Como Ad Reinhardt Nos Ensinou a Olhar para a Arte Moderna

O que significa ser um purista? É como ser fechado? Ou a busca pela pureza é inerentemente nobre, como a busca pela perfeição? Para o artista abstrato americano Ad Reinhardt, a pureza era essencial para a arte fina. Em seu ensaio de 1953, “Doze Regras para uma Nova Academia”, Reinhardt definiu a arte fina como “arte esvaziada e purificada de todos os outros significados que não sejam arte.” Ele continuou a explicar que, “Quanto mais usos, relações e "adições" uma pintura tem, menos pura ela é. Quanto mais coisas houver nela, mais ocupada será a obra de arte, pior ela será. ‘Mais é menos’.” Isso pode soar como uma declaração estranha de um pintor associado aos Expressionistas Abstratos, artistas que definitivamente colocaram mais em suas telas, não menos. Mas embora Reinhardt tenha começado sua carreira pintando telas expressivas e dinâmicas, sua busca pela pureza alterou drasticamente sua abordagem ao longo do tempo. Ele reduziu tão dramaticamente o conteúdo em suas pinturas ao longo de sua carreira que, nos últimos anos de sua vida, ele pintou apenas com a cor preta. Quando morreu em 1967, ele estava tão confiante na pureza de seus esforços que proclamou que havia pintado as últimas pinturas que jamais foram necessárias.

Arte feita fina

A busca pela pureza pode parecer mais adequada para um mosteiro do que para um estúdio de arte. Mas Ad Reinhardt era tanto um filósofo quanto um artista. E um de seus melhores amigos era, de fato, um monge em um mosteiro. Reinhardt trocava regularmente cartas com ele, trocando de forma lúdica pontos de vista sobre a natureza da vida e da arte. Na pós-graduação, Reinhardt estudou história da arte, um tema sobre o qual ele sabia mais do que talvez qualquer outro artista de sua geração. Talvez seu interesse em descobrir a manifestação suprema da pureza na arte tivesse tanto a ver com curiosidade intelectual e espiritual quanto com seu desejo de definir sua própria relevância no continuum da história da arte.

Quando ele começou a expor suas pinturas em Nova York na década de 1940, elas estavam alinhadas com o estilo emergente dominante da época, Expressionismo Abstrato. Eram pictóricas, gestuais, cheias de cores vivas e vivas com marcas abstratas. Menos de uma década depois, ele repudiou apaixonadamente todas essas coisas, publicando um manifesto dogmático, quase cômico em sua especificidade, muitas vezes contraditório, descrevendo o método preciso de fazer pinturas puras e modernas: pinturas que, incidentalmente, não eram nada parecidas com suas próprias obras iniciais. Se isso parece paradoxal, ajuda lembrar as famosas palavras de Reinhardt: “A arte é séria demais para ser levada a sério.”

Ad Reinhardt - Pintura Abstrata, 1960. Óleo sobre tela. © 2018 Espólio de Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), Nova Iorque

Desmantelando a Vanguarda

Para entender o clima cultural em que Reinhardt trabalhou, é útil olhar para a história do Modernismo. Antes da Segunda Guerra Mundial, quase todos os movimentos de arte de vanguarda se originaram fora da América. Após a Segunda Guerra Mundial, a América deu origem a alguns dos movimentos modernistas mais influentes do século, incluindo o Expressionismo Abstrato, Minimalismo e o Pós-Expressionismo. O que aconteceu para precipitar essa mudança na influência da arte americana? Teve mais a ver com política do que com arte.

Após a Revolução Alemã no pós-Primeira Guerra Mundial, um governo representativo assumiu o poder na Alemanha chamado de República de Weimar. Este governo democraticamente eleito instituiu reformas sociais, políticas e econômicas abrangentes que levaram a grandes mudanças culturais em toda a Alemanha. Dentro desse ambiente transformador, o Modernismo Alemão floresceu. A Bauhaus foi estabelecida no mesmo ano que a República de Weimar, e na mesma cidade, e ao longo dos próximos 14 anos a Alemanha evoluiu para se tornar uma força progressista líder nas artes.

Ad Reinhardt - Colagem em Papel de Jornal, 1940. Papel impresso recortado e colado e papel preto sobre madeira. 15 7/8 x 20 pol (40,6 x 50,8 cm). Coleção do MoMA. © 2018 Espólio de Ad Reinhardt / Sociedade de Direitos dos Artistas (ARS), Nova Iorque  

O Lado Sombrio do Purismo

Quando a bolsa de valores quebrou em 1929, a Alemanha, como a maioria dos outros países ocidentais, viu sua economia colapsar. A subsequente depressão global causou muita frustração na vida das pessoas comuns. Quando o regime nazista assumiu o poder na Alemanha em 1933, foi sob o pretexto de restaurar a Alemanha à sua grandeza histórica e reverter as tendências do passado recente. Uma das primeiras coisas que o Partido Nazista fez foi exercer influência sobre a cultura alemã. A arte moderna foi um alvo chave.

Liderados por Adolf Hitler, os nazistas desenvolveram um conceito de arte alemã pura. Isso incluía apenas arte tradicional e clássica que se adheria à sua definição de identidade racial e nacionalista. Qualquer arte fora dessa definição era chamada de degenerada. Assim começou um êxodo de artistas de vanguarda da Alemanha. E à medida que a influência nazista se expandia além da Alemanha, artistas modernos em toda a Europa se viram sob a mesma perseguição também.

Ad Reinhardt - Estudo para uma Pintura, 1938. Gouache sobre papel. 4 x 5 pol (10,2 x 12,8 cm). Coleção do MoMA. © 2018 Espólio de Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), Nova Iorque

Re-Assemblando a Vanguarda

Ao longo do final da década de 1930 e início da década de 1940, qualquer artista moderno europeu com recursos encontrou uma maneira de ir para o exterior. Como uma das únicas capitais globais não sitiada por potências fascistas, Nova York se tornou um farol para artistas de vanguarda de todo o mundo. Esses artistas recém-chegados se misturaram com a já vibrante cena de arte abstrata de Nova York, que incluía artistas nascidos nos Estados Unidos, como Jackson Pollock, assim como artistas como Willem de Kooning e Arshile Gorky, que imigraram para lá após a Primeira Guerra Mundial. Dessa cultura, os primeiros movimentos de arte modernista americana emergiram.

Ad Reinhardt alcançou a maturidade artística como membro desta geração de artistas vanguardistas de Nova York pós-Segunda Guerra Mundial. Ele estava totalmente envolvido com a vibrante mistura de conversas políticas, filosóficas, sociais e culturais que ocorriam nesta comunidade internacional e diversificada. Ele participou de protestos e fez parte da cena de todas as maneiras concebíveis. Mas ele discordava de seus contemporâneos de uma maneira fundamental. Enquanto eles consideravam suas vidas e sua arte como uma experiência holística interligada, Reinhardt acreditava que esse era o caminho errado. Como ele disse: “Arte é Arte. Vida é vida.”

Ad Reinhardt - Estudo para uma Pintura, 1939. Gouache sobre papel. 3 7/8 x 4 7/8 pol (10 x 12,5 cm). Coleção MoMA. © 2018 Espólio de Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), Nova Iorque

Buscar o Invariante

Como uma forma de evoluir sua obra de arte para longe da de seus contemporâneos, Reinhardt formulou a ideia do "objeto iluminado", uma obra de arte que não fazia referência a nada externo, nenhuma ideia externa, mas simplesmente existia como um exemplo singular de seu puro eu. O objeto iluminado era uma forma do que um espiritualista poderia chamar de "invariável", o grande último, a substância imutável que, mesmo em meio à transformação, não se transforma. Essencialmente, ele estava buscando a versão artística de Deus.

Reinhardt buscou o invariável através da negação, o que significa que, em vez de definir o que é a arte pura, ele definiu o que a arte pura não é. Suas 12 Regras Para uma Nova Academia, publicadas em 1953, continham sua lista de negações, formuladas como regras para como chegar à arte pura. Essas regras incluíam: Nenhum realismo, nenhuma impressão, nenhuma expressão, nenhuma escultura, nenhum plasticismo, nenhuma colagem, nenhuma arquitetura, nenhuma decoração, nenhuma textura, nenhum trabalho de pincel, nenhuma esboço de ideias previamente, nenhuma forma, nenhum design, nenhuma cor, nenhuma luz, nenhum espaço, nenhum tempo, nenhum tamanho, nenhum movimento, nenhum assunto, nenhum símbolo, nenhuma imagem e nenhum prazer. Ele acrescentou: “Externamente, mantenha-se afastado de todos os relacionamentos, e internamente, não tenha desejos em seu coração.”

Ad Reinhardt - Colagem em Papel, 1939. Museu Hirshhorn e Jardim de Esculturas, Washington DC. © 2018 Espólio de Ad Reinhardt / Sociedade de Direitos dos Artistas (ARS), Nova Iorque

Mudando com a Mudança

É vital ter em mente ao ler 12 Regras Para uma Nova Academia que Reinhardt trabalhou como roteirista de comédia na faculdade, e também que ele era uma pessoa espiritual e filosófica. Ele tinha um humor afiado e frequentemente falava intencionalmente em declarações paradoxais. Mesmo que ele acreditasse que todas as suas regras eram possíveis de serem seguidas individualmente, ele certamente também sabia que seguir todas elas simultaneamente significava que algumas seriam violadas.

Por exemplo, quando se tratou das Pinturas Negras que ele passou os últimos 12 anos de sua vida pintando, ele se referiu a elas como, “Um ícone livre, não manipulado, não manipulável, inútil, não comercializável, irredutível, não fotografável, não reproduzível, inexplicável.” Mas elas não eram livres; eram o produto de um sistema ideológico e dogmático. E quanto a serem não fotografáveis e não comercializáveis, na verdade, elas rapidamente foram vendidas e continuam a ser leiloadas regularmente hoje, com belas fotografias incluídas nos catálogos. Então, será que Reinhardt estava fazendo uma piada? Ou ele estava fazendo uma afirmação mais profunda sobre as complexidades de fazer e falar sobre arte abstrata?

Ad Reinhardt - Sem Título, 1947. Óleo sobre tela. Galeria Nacional de Arte, Washington DC. © 2018 Espólio de Ad Reinhardt / Sociedade de Direitos dos Artistas (ARS), Nova Iorque

O Estado Imutável

Entender Reinhardt significa entender sua cultura. Reinhardt fazia parte de uma cena artística dominada por trabalhos apaixonados, emocionais, pessoais e pictóricos. Sua resposta a isso foi defender seu oposto. Quando os artistas defendiam apaixonadamente que a arte fosse reintegrada à vida cotidiana, Reinhardt insistia que arte e vida são separadas. Ele afirmava ter pintado as últimas pinturas, mas como historiador da arte, sabia que o fim da pintura nunca chegaria, enquanto houvesse artistas dispostos a pintar.

Algum entendimento sobre Ad Reinhardt é encontrado nesta citação de Bruce Lee: “Mudar com a mudança é o estado imutável.” Ao oferecer uma alternativa às tendências dominantes do momento, Reinhardt garantiu que a história da arte continuasse. Assim como o Quadrado Negro de Kasimir Malevich, as Pinturas Negras de Ad Reinhardt não acabaram com a pintura, mas sim impulsionaram o continuum para frente. Ao ser dogmático, ele não estava insistindo que havia apenas um caminho, ele estava dando um presente à próxima geração: um inimigo contra o qual lutar: um purista a resistir e uma ideologia a desafiar.

Imagem em Destaque: Ad Reinhardt - Número 6, 1946. Óleo sobre masonite. © 2018 Espólio de Ad Reinhardt / Sociedade de Direitos dos Artistas (ARS), Nova Iorque
Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.
Por Phillip Park