Inovador, mas Esquecido - A Arte de Mark Tobey

Neste verão, a Coleção Peggy Guggenheim em Veneza, Itália, está apresentando a primeira grande retrospectiva europeia das pinturas de Mark Tobey em mais de 20 anos. Intitulada Mark Tobey: Threading Light, a exposição inclui 66 obras importantes criadas por Tobey entre o final da década de 1920 e o início da década de 1970. A seleção de obras busca destacar as várias evoluções pelas quais Tobey passou em sua carreira enquanto buscava maneiras de expressar as universalidades da existência humana. Após iniciar sua carreira como ilustrador comercial e artista de retratos, ele fez a transição para a pintura na casa dos 30 anos. Começou com trabalhos figurativos, mas logo se viu envolvido na conversa modernista sobre como desenvolver novos pontos de vista estéticos. Seus eventuais sucessos a esse respeito foram enormes, o que torna ainda mais estranho que tantas pessoas hoje tenham completamente esquecido Tobey ou nunca tenham ouvido falar dele. Não muito tempo atrás, ele era considerado um dos pintores mais importantes e influentes do mundo. Esse fato torna o momento e o local desta exposição atual particularmente adequados. Sua duração está programada para coincidir com a Bienal de Veneza de 2017, um lembrete sutil de que foi em uma Bienal de Veneza anterior, em 1958, que Mark Tobey fez história. Tobey representou os Estados Unidos naquela feira ao lado de Mark Rothko. Mas enquanto Rothko pode desfrutar de muito mais fama hoje nos Estados Unidos, foi uma pintura de Tobey intitulada Capricorn que ganhou o Prêmio Cidade de Veneza de pintura em 1958—sendo a primeira vez, aliás, desde a inaugural Bienal de Veneza em 1895 que o prêmio de ouro foi para um pintor americano.

Uma mente aberta

Mark Tobey nasceu na cidade americana do meio-oeste, Centerville, Wisconsin, em 1890. Embora tenha deixado Wisconsin logo em seguida, ele se lembrava com carinho do lugar e frequentemente fazia referência à sua paisagem em suas primeiras pinturas. Mas, ao contrário de muitos pintores abstratos de sua geração que preferiam viver e trabalhar inteiramente em Nova York, durante grande parte de sua vida adulta, Mark Tobey escolheu viver e trabalhar em Seattle. Foi talvez essa escolha fatídica que levou à grande parte da liberdade e mente aberta que definiram seu desenvolvimento como artista. Outro residente frequente de Seattle, o artista marcial Bruce Lee, tinha uma visão de vida semelhante à de Mark Tobey. Lee fundou uma abordagem de luta chamada Jeet Kun Do, que ele descreveu como o “estilo de nenhum estilo”, significando que um lutador deve rejeitar dogmas e estar aberto a aprender tudo o que for possível, mantendo o que funciona e descartando o que não funciona. O “estilo de nenhum estilo” surgiu dos ensinamentos que Lee aprendeu primeiro enquanto estudava o Budismo Zen, e é strikingly similar à abordagem que Mark Tobey desenvolveu em relação à pintura muitos anos antes.

Tobey viajou pela primeira vez para a Ásia na década de 1930. Essa viagem ocorreu em um momento em que ele estava lutando como pintor para descobrir o que fazer em relação ao espaço. Ele não conseguia decidir se deveria tentar alcançar profundidade e dimensão em suas obras ou abandoná-las e, em vez disso, abraçar a planicidade. Enquanto visitava o Japão, Xangai e Hong Kong, ele adquiriu uma nova e profunda compreensão das diferentes maneiras como os artistas asiáticos trataram o espaço em seu trabalho ao longo da história. Ele já havia aprendido anteriormente as técnicas da caligrafia chinesa enquanto vivia em Seattle na década de 1920, mas essa viagem o expôs a uma consciência mais completa de como a escrita e a simbologia se encaixam nas abordagens estéticas mais amplas da arte asiática. Essa epifania abriu a mente de Tobey para a ideia de que ele não deveria apenas estudar a maneira como sua cultura faz arte, mas sim se abrir para aprender tudo o que for possível sobre a maneira como todas as diferentes culturas fazem arte.

Mark Tobey - Cristalizações, 1944, Centro de Artes Visuais Iris e B. Gerald Cantor da Universidade de Stanford, Fundo Mabel Ashley Kizer, Doação de Mellita e Rex Vaughan, e Fundo de Aquisições Modernas e Contemporâneas

Pintura completa

Pouco depois de retornar da Ásia, Tobey criou uma de suas pinturas mais influentes, intitulada Broadway. É uma expressão um tanto figurativa das formas, cores e luzes da famosa rua em Nova York. Mas é transformadora em sua abordagem. A composição é composta por centenas de pequenas marcas brancas, gestuais. A semelhança com a escrita é clara, mas as marcas não soletram nada concreto, nem representam diretamente formas do mundo real. Elas são evocativas e poéticas. A pintura é vista hoje como o precursor de um estilo estético que Mark Tobey continuaria a perseguir de várias maneiras ao longo de sua carreira, que ele chamou de "escrita branca."

Broadway foi pintado em 1936. Nos anos seguintes, Tobey continuou a desenvolver a abordagem que definiu essa obra. Ele abstraiu suas marcas caligráficas além do reconhecimento e logo abandonou todas as formas figurativas. Ele se comprometeu a comunicar sentimentos mais do que apenas imagens. O mais importante é que ele fez questão de cobrir toda a superfície de suas telas com composições que não favoreciam nenhuma área particular da superfície. Essa ideia foi destacada mais tarde pelo crítico de arte Clement Greenberg quando ele descreveu as "imagens de cobertura total" que Jackson Pollock estava criando na década de 1940. Mas foi Mark Tobey, cujas pinturas Pollock havia visto anos antes, que pioneirou essa abordagem.

Mark Tobey - Threading-Light, 1942, O Museu de Arte Moderna, Nova York

A Escola da Não Escola

Mark Tobey certamente conhecia Jackson Pollock e todos os outros artistas da Escola de Nova York. Obras de Tobey foram incluídas na exposição de 1946 Quatorze Americanos no Museu de Arte Moderna de Nova York, uma exposição que também incluiu Arshile Gorky e Robert Motherwell. Mas enquanto aqueles artistas de Nova York e seu torcedor Greenberg abraçavam o mito de que faziam parte do surgimento de um tipo de arte inerentemente americana, Tobey rejeitou esse conceito. Ele insistiu que a arte não deveria ser definida em termos tão restritos, ou ser confinada por noções mesquinhas como nacionalismo, política, cultura ou geografia. Ele se recusou a se associar à ideia da Escola de Nova York, mesmo que seu trabalho claramente fosse um precursor das ideias de seus membros.

Em vez disso, Tobey adotou a mesma abordagem que Bruce Lee descreveu mais tarde. Chame isso de Escola de Nenhuma Escola. Tobey viajou, leu, experimentou, aprendeu tantas abordagens diferentes quanto pôde e então manteve o que funcionou e abandonou o que não funcionou. Ele até estudou o Budismo Zen e dominou a pintura Sumi-e (tinta preta) japonesa. Sua abertura e sua busca são evidentes na seleção de obras incluídas em Mark Tobey: Threading Light, que inclui até algumas de suas obras Sumi-e, bem como várias pinturas que evoluíram da técnica, como City Reflections, que incorpora diretamente tinta preta respingada, e Lumber Barons, que faz referência de forma mais delicada ao Sumi-e de uma maneira mais conectada à escrita branca.

Mark Tobey - Campo Selvagem, 1959, O Museu de Arte Moderna, NY, A Coleção Sidney e Harriet Janis

Uma Linguagem Estética Universal

Além de seu desprezo por rótulos nacionalistas ou regionais, outra razão importante pela qual alguns críticos acreditam que Mark Tobey foi, em última análise, esquecido por muitos escritores da história da arte americana tem a ver com sua espiritualidade manifesta. Não quero dizer que o mundo da arte americana seja um lugar não espiritual: obviamente isso não é verdade. Mas a marca particular de espiritualidade que Mark Tobey defendia o colocava em desacordo com praticamente todos, desde artistas, curadores, galeristas e críticos até pessoas fora do mundo da arte. Tobey pertencia a uma fé conhecida como Bahá'í. A crença central da religião monoteísta Bahá'í é um respeito duradouro pelo valor e dignidade de todas as religiões humanas, e o objetivo dos membros é a paz duradoura por meio da unidade de todos os povos. Isso pode não soar controverso para uma pessoa sensata, mas a religião também insiste que todas as religiões vieram de uma única fonte divina, e que todos os profetas são manifestações iguais da mesma divindade, crenças que contradizem os princípios fundamentais de quase todas as grandes religiões, especialmente o Cristianismo, o Judaísmo e o Islã.

No que diz respeito ao mundo da arte americana, é aceitável falar sobre o espírito, como Wassily Kandinsky e Piet Mondrian certamente fizeram; e é bom falar sobre universalidade, como Agnes Martin e tantos outros fizeram; e é ótimo falar sobre transcendência e contemplação, como Mark Rothko fez. Mas a palavra religião assusta as pessoas. As instituições americanas evitam coisas que possam ameaçá-las comercialmente. E embora as coisas possam ser diferentes agora, em meados do século 20, agendas religiosas abertas não eram geralmente consideradas boas para os negócios. Mas Mark Tobey nunca se importou com isso. Ele não hesitou em abordar suas crenças religiosas e, com bastante frequência, professou que seu objetivo era usar sua arte como uma forma de contribuir para a criação de uma linguagem universal que pudesse ajudar a humanidade a alcançar unidade e paz. Mas, é claro, se essa é a razão pela qual ele foi negligenciado nos EUA, não passa de especulação. Felizmente, apesar do desprezo de sua terra natal, Tobey desfrutou de uma carreira longa e frutífera em outros lugares, especialmente na Europa, onde foi reverenciado em sua vida e onde hoje é considerado o progenitor de movimentos como Tachisme e Art Informel. Mark Tobey: Threading Light está em exibição na Coleção Peggy Guggenheim em Veneza, Itália, até 10 de setembro de 2017.

Mark Tobey - Mundo, 1959, Coleção Privada, Nova Iorque

Imagem em destaque: Mark Tobey - Sem título, Desenho Sumi (detalhe), 1944, A Coleção Martha Jackson na Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY

Por Phillip Park