O Legado de Sir Howard Hodgkin

O renomado pintor abstrato britânico e gravurista Howard Hodgkin foi um dos artistas mais condecorados de sua geração. Ele representou a Grã-Bretanha na Bienal de Veneza de 1984 e ganhou o Prêmio Turner em 1985. Em 1976, foi admitido na Ordem Mais Excelente do Império Britânico (CBE); foi nomeado cavaleiro em 1992; e em 2003, a Rainha Elizabeth II o incluiu na Ordem dos Companheiros de Honra, onde se juntou a uma lista seletiva de apenas três outros artistas abstratos—Henry Moore, Victor Pasmore e Bridget Riley—que receberam a mesma distinção. A estatura celebrada que Hodgkin alcançou em sua carreira contrasta fortemente com as lutas de sua vida profissional inicial. Em 1981, Hodgkin afirmou: “Acho que tive sorte por não ter sido de forma alguma bem-sucedido até estar na meia-idade, mas houve muitos momentos amargos para viver quando demorou tanto até que alguém parecesse querer olhar para minhas pinturas.” Em seus 30 anos, ele estava tão desanimado com a rejeição que considerou o suicídio. Mas, em vez de ceder ao desespero, ele se rededicou à expressão estética de seu eu interior. Quanto mais Hodgkin se aprofundava, mais intuitivamente ele compreendia a relação entre emoção e os elementos formais da arte, como cor e tinta; e quanto mais abstrato seu trabalho se tornava. No final de sua vida, Hodgkin criou uma obra distinta baseada em um estilo simplificado que comunicava sentimentos crus nos termos mais simples e diretos.

Figuras e Sentimentos

Há muito tempo existe um debate sobre se devemos nos referir a Howard Hodgkin como um artista figurativo ou abstrato. Seu trabalho inicial era claramente baseado na realidade, mostrando figuras em espaços interiores, às vezes em circunstâncias sociais. Mas à medida que sua carreira evoluiu, ele borrava a linha entre abstração e figuração, criando pinturas que habitavam uma espécie de interseção entre os dois. Em vez de lidar exclusivamente com conteúdo específico de sua vida, ele explorou as maneiras como elementos formais como cor, padrão e superfície poderiam evocar elementos emocionais dentro de suas imagens. Ao longo das décadas, suas pinturas continham minúsculos elementos figurativos inseridos em campos de cor, formas e padrões abstratos. Mas mesmo quando ele pintava algo que a maioria dos espectadores consideraria puramente abstrato, Hodgkin adorava dizer que a obra ainda era figurativa, pois tudo estava intimamente relacionado a uma narrativa contínua informada por sua realidade pessoal.

Hodgkin começou a mostrar suas pinturas em 1950, aos 18 anos, enquanto ainda era estudante. Na verdade, uma de suas primeiras obras, uma gouache pintada em madeira intitulada Memórias, pintada quando ele tinha apenas 16 anos, é considerada por alguns fãs como uma das suas melhores. Ele recebeu sua primeira exposição solo em 1962, na aclamada Arthur Tooth & Sons Gallery em Londres. A mistura única de figuração e abstração que definiu as obras daquela exposição fez com que Hodgkin se destacasse como único e ousado. Mas o público britânico não entendeu imediatamente o trabalho, e a exposição não foi um sucesso comercial. Seria quase uma década depois que os espectadores em sua terra natal viriam a apreciar seu talento distinto.

Howard Hodgkin - Memoirs, 1949, Gouache on board, 8 5/8 x 9 7/8 in, © The Estate of Howard Hodgkin

Memórias da Índia

No início da vida, Howard Hodgkin percebeu que as pinturas que queria fazer eram mais como relíquias estéticas de suas próprias memórias. Como alguém que amava particularmente viajar, muitas de suas memórias mais potentes lidavam com as paisagens espetaculares e as pessoas extraordinárias que encontrou enquanto estava no exterior. Algumas das gravuras mais bem-sucedidas que ele fez tratavam de viagens que fez à Índia. Em uma série de serigrafias que criou intitulada Indian Views, ele abordou as pequenas janelas horizontais comuns nas laterais dos trens naquele país. As imagens são lidas como simples paisagens com linhas do horizonte, mas também podem ser contempladas como campos de cor abstratos.

Além de seu uso emotivo da cor, suas serigrafias Indian View também são notáveis por conterem o elemento estético arquetípico da moldura, que ao longo do tempo se tornou vitalmente importante para Hodgkin. Em muitas de suas pinturas abstratas, ele pintou uma moldura retangular contendo a imagem. Depois, ele começou a emoldurar suas superfícies em molduras de madeira reais, pintando a imagem tanto na superfície quanto na moldura, combinando as duas. A moldura pintada definia suas pinturas como objetos resistentes à interferência externa e esclarecia que seu significado estava inteiramente contido dentro delas mesmas.

Howard Hodgkin - Indian View H, 1971, Screenprint on paper, 581 x 780 mm, © The Estate of Howard Hodgkin

Reconhecimento externo

Apesar da falta de compreensão que Hodgkin inicialmente recebeu do público, ele continuou a expor e a perseguir seu estilo único, criando imagens híbridas abstrato-figurativas e desenvolvendo uma linguagem visual emotiva e colorida baseada em sentimentos. Em 1971, ele foi convidado pela primeira vez a expor no exterior, em Colônia, na Alemanha. Essa exposição foi um sucesso, e no ano seguinte ele expôs em uma mostra coletiva em Paris. E no ano seguinte, ele expôs pela primeira vez nos Estados Unidos, em uma galeria em Nova York.

Para sua alegria, os espectadores estrangeiros tiveram uma impressão muito diferente de seu trabalho. Após sua estreia em Nova York, Hodgkin disse: “eles perceberam imediatamente que tipo de artista eu era... a reação foi tal que eu senti que estava me comunicando com um público. Raramente senti isso na Inglaterra.” Talvez por causa dessa atenção internacional, ou talvez porque os espectadores britânicos simplesmente perceberam o que estavam perdendo, ao longo dos próximos anos Hodgkin viu sua reputação na Grã-Bretanha melhorar. Em 1976, ele foi agraciado com o CBE e recebeu sua primeira exposição retrospectiva, no Museu de Arte Moderna de Oxford.

Howard Hodgkin - Not at Table, 1972, oil on wood, 33 x 36 in, © The Estate of Howard Hodgkin

A Escola de Londres

Também em 1976, Hodgkin recebeu a honra de ser incluído entre um grupo de artistas britânicos associados a algo chamado Escola de Londres. O pintor R. B. Kitaj cunhou o termo Escola de Londres em um ensaio de catálogo que escreveu para uma exposição intitulada A Argila Humana. Kitaj pretendia que o termo chamasse a atenção para o fato de que, em contraste com as tendências globais em direção à Pop Art, Minimalismo, Arte Conceitual e outros estilos populares, um grupo de talentosos artistas britânicos vinha explorando diligentemente a relevância moderna da figura humana na arte.

A exposição The Human Clay incluiu o trabalho de 48 artistas; entre eles estavam Kitaj e Hodgkin, bem como vários outros que posteriormente se tornaram vitais e influentes internacionalmente, como Frank Auerbach, David Hockney, Francis Bacon, Henry Moore e Lucian Freud. Cada um deles, na época, de fato estava explorando a figuração de maneiras unicamente modernas. Mas a maioria, no entanto, rejeitou o rótulo Escola de Londres quando o ouviu pela primeira vez. Howard Hodgkin rejeitou o rótulo, embora tivesse cinco obras na exposição, o segundo maior número de qualquer artista. Ser incluído na mostra, no entanto, foi um impulso para Hodgkin e uma grande validação pública de seus esforços.

Howard Hodgkin - The Last Time I Saw Paris, 1988-1991, Oil on wood, 44 1/4 x 50 in, © The Estate of Howard Hodgkin

Menos é mais

Ao longo de sua carreira, Hodgkin buscou maneiras de expressar mais enquanto mostrava menos, eventualmente reduzindo os elementos figurativos em seu trabalho até que quase não estivessem presentes. Coincidindo com o reconhecimento público mais amplo que ele experimentou no final da década de 1970, Hodgkin também passou por uma transição em sua vida pessoal. Após 20 anos de casamento com sua esposa Julia, Hodgkin se assumiu como gay e concedeu a Julia a custódia de seus dois filhos. Sua vida se tornou simultaneamente mais simples e mais complexa. Embora os títulos de suas obras a partir desse ponto mantivessem a qualidade narrativa pessoal pela qual seu trabalho se tornara conhecido, referenciando memórias pessoais específicas, o conteúdo de suas imagens se tornou dramaticamente mais abstrato.

Embora ele provavelmente negasse tal acusação, é fácil ver como libertar-se de uma falsidade pessoal poderia também tê-lo libertado da necessidade de investir sua imagética com insinuações, permitindo-lhe se tornar mais direto com suas emoções. Se isso teve algo a ver com essa circunstância ou não, nas últimas décadas de sua vida, Hodgkin reduziu sua linguagem visual de forma mais dramática do que nunca. Ele se tornou mais hábil em transmitir o potencial expressivo da cor, pincelada, superfície, composição e tinta. Em seus últimos anos, suas composições eram as mais simples e, talvez, as mais profundas, comunicando de forma hábil sua ideia essencial do poder efêmero da memória e da emoção.

Howard Hodgkin - Love and Death, 2015, Oil on wood, 31 x 35 in, © The Estate of Howard Hodgkin

Imagem em destaque: Howard Hodgkin Brigid Seagrave (detalhe), 1961-62, Óleo sobre tela, 34 x 39 pol.
Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.
Por Phillip Park