Como Ad Reinhardt Nos Ensinou a Olhar para a Arte Moderna

O que significa ser um purista? É como ser fechado? Ou a busca pela pureza é inerentemente nobre, como a busca pela perfeição? Para o artista abstrato americano Ad Reinhardt, a pureza era essencial para a arte fina. Em seu ensaio de 1953, “Doze Regras para uma Nova Academia,” Reinhardt definiu arte fina como “arte esvaziada e purificada de todos os significados que não sejam artísticos.” Ele continuou explicando que, “Quanto mais usos, relações e “adições” uma pintura tem, menos pura ela é. Quanto mais coisas nela, mais ocupada a obra de arte, pior ela é. ‘Mais é menos’.” Isso pode soar como uma declaração estranha vinda de um pintor associado aos Expressionistas Abstratos, artistas que definitivamente colocavam mais em suas telas, não menos. Mas embora Reinhardt tenha começado sua carreira pintando telas expressivas e dinâmicas, sua busca pela pureza alterou drasticamente sua abordagem ao longo do tempo. Ele reduziu tão dramaticamente o conteúdo de suas pinturas durante sua carreira que, nos últimos anos de sua vida, pintava apenas com a cor preta. Quando faleceu em 1967, estava tão confiante na pureza de seus esforços que proclamou ter pintado as últimas pinturas que seriam necessárias.

Arte Tornada Fina

A busca pela pureza pode parecer mais adequada para um mosteiro do que para um estúdio de arte. Mas Ad Reinhardt era tanto um filósofo quanto um artista. E um de seus melhores amigos era, de fato, um monge em um mosteiro. Reinhardt trocava cartas regularmente com ele, trocando pontos de vista de forma bem-humorada sobre a natureza da vida e da arte. Na pós-graduação, Reinhardt estudou história da arte, um tema sobre o qual sabia mais do que talvez qualquer outro artista de sua geração. Talvez seu interesse em descobrir a manifestação última da pureza na arte tivesse tanto a ver com curiosidade intelectual e espiritual quanto com seu desejo de definir sua própria relevância no contínuo da história da arte.

Quando começou a expor suas pinturas em Nova York na década de 1940, elas estavam alinhadas com o estilo dominante emergente da época, o Expressionismo Abstrato. Eram pictóricas, gestuais, cheias de cores vivas e vivas com marcas abstratas. Menos de uma década depois, ele repudiou apaixonadamente todas essas coisas, publicando um manifesto dogmático, quase cômico em sua especificidade e frequentemente contraditório, descrevendo o método preciso para fazer pinturas puras e modernas: pinturas que, por acaso, nada tinham a ver com suas próprias obras iniciais. Se isso parece paradoxal, ajuda lembrar as próprias palavras famosas de Reinhardt: “A arte é séria demais para ser levada a sério.”

Ad Reinhardt - Pintura Abstrata, 1960. Óleo sobre tela. © 2018 Espólio de Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), Nova York

Desmontando a Vanguarda

Para entender o clima cultural em que Reinhardt trabalhou, ajuda olhar para a história do Modernismo. Antes da Segunda Guerra Mundial, quase todos os movimentos artísticos de vanguarda surgiam fora da América. Após a Segunda Guerra Mundial, a América deu origem a alguns dos movimentos modernistas mais influentes do século, incluindo o Expressionismo Abstrato, o Minimalismo e o Pós-Expressionismo. O que aconteceu para precipitar essa mudança na influência da arte americana? Teve mais a ver com política do que com arte.

Após a Revolução Alemã no pós-Primeira Guerra Mundial, um governo representativo chegou ao poder na Alemanha chamado República de Weimar. Esse governo democraticamente eleito instituiu reformas sociais, políticas e econômicas de grande alcance que levaram a vastas mudanças culturais em toda a Alemanha. Dentro desse ambiente transformador, o Modernismo alemão floresceu. A Bauhaus foi fundada no mesmo ano da República de Weimar, e na mesma cidade, e nos 14 anos seguintes a Alemanha evoluiu para uma força progressista líder nas artes.

Ad Reinhardt - Colagem de Recortes de Jornal, 1940. Papel impresso recortado e colado e papel preto sobre placa. 40,6 x 50,8 cm. Coleção MoMA. © 2018 Espólio de Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), Nova York

O Lado Sombrio do Purismo

Quando a bolsa de valores quebrou em 1929, a Alemanha, como a maioria dos outros países ocidentais, viu sua economia desabar. A depressão global que se seguiu causou muita frustração na vida das pessoas comuns. Quando o regime nazista chegou ao poder na Alemanha em 1933, foi sob o pretexto de restaurar a Alemanha à sua grandeza histórica e reverter as tendências do passado recente. Uma das primeiras coisas que o Partido Nazista fez foi exercer influência sobre a cultura alemã. A arte moderna foi um alvo principal.

Liderados por Adolf Hitler, os nazistas desenvolveram um conceito de arte alemã pura. Incluía apenas arte tradicional, clássica, que aderisse à sua definição de identidade racial e nacionalista. Qualquer arte fora dessa definição era chamada de degenerada. Assim começou um êxodo de artistas de vanguarda da Alemanha. E à medida que a influência nazista se expandia além da Alemanha, artistas modernos em toda a Europa também se viram sob a mesma perseguição.

Ad Reinhardt - Estudo para uma Pintura, 1938. Gouache em papel. 10,2 x 12,8 cm. Coleção MoMA. © 2018 Espólio de Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), Nova York

Reagrupando a Vanguarda

Durante o final dos anos 1930 e início dos anos 1940, qualquer artista moderno europeu com recursos encontrou uma maneira de ir para o exterior. Como uma das únicas capitais globais não sitiada por poderes fascistas, a cidade de Nova York tornou-se um farol para artistas de vanguarda de todo o mundo. Esses artistas recém-chegados se misturaram com a já vibrante cena de arte abstrata de Nova York, que incluía artistas nascidos nos Estados Unidos como Jackson Pollock, bem como artistas como Willem de Kooning e Arshile Gorky que haviam imigrado para lá após a Primeira Guerra Mundial. Dessa cultura emergiram os primeiros movimentos modernistas americanos.

Ad Reinhardt atingiu a maturidade artística como membro dessa geração de artistas de vanguarda de Nova York do pós-Segunda Guerra Mundial. Ele estava totalmente envolvido com a mistura vibrante de conversas políticas, filosóficas, sociais e culturais que aconteciam nessa comunidade diversa e internacional. Participava de protestos e fazia parte da cena de todas as maneiras possíveis. Mas discordava de seus contemporâneos em um ponto fundamental. Enquanto eles consideravam suas vidas e sua arte entrelaçadas como uma experiência holística, Reinhardt acreditava que esse era o caminho errado. Como ele dizia: “Arte é Arte. Vida é vida.”

Ad Reinhardt - Estudo para uma Pintura, 1939. Gouache em papel. 10 x 12,5 cm. Coleção MoMA. © 2018 Espólio de Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), Nova York

Busca pelo Invariante

Como forma de evoluir sua obra para longe da de seus contemporâneos, Reinhardt formulou a ideia do “objeto iluminado,” uma obra de arte que não referenciava nada externo, nenhuma ideia externa, mas simplesmente existia como um exemplo singular de seu puro ser. O objeto iluminado era uma forma do que um espiritualista poderia chamar de “invariante,” o grande último, a substância imutável que mesmo em meio à transformação não se transforma. Essencialmente, ele buscava a versão artística de Deus.

Reinhardt buscava o invariante por meio da negação, ou seja, em vez de definir o que é arte pura, ele definia o que a arte pura não é. Suas 12 Regras para uma Nova Academia, publicadas em 1953, continham sua lista de negações, formuladas como regras para chegar à arte pura. Essas regras incluíam: Sem realismo, sem impressionismo, sem expressionismo, sem escultura, sem plasticismo, sem colagem, sem arquitetura, sem decoração, sem textura, sem pinceladas, sem esboçar ideias antes, sem formas, sem design, sem cores, sem luz, sem espaço, sem tempo, sem tamanho, sem movimento, sem assunto, sem símbolos, sem imagens e sem prazer. Ele acrescentou: “Externamente, mantenha-se afastado de todas as relações, e internamente, não tenha desejos no coração.”

Ad Reinhardt - Colagem em Papel, 1939. Museu e Jardim de Esculturas Hirshhorn, Washington DC. © 2018 Espólio de Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), Nova York

Mudando com a Mudança

É vital ter em mente, ao ler as 12 Regras para uma Nova Academia, que Reinhardt trabalhou como roteirista de comédia na faculdade, e também que era uma pessoa espiritual e filosófica. Ele tinha um humor afiado e frequentemente falava intencionalmente em declarações paradoxais. Mesmo que acreditasse que todas as suas regras fossem possíveis de seguir individualmente, ele certamente sabia que segui-las todas simultaneamente significaria que algumas seriam violadas.

Por exemplo, quando se tratava das Pinturas Negras que ele pintou nos últimos 12 anos de sua vida, ele as chamava de, “Um ícone livre, não manipulado, não manipulável, inútil, não comercializável, irredutível, não fotografável, não reproduzível, inexplicável.” Mas elas não eram livres; eram produto de um sistema ideológico e dogmático. E quanto a serem não fotografáveis e não comercializáveis, na verdade foram vendidas rapidamente, e continuam a aparecer regularmente em leilões hoje, com belas fotografias incluídas nos catálogos. Então, Reinhardt estava fazendo uma piada? Ou estava fazendo uma declaração mais profunda sobre as complexidades de fazer e falar sobre arte abstrata?

Ad Reinhardt - Sem título, 1947. Óleo sobre tela. Galeria Nacional de Arte, Washington DC. © 2018 Espólio de Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), Nova York

O Estado Imutável

Entender Reinhardt significa entender sua cultura. Reinhardt fazia parte de uma cena artística dominada por trabalhos apaixonados, emocionais, pessoais e pictóricos. Sua resposta a isso foi defender o oposto. Enquanto artistas defendiam apaixonadamente que a arte fosse reintegrada à vida cotidiana, Reinhardt insistia que arte e vida são separadas. Ele afirmava ter pintado as últimas pinturas, mas como historiador da arte sabia que o fim da pintura nunca chegaria, enquanto houver artistas dispostos a pintar.

Um pouco de compreensão sobre Ad Reinhardt está nesta citação de Bruce Lee: “Mudar com a mudança é o estado imutável.” Ao oferecer uma alternativa às tendências dominantes do momento, Reinhardt garantiu que a história da arte continuaria. Como o Quadrado Negro de Kasimir Malevich, as Pinturas Negras de Ad Reinhardt não encerraram a pintura, mas sim impulsionaram o contínuo adiante. Ao ser dogmático, ele não insistia que havia apenas um caminho, ele dava um presente para a próxima geração: um inimigo para combater, um purista para resistir e uma ideologia para desafiar.

Imagem em destaque: Ad Reinhardt - Número 6, 1946. Óleo sobre masonita. © 2018 Espólio de Ad Reinhardt / Artists Rights Society (ARS), Nova York
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio