O Legado de Sir Howard Hodgkin

O renomado pintor e gravador abstrato britânico Howard Hodgkin foi um dos artistas mais premiados de sua geração. Ele representou a Grã-Bretanha na Bienal de Veneza de 1984 e ganhou o Prêmio Turner em 1985. Em 1976, foi admitido na Ordem do Império Britânico (CBE); foi cavaleiro em 1992; e em 2003, a Rainha Elizabeth II o introduziu na Ordem dos Companheiros da Honra, onde se juntou a uma lista seletiva de apenas outros três artistas abstratos — Henry Moore, Victor Pasmore e Bridget Riley — que receberam a mesma distinção. A estatura celebrada que Hodgkin alcançou em sua carreira contrasta fortemente com as dificuldades de seus primeiros anos profissionais. Em 1981, Hodgkin declarou: “Acho que tive sorte por não ter sido nada bem-sucedido até a meia-idade, mas houve muitos momentos amargos para suportar, quando demorou tanto para que alguém parecesse querer olhar para minhas pinturas.” Na casa dos 30 anos, ele estava tão desanimado com as rejeições que considerou o suicídio. Mas, em vez de ceder ao desespero, ele se dedicou novamente à expressão estética de seu eu interior. Quanto mais Hodgkin mergulhava para dentro, mais intuitivamente compreendia a relação entre emoção e os elementos formais da arte, como cor e tinta; e mais abstrata sua obra se tornava. No final da vida, Hodgkin criou uma obra distinta baseada em um estilo simplificado que comunicava sentimento bruto nos termos mais simples e diretos.

Figuras e Sentimentos

Há muito tempo existe um debate sobre se devemos considerar Howard Hodgkin um artista figurativo ou abstrato. Seu trabalho inicial era claramente baseado na realidade, mostrando figuras em espaços interiores, às vezes em circunstâncias sociais. Mas, à medida que sua carreira evoluiu, ele borrava a linha entre abstração e figuração, criando pinturas que habitavam uma espécie de interseção entre os dois. Em vez de lidar apenas com conteúdos específicos de sua vida, ele explorava as formas pelas quais elementos formais como cor, padrão e superfície podiam evocar elementos emocionais dentro de suas imagens. Por décadas, suas pinturas continham minúsculos elementos figurativos inseridos em campos de cor abstratos, formas e padrões. Mas mesmo quando pintava algo que a maioria dos espectadores consideraria puramente abstrato, Hodgkin gostava de dizer que a obra ainda era figurativa, pois tudo se relacionava intimamente a uma narrativa contínua informada por sua realidade pessoal.

Hodgkin começou a expor suas pinturas em 1950, aos 18 anos, ainda estudante. De fato, uma de suas primeiras obras, uma pintura em guache sobre placa intitulada Memoirs, pintada quando ele tinha apenas 16 anos, é considerada por alguns fãs como uma de suas melhores. Ele recebeu sua primeira exposição individual em 1962, na renomada Galeria Arthur Tooth & Sons em Londres. A mistura única de figuração e abstração que definiu as obras dessa exposição fez Hodgkin se destacar como único e ousado. Mas o público britânico não compreendeu imediatamente o trabalho, e a exposição não foi um sucesso comercial. Passariam quase dez anos até que os espectadores em sua terra natal começassem a apreciar seu talento distinto.

Howard Hodgkin - Memoirs, 1949, Guache sobre placa, 8 5/8 x 9 7/8 pol, © The Estate of Howard Hodgkin

Memórias da Índia

No início da vida, Howard Hodgkin percebeu que as pinturas que queria fazer eram mais como relíquias estéticas de suas próprias memórias. Como alguém que gostava particularmente de viajar, muitas de suas memórias mais potentes estavam relacionadas às paisagens espetaculares e às pessoas extraordinárias que encontrou no exterior. Algumas das gravuras mais bem-sucedidas que fez tratavam de viagens que fez à Índia. Em uma série de serigrafias intitulada Indian Views, ele abordou as pequenas janelas horizontais comuns nas laterais dos trens daquele país. As imagens parecem paisagens simples com linhas do horizonte, mas também podem ser contempladas como campos de cor abstratos.

Além do uso emotivo da cor, suas serigrafias Indian View também são notáveis por conterem o elemento estético arquetípico da moldura, que com o tempo se tornou vital para Hodgkin. Em muitas de suas pinturas abstratas, ele pintava uma moldura retangular contendo a imagem. Depois, passou a emoldurar suas superfícies em molduras de madeira reais, pintando a imagem tanto na superfície quanto na moldura, combinando os dois. A moldura pintada definia suas pinturas como objetos resistentes a interferências externas e deixava claro que seu significado estava inteiramente contido nelas mesmas.

Howard Hodgkin - Indian View H, 1971, Serigrafia sobre papel, 581 x 780 mm, © The Estate of Howard Hodgkin

Reconhecimento Externo

Apesar da falta de compreensão inicial do público, Hodgkin continuou a expor e a perseguir seu estilo único, criando imagens híbridas abstrato-figurativas e desenvolvendo uma linguagem visual emotiva e colorida baseada em sentimentos. Em 1971, foi convidado pela primeira vez a expor no exterior, em Colônia, Alemanha. Essa exposição foi um sucesso, e no ano seguinte ele participou de uma mostra coletiva em Paris. No ano seguinte, expôs pela primeira vez nos Estados Unidos, em uma galeria em Nova York.

Para sua alegria, os espectadores estrangeiros tiveram uma impressão muito diferente de seu trabalho. Após sua estreia em Nova York, Hodgkin disse: “eles perceberam imediatamente que tipo de artista eu era... a reação foi tal que senti que estava me comunicando com um público. Raramente senti isso na Inglaterra.” Talvez por causa dessa atenção internacional, ou talvez porque os espectadores britânicos simplesmente perceberam o que estavam perdendo, nos anos seguintes Hodgkin viu sua reputação na Grã-Bretanha melhorar. Em 1976, ele havia sido agraciado com o CBE e recebido sua primeira exposição retrospectiva, no Museu de Arte Moderna de Oxford.

Howard Hodgkin - Not at Table, 1972, óleo sobre madeira, 33 x 36 pol, © The Estate of Howard Hodgkin

A Escola de Londres

Também em 1976, Hodgkin recebeu a honra de ser incluído entre um grupo de artistas britânicos associados a algo chamado Escola de Londres. O pintor R. B. Kitaj cunhou o termo Escola de Londres em um ensaio de catálogo que escreveu para uma exposição intitulada The Human Clay. Kitaj pretendia chamar a atenção para o fato de que, em contraste com as tendências globais para a Arte Pop, Minimalismo, Arte Conceitual e outros estilos populares, um grupo de talentosos artistas britânicos vinha explorando diligentemente a relevância moderna da figura humana na arte.

The Human Clay incluiu o trabalho de 48 artistas; entre eles estavam Kitaj e Hodgkin, assim como vários outros que posteriormente se tornaram influentes internacionalmente, como Frank Auerbach, David Hockney, Francis Bacon, Henry Moore e Lucian Freud. Cada um deles, na época, de fato explorava a figuração de maneiras modernamente únicas. Mas a maioria rejeitou o rótulo Escola de Londres quando o ouviu pela primeira vez. Howard Hodgkin rejeitou o rótulo, embora tivesse cinco obras na exposição, o segundo maior número entre os artistas. Ser incluído na mostra, no entanto, foi um impulso para Hodgkin e uma grande validação pública de seus esforços.

Howard Hodgkin - The Last Time I Saw Paris, 1988-1991, óleo sobre madeira, 44 1/4 x 50 pol, © The Estate of Howard Hodgkin

Menos é Mais

Ao longo de sua carreira, Hodgkin buscou maneiras de expressar mais mostrando menos, reduzindo gradualmente os elementos figurativos em seu trabalho até quase desaparecerem. Coincidindo com o reconhecimento público mais amplo que experimentou no final dos anos 1970, Hodgkin também passou por uma transição em sua vida pessoal. Após 20 anos de casamento com sua esposa Julia, Hodgkin assumiu sua homossexualidade e concedeu a Julia a guarda de seus dois filhos. Sua vida tornou-se simultaneamente mais simples e mais complexa. Embora os títulos de suas obras a partir desse ponto mantivessem a qualidade narrativa pessoal pela qual seu trabalho se tornou conhecido, referenciando memórias pessoais específicas, o conteúdo de suas imagens tornou-se dramaticamente mais abstrato.

Embora provavelmente negasse tal acusação, é fácil ver como libertar-se de uma falsidade pessoal também poderia tê-lo libertado da necessidade de investir suas imagens com insinuações, permitindo-lhe ser mais direto com suas emoções. Quer tenha tido algo a ver com essa circunstância ou não, nas últimas décadas de sua vida Hodgkin simplificou sua linguagem visual mais dramaticamente do que nunca. Tornou-se mais habilidoso em transmitir o potencial expressivo da cor, pincelada, superfície, composição e tinta. Em seus últimos anos, suas composições foram as mais simples e talvez as mais profundas, comunicando habilmente sua ideia essencial do poder fugaz da memória e da emoção.

Howard Hodgkin - Love and Death, 2015, óleo sobre madeira, 31 x 35 pol, © The Estate of Howard Hodgkin

Imagem em destaque: Howard Hodgkin Brigid Seagrave (detalhe), 1961-62, óleo sobre tela, 34 x 39 pol
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio