Inovador, mas Esquecido - A Arte de Mark Tobey

Neste verão, a Coleção Peggy Guggenheim em Veneza, Itália, apresenta a primeira grande retrospectiva europeia das pinturas de Mark Tobey em mais de 20 anos. Intitulada Mark Tobey: Threading Light, a exposição inclui 66 obras principais criadas por Tobey entre o final dos anos 1920 e o início dos anos 1970. A seleção de obras busca destacar as várias evoluções pelas quais Tobey passou em sua carreira enquanto buscava formas de expressar as universalidades da existência humana. Após iniciar sua carreira como ilustrador comercial e artista de retratos, ele migrou para a pintura aos 30 anos. Começou com trabalhos figurativos, mas logo se envolveu na conversa modernista sobre como desenvolver novos pontos de vista estéticos. Suas conquistas finais nesse aspecto foram enormes, o que torna ainda mais estranho que tantas pessoas hoje tenham completamente esquecido Tobey ou nunca tenham ouvido falar dele. Não faz muito tempo, ele era considerado um dos pintores mais importantes e influentes do mundo. Esse fato torna o momento e o local desta exposição atual particularmente adequados. Sua duração coincide com a Bienal de Veneza de 2017, um lembrete sutil de que foi em uma Bienal de Veneza anterior, em 1958, que Mark Tobey fez história. Tobey representou os Estados Unidos naquela feira ao lado de Mark Rothko. Mas enquanto Rothko talvez desfrute de muito mais fama hoje nos Estados Unidos, foi uma pintura de Tobey intitulada Capricorn que ganhou o Prêmio Cidade de Veneza de pintura em 1958 — a primeira vez, aliás, desde a inauguração da Bienal de Veneza em 1895, que o prêmio de ouro foi concedido a um pintor americano.

Uma Mente Aberta

Mark Tobey nasceu na cidade do meio-oeste americano de Centerville, Wisconsin, em 1890. Embora tenha deixado Wisconsin logo, ele a lembrava com carinho e frequentemente fazia referência à sua paisagem em suas primeiras pinturas. Mas, ao contrário de muitos pintores abstratos americanos de sua geração que preferiam viver e trabalhar inteiramente em Nova York, durante grande parte de sua vida adulta Mark Tobey escolheu viver e trabalhar em Seattle. Foi talvez essa escolha decisiva que levou a grande parte da liberdade e abertura de espírito que definiram seu desenvolvimento como artista. Outro residente frequente de Seattle, o artista marcial Bruce Lee, tinha uma visão de vida semelhante à de Mark Tobey. Lee fundou uma abordagem de luta chamada Jeet Kun Do, que ele descreveu como o “estilo sem estilo”, significando que um lutador deve rejeitar dogmas e estar aberto a aprender tudo o que for possível, mantendo o que funciona e descartando o que não funciona. O “estilo sem estilo” surgiu dos ensinamentos que Lee aprendeu inicialmente ao estudar o Budismo Zen, e é surpreendentemente semelhante à abordagem que Mark Tobey desenvolveu para a pintura muitos anos antes.

Tobey viajou pela primeira vez à Ásia na década de 1930. Essa viagem ocorreu em um momento em que ele lutava como pintor para descobrir o que fazer com o espaço. Ele não conseguia decidir se tentaria alcançar profundidade e dimensão em suas obras ou se abandonaria isso para abraçar a planaridade. Durante visitas ao Japão, Xangai e Hong Kong, ele adquiriu uma nova e profunda compreensão das diferentes formas como os artistas asiáticos trataram o espaço em suas obras ao longo da história. Ele já havia aprendido as técnicas da caligrafia chinesa enquanto vivia em Seattle na década de 1920, mas essa viagem o expôs a uma consciência mais completa de como a escrita e a simbologia se encaixam nas abordagens estéticas maiores da arte asiática. Essa epifania abriu Tobey para a ideia de que ele não deveria apenas estudar a forma como sua cultura faz arte, mas sim se abrir para aprender tudo o que fosse possível sobre a forma como todas as diferentes culturas fazem arte.

Mark Tobey - Crystallizations, 1944, Iris and B. Gerald Cantor Center for Visual Arts na Universidade de Stanford, Fundo Mabel Ashley Kizer, Doação de Mellita e Rex Vaughan, e Fundo de Aquisições Modernas e Contemporâneas

Pintura por Toda Parte

Pouco depois de retornar da Ásia, Tobey criou uma de suas pinturas mais influentes, intitulada Broadway. É uma expressão um tanto figurativa das formas, cores e luzes da famosa rua em Nova York. Mas é transformadora em sua abordagem. A composição é formada por centenas de pequenas marcas gestuais brancas. A semelhança com a escrita é clara, mas as marcas não formam nada concreto, nem representam diretamente formas do mundo real. São evocativas e poéticas. A pintura é vista hoje como a precursora de um estilo estético que Mark Tobey continuaria a perseguir de várias formas ao longo de sua carreira, que ele chamou de “escrita branca”.

Broadway foi pintada em 1936. Nos anos seguintes, Tobey continuou a desenvolver a abordagem que definiu essa obra. Ele abstraiu suas marcas caligráficas além do reconhecimento e logo abandonou todas as formas figurativas. Comprometeu-se a comunicar sentimento mais do que apenas imagens. O mais importante, ele fez questão de cobrir toda a superfície de suas telas com composições que não davam tratamento preferencial a nenhuma área específica da superfície. Essa ideia foi destacada mais tarde pelo crítico de arte Clement Greenberg quando descreveu as “pinturas por toda parte” que Jackson Pollock fazia na década de 1940. Mas foi Mark Tobey, cujas pinturas Pollock havia visto anos antes, quem pioneiramente adotou essa abordagem.

Mark Tobey - Threading-Light, 1942, The Museum of Modern Art, Nova York

A Escola da Não-Escola

Mark Tobey certamente conhecia Jackson Pollock e todos os outros artistas da Escola de Nova York. Obras de Tobey foram incluídas na exposição de 1946 Fourteen Americans no Museu de Arte Moderna de Nova York, uma exposição que também incluiu Arshile Gorky e Robert Motherwell. Mas enquanto esses artistas nova-iorquinos e seu entusiasta Greenberg abraçaram o mito de que faziam parte do surgimento de um tipo de arte inerentemente americana, Tobey rejeitou esse conceito. Ele insistia que a arte não deveria ser definida em termos tão estreitos, nem confinada por noções mesquinhas como nacionalismo, política, cultura ou geografia. Recusou-se a se associar à ideia da Escola de Nova York, mesmo que seu trabalho fosse claramente precursor das ideias de seus membros.

Em vez disso, Tobey adotou a mesma abordagem que Bruce Lee descreveu mais tarde. Chame-a de Escola da Não-Escola. Tobey viajou, leu, experimentou, aprendeu o máximo de abordagens diferentes que pôde e então manteve o que funcionava e abandonou o que não funcionava. Ele até estudou o Budismo Zen e dominou a pintura japonesa Sumi-e (tinta preta). Sua abertura e sua busca são evidentes na seleção de obras incluídas em Mark Tobey: Threading Light, que inclui até algumas de suas obras Sumi-e, bem como várias pinturas que evoluíram a partir da técnica, como City Reflections, que incorpora diretamente tinta preta respingada, e Lumber Barons, que faz referência mais delicada ao Sumi-e de uma forma mais conectada à escrita branca.

Mark Tobey - Wild Field, 1959, The Museum of Modern Art, NY, The Sidney and Harriet Janis Collection

Uma Linguagem Estética Universal

Além de seu desprezo por rótulos nacionalistas ou regionais, outra grande razão pela qual alguns críticos acreditam que Mark Tobey foi, em última análise, esquecido por muitos escritores da história da arte americana tem a ver com sua espiritualidade explícita. Não que o mundo da arte americano seja um lugar sem espiritualidade: obviamente isso não é verdade. Mas a marca particular de espiritualidade que Mark Tobey defendia o colocava em desacordo com quase todos, desde artistas, curadores, galeristas e críticos até pessoas fora do mundo da arte. Tobey pertencia a uma fé conhecida como Bahá'í. A crença central da religião monoteísta Bahá'í é um respeito constante pelo valor e importância de todas as religiões humanas, e o objetivo dos membros é a paz duradoura por meio da unidade de todas as pessoas. Isso pode não parecer controverso para uma pessoa sensata, mas a religião também insiste que todas as religiões vieram de uma única fonte divina, e que todos os profetas são manifestações iguais da mesma divindade, crenças que contradizem os princípios centrais de quase todas as grandes religiões, especialmente o Cristianismo, Judaísmo e Islamismo.

No que diz respeito ao mundo da arte americano, é aceitável falar sobre o espírito, como Wassily Kandinsky e Piet Mondrian certamente fizeram; é bom falar sobre universalidade, como Agnes Martin e tantos outros fizeram; e é ótimo falar sobre transcendência e contemplação, como Mark Rothko fez. Mas a palavra religião assusta as pessoas. Instituições americanas evitam coisas que possam ameaçá-las comercialmente. E embora as coisas possam ser diferentes agora, em meados do século XX agendas religiosas explícitas geralmente não eram consideradas boas para os negócios. Mas Mark Tobey nunca se importou com isso. Ele não hesitou em abordar suas crenças religiosas, e frequentemente professava que seu objetivo era usar sua arte como uma forma de contribuir para a criação de uma linguagem universal que pudesse ajudar a humanidade a alcançar unidade e paz. Mas, claro, se essa é a razão pela qual ele foi negligenciado nos EUA, não passa de especulação. Felizmente, apesar do desprezo de sua terra natal, Tobey desfrutou de uma carreira longa e frutífera em outros lugares, especialmente na Europa, onde foi reverenciado em vida e onde hoje é considerado o precursor de movimentos como Tachismo e Art Informel. Mark Tobey: Threading Light está em exibição na Coleção Peggy Guggenheim em Veneza, Itália, até 10 de setembro de 2017.

Mark Tobey - World, 1959, Coleção Particular, Nova York

Imagem em destaque: Mark Tobey - Sem título, Desenho Sumi (detalhe), 1944, Coleção Martha Jackson na Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY

Por Phillip Barcio