku. Historia zaczyna się w Ohio, gdzie Anuszkiewicz uzyskał tytuł licencjata sztuk pięknych w Cleveland Institute of Art. W piątym i ostatnim roku w tej szkole zdobył stypendium na studia artystyczne w Europie. Jednak po wyrażeniu swojego braku zainteresowania Europą swojemu doradcy, został zachęcony do podjęcia studiów magisterskich w Cranbrook, postępowej szkole artystycznej pod Detroit, lub na Yale. Po dowiedzeniu się, że Josef Albers, słynny kolorysta z korzeniami w Bauhausie, jest na Yale, Anuszkiewicz zdecydował się tam pójść. Odnośnie swojego wyboru, później wyjaśnił, że czuł, iż kolor jest największą rzeczą, której brakowało w jego pracy.

Choć Albers był, a wciąż jest, uważany za geniusza, nie był powszechnie lubianym nauczycielem. Wielu uważało jego lekcje za arbitralne, nudne, a nawet bezużyteczne. Ale Albersa nie obchodziło, co myślą jego uczniowie. Wierzył w wewnętrzną wartość zrozumienia relacji kolorów, więc to było jedyne, czego uczył. Jeśli uczeń nie rozumiał lub nie wykazywał zainteresowania, Albersowi było to obojętne. Ale Anuszkiewicz był tym rzadkim uczniem, który w pełni zrozumiał znaczenie tego, czego uczył Albers. Doskonalił się w swoich zajęciach. Nawet przekonał się do tego, by porzucić figurację, akceptując, że jedynym sposobem na prawdziwe zbadanie mocy koloru jest uczynienie go centralnym tematem pracy. Ale pozostał jeden zasadniczy problem dla Anuszkiewicza, a mianowicie to, że pod ciężarem potężnej osobowości, jaką miał Albers, niemal niemożliwe było dla jego uczniów rozwinięcie indywidualnego stylu.

Richard Anuszkiewicz - Rosafied; and Veridified, 1971, Two screenprints in colors, on wove paper, with full margins, 36 × 26 in, 91.4 × 66 cm, © Richard Anuszkiewicz

Sukces w ostatniej chwili

Po ukończeniu studiów magisterskich na Yale, Anuszkiewicz podjął niezwykły krok, wracając do Ohio, aby zdobyć dodatkowy dyplom z edukacji, na wypadek gdyby kiedykolwiek chciał uczyć. To tam, w końcu wolny od wpływu Albersa, dotarł do własnego stylu. Była to eksploracja tego, jak relacje między kolorami a kształtami mogą oszukiwać oko i sprawiać, że umysł widzi rzeczy, których nie ma. Uznał to doświadczenie za transcendentalne i kontemplacyjne, a jego paradoks za poetycki. Po ukończeniu studiów z zakresu edukacji, Anuszkiewicz poczuł, że po raz pierwszy ma silny, idiosynkratyczny pomysł i mnóstwo dobrych przykładów swojej pracy. Więc przeprowadził się do Nowego Jorku i zaczął pokazywać swoją pracę galerzystom. Ale pomimo wielu, którzy uważali tę pracę za intrygującą, żaden z galerzystów nie chciał zaryzykować jej pokazania. Był rok 1957. Ekspresjonizm Abstrakcyjny wciąż był na fali. Dealerzy po prostu nie byli pewni, czy płaskie, kolorowe, twarde prace, które tworzył Anuszkiewicz, będą się sprzedawać.

Minęły dwa lata, zanim Anuszkiewicz został w końcu podpisany przez Karla Lunde w The Contemporaries Gallery. Lunde zaproponował mu wystawę indywidualną w marcu 1960 roku. Ta wystawa okazała się fabulously dobrze odwiedzona. Wielu krytyków i kolekcjonerów z entuzjazmem mówiło o pracy. Ale jak przewidywali wszyscy inni dealerzy, nikt nie kupował. W rzeczywistości prawie cała wystawa przeszła bez jednego sprzedaży, aż niemal w ostatni dzień, jeden kupujący w końcu wszedł: Alfred F. Barr, Jr., który był Dyrektorem Muzeum Sztuki Nowoczesnej. Barr kupił obraz zatytułowany Fluorescent Complement i wystawił go później w tym roku w MoMA z innymi niedawnymi nabytkami. Jak w zegarku, inni kolekcjonerzy zaczęli nabywać prace Anuszkiewicza, w tym niektórych z najbogatszych kolekcjonerów w mieście, takich jak Nelson Rockefeller.

Richard Anuszkiewicz - Fluorescent Complement, 1960, Oil on canvas, 36 x 32 1/4 in (91.5 x 82 cm), MoMA Colection, © Richard Anuszkiewicz

Efekt MoMA

Obecność Fluorescent Complement w MoMA zasygnalizowała publiczności, że nadszedł czas, aby abstrakcyjny ekspresjonizm poszedł na drzemkę. W następnym roku Whitney zorganizowało Geometric Abstraction in America, które zawierało obraz Anuszkiewicza, a następnie MoMA ogłosiło dużą nadchodzącą wystawę poświęconą „głównie wizualnemu naciskowi.” Kiedy ta duża wystawa, która nosiła tytuł The Responsive Eye, w końcu się odbyła, zawierała prace wielu artystów i ugruntowała znaczenie terminu Op Art. A wraz z Victorem Vasarely i Bridget Riley, Anuszkiewicz wyłonił się jako jeden z najważniejszych artystów na wystawie.

Mówi się, że to, co oddzielało Vasarely'ego, to jego mistrzostwo w grze światła i ciemności, to, co oddziela Riley, to jej mistrzostwo w linii, a to, co oddzielało Anuszkiewicza, to jego mistrzostwo w relacjach kolorów. Ale jest coś jeszcze, co wszystkich trzech wyróżnia – ich powaga. Wszyscy troje posiadają wewnętrzną ciekawość i oddanie. A Anuszkiewicz był również wyjątkowy ze względu na swoją pokorę. Podczas gdy pisarze zachwycają się jego osiągnięciami, on komentuje: „Coś się dzieje, gdy zestawisz dwa kolory. To ma wpływ.” Umniejszał blask i moc swojej pracy, po prostu odnosząc się do pojęcia, że kolory i kształty zmieniają się w różnych sytuacjach, a rozważanie takich zmian może przypomnieć ludziom, że nigdy nie jesteśmy do końca pewni, czy to, co widzimy, jest prawdziwe.

Richard Anuszkiewicz - Unnumbered (Annual Edition), 1978, Paint and screenprint on masonite, 4 × 4 in, 10.2 × 10.2 cm, Loretta Howard Gallery, New York City, New York © Richard Anuszkiewicz

Obraz wyróżniony: Richard Anuszkiewicz - Bez tytułu (Wydanie roczne), 1980, Sitodruk na masonicie, 5 3/4 × 5 3/4 cala, 14,6 × 14,6 cm. © Richard Anuszkiewicz
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych