Por que Richard Anuszkiewicz foi uma força importante da Op Art

Movimentos artísticos nunca morrem. Eles apenas tiram uma soneca até que algum novo gênio os acorde novamente para que possam retomar de onde seus mestres do passado pararam. Ou às vezes, como no raro caso da Op Art, graças a um de seus pioneiros mais duradouros, Richard Anuszkiewicz, um movimento artístico é privilegiado com a oportunidade de avançar ininterruptamente, geração após geração. A Op Art surgiu na década de 1960 e nunca realmente desapareceu. Junto com Bridget Riley, Anuszkiewicz foi, até 2020, uma de suas lendas vivas. Antigo aluno de Josef Albers em Yale, Anuszkiewicz estava na vanguarda de uma tendência de afastamento da emoção pessoal e do drama na arte, e em direção à investigação de relações formais objetivas, e o efeito que essas relações têm em nossos olhos e mentes. O que fez Anuszkiewicz se destacar entre seus contemporâneos, e o que o manteve relevante muito tempo depois que a maioria deles desistiu, não é apenas o brilho de seu trabalho, mas a seriedade e a humildade com que foi feito.

Descobrindo a cor

Uma das histórias mais cativantes sobre Richard Anuszkiewicz é a de sua primeira exposição solo na cidade de Nova York. A história começa em Ohio, onde Anuszkiewicz obteve seu diploma de Bacharel em Artes no Cleveland Institute of Art. Em seu quinto e último ano naquela escola, ele ganhou uma bolsa para estudar arte na Europa. Mas, após expressar ao seu orientador que não tinha interesse na Europa, foi incentivado a seguir estudos de pós-graduação em Cranbrook, uma escola de arte progressista nos arredores de Detroit, ou em Yale. Depois de saber que Josef Albers, o famoso colorista com raízes no Bauhaus, estava em Yale, Anuszkiewicz decidiu ir para lá. Sobre sua escolha, ele explicou mais tarde que sentia que a cor era a maior coisa que faltava em seu trabalho.

Embora Albers fosse, e ainda seja, considerado um gênio, ele não era um professor universalmente amado. Muitos achavam suas aulas arbitrárias, entediantes—até mesmo inúteis. Mas Albers não se importava com o que seus alunos pensavam. Ele acreditava no valor inerente de entender as relações de cores, então era isso que ele ensinava. Se um aluno não entendesse ou não demonstrasse interesse, isso não fazia diferença para Albers. Mas Anuszkiewicz era aquele aluno raro que compreendia plenamente a importância do que Albers ensinava. Ele se destacou em suas aulas. Ele até se convenceu por Albers a abandonar a figuração, aceitando que a única maneira de realmente explorar o poder da cor é torná-la o assunto central da obra. Mas havia um problema central para Anuszkiewicz, e isso é que, sob o peso da poderosa personalidade que Albers exercia, era quase impossível para seus alunos desenvolverem um estilo individual.

Richard Anuszkiewicz - Rosafied; and Veridified, 1971, Two screenprints in colors, on wove paper, with full margins, 36 × 26 in, 91.4 × 66 cm, © Richard Anuszkiewicz

Sucesso de última hora

Após concluir seu Mestrado em Yale, Anuszkiewicz tomou a decisão incomum de retornar a Ohio para obter um diploma adicional em educação, caso quisesse ensinar. Foi lá, finalmente livre da influência de Albers, que ele chegou a um estilo próprio. Foi uma exploração de como as relações entre cores e formas poderiam enganar o olho e fazer a mente ver coisas que não estão lá. Ele achou essa experiência transcendental e contemplativa, e seu paradoxo poético. Após concluir seu diploma em educação, Anuszkiewicz sentiu que pela primeira vez tinha uma ideia forte e idiossincrática, e muitos bons exemplos de seu trabalho. Então, ele se mudou para Nova York e começou a mostrar seu trabalho para os galeristas. Mas, apesar de muitos acharem o trabalho intrigante, nenhum galerista queria arriscar em mostrá-lo. Era 1957. O Expressionismo Abstrato ainda estava na moda. Os dealers simplesmente não tinham certeza se as obras planas, coloridas e de borda dura que Anuszkiewicz estava fazendo venderiam.

Levou dois anos até que Anuszkiewicz fosse finalmente assinado por Karl Lunde, na The Contemporaries Gallery. Lunde lhe ofereceu uma exposição solo em março de 1960. Essa exposição acabou sendo fabulosa em termos de público. Muitos críticos e colecionadores comentaram felizes sobre o trabalho. Mas, como todos os outros negociantes previram, ninguém estava comprando. Na verdade, quase toda a exposição passou sem uma única venda até que, quase no seu último dia, um comprador finalmente entrou: Alfred F. Barr, Jr., que era o Diretor do Museu de Arte Moderna. Barr comprou uma pintura chamada Fluorescent Complement, e a exibiu mais tarde naquele ano no MoMA com outras aquisições recentes. Como um relógio, outros colecionadores começaram a adquirir obras de Anuszkiewicz, incluindo alguns dos colecionadores mais ricos da cidade, como Nelson Rockefeller.

Richard Anuszkiewicz - Fluorescent Complement, 1960, Oil on canvas, 36 x 32 1/4 in (91.5 x 82 cm), MoMA Colection, © Richard Anuszkiewicz

O efeito MoMA

A presença de Fluorescent Complement no MoMA sinalizou ao público que era hora do Expressionismo Abstrato tirar uma soneca. No ano seguinte, o Whitney sediou Geometric Abstraction in America, que incluía uma pintura de Anuszkiewicz, e então o MoMA anunciou uma grande exposição futura dedicada a “um ênfase principalmente visual.” Quando essa grande exposição, que foi chamada de The Responsive Eye, finalmente ocorreu, incluiu o trabalho de dezenas de artistas e solidificou o significado do termo Op Art. E junto com Victor Vasarely e Bridget Riley, Anuszkiewicz emergiu como um dos artistas mais importantes da exposição.

Diz-se que o que separava Vasarely era seu domínio da luz e da escuridão, o que separa Riley é seu domínio da linha, e o que separava Anuszkiewicz era seu domínio das relações de cor. Mas há algo mais sobre os três que os distingue—sua seriedade. Todos os três possuem uma curiosidade intrínseca e dedicação. E Anuszkiewicz também era especial por sua humildade. Enquanto os escritores se entusiasmam com suas conquistas, ele faz comentários como: “Algo acontece quando você coloca duas cores juntas. Isso tem um efeito.” Ele minimizava o brilho e o poder de seu trabalho, simplesmente referindo-se à noção de que cores e formas mudam em diferentes situações, e contemplar tais mudanças pode lembrar aos humanos que nunca temos certeza se o que estamos olhando é real.

Richard Anuszkiewicz - Unnumbered (Annual Edition), 1978, Paint and screenprint on masonite, 4 × 4 in, 10.2 × 10.2 cm, Loretta Howard Gallery, New York City, New York © Richard Anuszkiewicz

Imagem em destaque: Richard Anuszkiewicz - Sem Título (Edição Anual), 1980, Serigrafia sobre masonite, 5 3/4 × 5 3/4 pol, 14,6 × 14,6 cm. © Richard Anuszkiewicz
Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.