O Met Explora o Profundo Legado do Expressionismo Abstrato

O Met Fifth Avenue em Nova York abriu Epic Abstraction: Pollock to Herrera esta semana. Apresentando mais de 50 obras importantes de alguns dos artistas abstratos mais fascinantes do século passado, a exposição ganha seu nome porque explora o impacto da escala grandiosa. A grandiosidade é às vezes expressa através de obras de arte massivas — como a escultura de Louise Nevelson “Mrs. N’s Palace” (1964–77), que domina a galeria — às vezes através de ideias massivas — como a de empregar desenho automático para criar pinturas que canalizam os segredos da mente inconsciente — e às vezes através de método técnico, como no trabalho de assemblagem enormemente complexo de Thornton Dial. Enquanto isso, o subtítulo da mostra, Pollock to Herrera, faz referência a duas ideias gerais. A primeira é a teoria de que o trabalho de Jackson Pollock na década de 1940, a década em que a curadoria começa, significou uma mudança radical no mundo da arte abstrata: um momento em que maior realmente passou a ser considerado melhor. Em segundo lugar, que o trabalho de artistas relativamente subestimados como Carmen Herrera — a artista minimalista nascida em Cuba que, aos 101 anos, recebeu sua primeira retrospectiva no Whitney Museum of American Art em 2016 — é tão importante quanto o dos superstars bem conhecidos. De fato, há obras em exibição de muitos artistas pouco expostos, como o mencionado artista de assemblagem de objetos encontrados Thornton Dial; o infame membro do Gutai Group Kazuo Shiraga, que criou a peça de performance inovadora (literalmente) “Challenging the Mud” (1955); e a inovadora pintora abstrata húngara Ilona Keserü. A curadoria também se estende até os dias atuais com trabalhos de artistas abstratos mais jovens, como Chakaia Booker e Mark Bradford. A outra suposição central que os curadores afirmam em seu didático para a mostra é que a angústia existencial foi a força motriz que inspirou os artistas abstratos a começarem a fazer obras épicas há 70 anos. A exposição pode então fazer você perguntar: a abstração épica fez algo para aliviar nossa angústia? Ou simplesmente nos ajudou a aceitar a ansiedade existencial como fundamental para nossa condição humana?

Um lugar na história

A lista de artistas famosos incluídos em Epic Abstraction vai deixar qualquer amante da história da arte empolgado: além dos gigantes mencionados acima, há obras de Helen Frankenthaler, Joan Snyder, Cy Twombly, Barnett Newman, Franz Kline, Willem de Kooning, Clyfford Still, Mark Rothko, Hedda Sterne, Joan Mitchell, Ellsworth Kelly, Robert Mangold e Morris Louis. E há muitos exemplos de trabalhos de artistas que serão novos para a maioria dos visitantes, como o abstracionista caligráfico japonês Inoue Yūichi, o artista abstrato filipino Alfonso Ossorio, a escultora minimalista Anne Truitt e o gênio cromático argentino Alejandro Puente. No entanto, além da magnitude deste ataque histórico, a coisa que achei mais épica sobre a curadoria é como duas obras em particular realmente subvertem a própria narrativa que se esconde dentro do subtítulo da exposição. Ao listar Pollock e Herrera e separá-los de todos os outros artistas, parece-me que os curadores estão sugerindo que Expressionismo Abstrato e Minimalismo são os movimentos mais influentes sendo considerados, e que a pintura é o foco principal da exposição. Mas o trabalho, os métodos e as conquistas de Pollock e Herrera, por mais maravilhosos que sejam, não estão nem perto de serem os mais épicos nesta exposição.

Esse honor, na minha opinião, vai para Louise Nevelson e Thornton Dial. A escultura de Nevelson em exibição fará com que os espectadores que nunca encontraram seu trabalho antes perguntem por que, em nome de Deus, alguém fala sobre Pollock quando Nevelson era sua contemporânea. Seu trabalho é mais tecnicamente rigoroso, mais conceitualmente intrigante e mais relevante para o espírito de Nova York, onde tanto ela quanto Pollock trabalharam. Pollock, para todos os efeitos práticos, quebrou um pouco de terreno novo ao pegar e aperfeiçoar as ideias e métodos de outros artistas. Então, depois de se tornar famoso por dar o próximo passo lógico, porque ele era amigo de um crítico influente, Pollock se autodestruiu. Suas pinturas são hipnotizantes, mas Nevelson realizou muito mais do que Pollock, foi mais original e trabalhou por muito mais tempo, deixando para trás um legado de arte e ideias muito mais intrigante e provocador.

Uma Voz Longamente Ausente

Então, há Thornton Dial. Sua "Sombras do Campo" (2008) é, aos meus olhos e minha mente, uma das obras mais assombrosas da exposição. Sua natureza épica está contida em seus materiais, sua construção, suas cores e os mundos ocultos — tanto físicos quanto metafísicos — que espreitam dentro de sua forma. Montada a partir de materiais encontrados e descartados, a peça tem a intenção de evocar o legado do arrendamento, o sistema injusto e muitas vezes brutal de agricultura no qual Dial nasceu em 1928. Uma enorme assemblagem de corda, enchimento de algodão sintético, estopa, chapa de metal, trapos de tecido e metal, ela possui a presença física do esgotamento. Ela incorpora a união de dureza e vulnerabilidade. Criada quando o artista tinha 80 anos, também desmente sua mão autodidata. De fato, enquanto Pollock ficava rico e se afundava na bebida, Dial vivia na pobreza, trabalhando até a exaustão apenas tentando sobreviver em um sistema social racista que mantinha a maioria dos negros americanos fora dos museus, não apenas como artistas, mas até mesmo como visitantes pagantes.

"Talvez, à medida que esta exposição avança no tempo, outras definições do que é épico possam surgir, e outras obras ainda mais poderosas e intrigantes entrem na disputa — as datas da exposição são, afinal, indefinidas, e as obras em exibição, retiradas da coleção permanente do The Met, serão periodicamente trocadas. Mas, por enquanto, "Sombras do Campo", que é uma das dez obras de Dial que o Met adquiriu recentemente, faz a declaração mais épica. Ela diz que um agricultor negro do sul, sem formação, criou algumas das obras de arte abstrata mais poderosas e significativas dos últimos 70 anos, superando o trabalho de artistas que desfrutaram de muito mais privilégio e oportunidade do que ele. Também sinaliza que, embora a angústia possa, de fato, ser uma parte inevitável da nossa condição humana, a arte que dela flui pode ser, e muitas vezes é, uma graça salvadora."

Imagem em destaque: Louise Nevelson - Palácio da Sra. N, 1964–77. Madeira pintada, espelho, 140 x 239 x 180 in. (355,6 x 607,1 x 457,2 cm). O Museu Metropolitano de Arte, Doação da artista, 1985 © 2018 Espólio de Louise Nevelson / Sociedade de Direitos dos Artistas (ARS), Nova Iorque
Por Phillip Park