O Met Explora o Profundo Legado do Expressionismo Abstrato

O Met Fifth Avenue em Nova York inaugurou Abstração Épica: Pollock a Herrera esta semana. Com mais de 50 obras principais de alguns dos artistas abstratos mais marcantes do século passado, a exposição justifica seu nome porque explora o impacto da escala grandiosa. A grandiosidade às vezes se expressa por meio de obras de arte massivas — como a escultura dominante na galeria “Palácio da Sra. N” (1964–77), de Louise Nevelson — às vezes por meio de ideias grandiosas — como a de empregar o desenho automático para criar pinturas que canalizam os segredos da mente inconsciente — e às vezes por meio do método técnico, como no trabalho de montagem enormemente complexo de Thornton Dial. Enquanto isso, o subtítulo da mostra, Pollock a Herrera, faz referência a duas ideias gerais. A primeira é a teoria de que o trabalho que Jackson Pollock realizou na década de 1940, o período em que a curadoria começa, significou uma mudança radical no mundo da arte abstrata: um momento em que o maior realmente passou a ser considerado melhor. Em segundo lugar, que o trabalho de artistas relativamente pouco valorizados como Carmen Herrera — a artista minimalista nascida em Cuba que, aos 101 anos, recebeu sua primeira retrospectiva no Whitney Museum of American Art em 2016 — é tão importante quanto o dos superastros mais conhecidos. De fato, há obras em exibição de muitos artistas pouco conhecidos, como o já mencionado artista de montagem com objetos encontrados Thornton Dial; o infame membro do Grupo Gutai Kazuo Shiraga, que criou a inovadora (literalmente) performance “Desafiando a Lama” (1955); e a inovadora pintora abstrata húngara Ilona Keserü. A curadoria também se estende até os dias atuais com trabalhos de artistas abstratos mais jovens, como Chakaia Booker e Mark Bradford. Outra premissa central que os curadores afirmam em seu texto didático para a mostra é que a angústia existencial foi a força motriz que inspirou os artistas abstratos a começarem a criar obras épicas há 70 anos. A exposição pode então levá-lo a perguntar: a abstração épica fez algo para aliviar nossa angústia? Ou simplesmente nos ajudou a aceitar a ansiedade existencial como fundamental para nossa condição humana?

Um Lugar na História

A lista de artistas famosos incluídos em Abstração Épica vai entusiasmar qualquer aficionado por história da arte: além dos gigantes mencionados acima, há obras de Helen Frankenthaler, Joan Snyder, Cy Twombly, Barnett Newman, Franz Kline, Willem de Kooning, Clyfford Still, Mark Rothko, Hedda Sterne, Joan Mitchell, Ellsworth Kelly, Robert Mangold e Morris Louis. E há muitos exemplos de trabalhos de artistas que serão novidade para a maioria dos visitantes, como o abstracionista caligráfico japonês Inoue Yūichi, o artista abstrato filipino Alfonso Ossorio, a escultora minimalista Anne Truitt e o gênio cromático argentino Alejandro Puente. No entanto, além da magnitude dessa investida histórica, o que achei mais épico na curadoria é como duas obras em particular subvertem a própria narrativa que está oculta no subtítulo da mostra. Ao listar Pollock e Herrera e separá-los de todos os outros artistas, parece-me que os curadores estão sugerindo que o Expressionismo Abstrato e o Minimalismo são os movimentos mais influentes considerados, e que a pintura é o foco principal da mostra. Mas o trabalho, os métodos e as conquistas de Pollock e Herrera, por mais maravilhosos que sejam, nem de longe são os mais épicos desta exposição.

Essa honra, na minha opinião, cabe a Louise Nevelson e Thornton Dial. A escultura de Nevelson em exibição fará com que espectadores que nunca viram seu trabalho antes se perguntem por que alguém fala tanto de Pollock quando Nevelson foi sua contemporânea. Seu trabalho é mais rigoroso tecnicamente, mais intrigante conceitualmente e mais relevante para o espírito de Nova York, onde ambos trabalharam. Pollock, para todos os efeitos práticos, abriu um pouco de terreno novo ao emprestar e aperfeiçoar as ideias e métodos de outros artistas. Depois, ao ficar famoso por dar o próximo passo lógico, porque era amigo de um crítico influente, Pollock se autodestruiu. Suas pinturas são hipnotizantes, mas Nevelson realizou muito mais do que Pollock, foi mais original e trabalhou por muito mais tempo, deixando um legado de arte e ideias muito mais intrigante e instigante.

Uma Voz Há Muito Tempo Ausente

Depois há Thornton Dial. Sua obra “Sombras do Campo” (2008) é, para meus olhos e minha mente, uma das obras mais marcantes da mostra. Sua natureza épica está contida em seus materiais, sua construção, suas cores e nos mundos ocultos — tanto físicos quanto metafísicos — que espreitam em sua forma. Montada a partir de materiais encontrados e descartados, a peça pretende evocar o legado do sistema de parceria agrícola, o sistema injusto e muitas vezes brutal de cultivo no qual Dial nasceu em 1928. Uma montagem maciça de barbante, algodão sintético, estopa, chapas de metal, trapos de tecido e metal, ela tem a presença física do cansaço. Ela incorpora a união da dureza e da vulnerabilidade. Criada quando o artista tinha 80 anos, também revela sua mão autodidata. De fato, enquanto Pollock ficava rico e bebia até a morte, Dial vivia na pobreza, trabalhando até a exaustão apenas para sobreviver em um sistema social racista que mantinha a maioria dos negros americanos fora dos museus, não apenas como artistas, mas até mesmo como visitantes pagantes.

Talvez, à medida que esta exposição avance no tempo, outras definições do que é épico possam surgir, e outras obras ainda mais poderosas e intrigantes entrem em cena — afinal, as datas da exposição são abertas, e as obras em exibição, retiradas da coleção permanente do The Met, serão periodicamente trocadas. Mas, por enquanto, “Sombras do Campo”, que é uma das dez obras de Dial recentemente adquiridas pelo Met, faz a declaração mais épica. Ela diz que um parceiro agrícola negro do sul, autodidata, criou algumas das obras abstratas mais poderosas e significativas dos últimos 70 anos, superando o trabalho de artistas que desfrutaram de muito mais privilégios e oportunidades do que ele. Também sinaliza que, embora a angústia possa de fato ser uma parte inevitável da nossa condição humana, a arte que dela flui pode ser, e frequentemente é, uma graça salvadora.

Imagem em destaque: Louise Nevelson - Palácio da Sra. N, 1964–77. Madeira pintada, espelho, 355,6 x 607,1 x 457,2 cm. The Metropolitan Museum of Art, Doação da artista, 1985 © 2018 Espólio de Louise Nevelson / Artists Rights Society (ARS), Nova York
Por Phillip Barcio