Наследие сэра Говарда Ходжкина

Знаменитый британский абстрактный художник и график Говард Ходжкин был одним из самых награжденных художников своего поколения. Он представлял Великобританию на Венецианской биеннале 1984 года и выиграл Премию Тёрнера в 1985 году. В 1976 году он был принят в Орден Британской империи (CBE); в 1992 году он был посвящен в рыцари; а в 2003 году королева Елизавета II ввела его в Орден компаньонов почета, где он присоединился к избранному списку всего из трех других абстрактных художников — Генри Мура, Виктора Пазмора и Бриджит Райли — которые получили такое же отличие. Знаменитый статус, которого Ходжкин в конечном итоге достиг в своей карьере, резко контрастирует с трудностями его ранней профессиональной жизни. В 1981 году Ходжкин заявил: "Я думаю, мне повезло, что я не был успешен до среднего возраста, но было много горьких моментов, когда так долго никто не хотел смотреть на мои картины." В свои 30 лет он был настолько подавлен отказами, что подумывал о самоубийстве. Но вместо того, чтобы поддаться отчаянию, он вновь посвятил себя эстетическому выражению своего внутреннего «я». Чем глубже Ходжкин погружался внутрь себя, тем интуитивнее он понимал связь между эмоциями и формальными основами искусства, такими как цвет и краска; и тем более абстрактными становились его работы. К концу своей жизни Ходжкин создал отличительное творчество, основанное на упрощенном стиле, который передавал сырые чувства в самых простых и прямых терминах.

Фигуры и чувства

Долгое время велись споры о том, следует ли называть Говарда Ходжкина фигуративным или абстрактным художником. Его ранние работы явно основывались на реальности, изображая фигуры в интерьере, иногда в социальных обстоятельствах. Но по мере развития его карьеры он размывал границу между абстракцией и фигурацией, создавая картины, которые находились на пересечении этих двух понятий. Вместо того чтобы заниматься исключительно конкретным содержанием из своей жизни, он исследовал, как формальные элементы, такие как цвет, узор и поверхность, могут вызывать эмоциональные элементы в его изображениях. С течением десятилетий его картины содержали мельчайшие фигуративные элементы, укрытые в абстрактных цветовых полях, формах и узорах. Но даже когда он рисовал что-то, что большинство зрителей считало чисто абстрактным, сам Ходжкин любил говорить, что работа все равно была фигуративной, так как все это было тесно связано с продолжающимся повествованием, основанным на его личной реальности.

Ходжкин начал выставлять свои картины в 1950 году в возрасте 18 лет, будучи еще студентом. На самом деле, одна из его самых ранних работ, гуашь на доске под названием Мемуары, написанная, когда ему было всего 16, считается некоторыми поклонниками одной из лучших. Он получил свою первую персональную выставку в 1962 году в знаменитой галерее Артура Туза и сыновей в Лондоне. Уникальное сочетание фигуративного и абстрактного, которое определяло работы на этой выставке, сделало Ходжкина уникальным и смелым. Но британская публика не сразу поняла его работы, и выставка не имела коммерческого успеха. Прошло почти десять лет, прежде чем зрители на его родине начали ценить его неповторимый талант.

Говард Ходжкин - Мемуары, 1949, гуашь на картоне, 8 5/8 x 9 7/8 дюймов, © Наследие Говарда Ходжкина

Воспоминания об Индии

Рано в жизни Говард Ходжкин осознал, что картины, которые он хотел бы написать, больше похожи на эстетические реликвии его собственных воспоминаний. Будучи человеком, который особенно любил путешествовать, многие из его самых ярких воспоминаний были связаны с великолепными пейзажами и необычными людьми, которых он встречал за границей. Некоторые из самых успешных принтов, которые он создал, касались поездок, которые он совершил в Индию. В серии шелкографий, которую он создал под названием Индийские виды, он обратил внимание на маленькие горизонтальные окна, распространенные по бокам поездов в этой стране. Изображения воспринимаются как простые пейзажи с линиями горизонта, но также могут быть рассмотрены как абстрактные цветовые поля.

В дополнение к их эмоциональному использованию цвета, его Индийские виды шелкографии также примечательны тем, что они содержат архетипический эстетический элемент рамы, который со временем стал жизненно важным для Ходгкина. Во многих его абстрактных картинах он рисовал прямоугольную раму, содержащую изображение. Затем он начал обрамлять свои поверхности в настоящие деревянные рамы, а затем рисовать изображение как на поверхности, так и на раме, сочетая их. Нарисованная рама определяла его картины как объекты, устойчивые к внешнему вмешательству, и уточняла, что их значение полностью содержится внутри них самих.

Ховард Ходжкин - Индийский вид H, 1971, Сериграфия на бумаге, 581 x 780 мм, © Унаследие Ховарда Ходжкина

Внешнее признание

Несмотря на недостаток понимания, которое Ходжкин изначально получал от публики, он продолжал выставляться и продолжал следовать своему уникальному стилю, создавая гибридные абстрактно-фигуративные образы и развивая эмоциональный, яркий визуальный язык, основанный на чувствах. В 1971 году он впервые был приглашен выставляться за границей, в Кельне, Германия. Эта выставка имела успех, и в следующем году он выставлялся на групповой выставке в Париже. А в следующем году он впервые выставлялся в Соединенных Штатах, в галерее в Нью-Йорке.

К его удовольствию, иностранные зрители имели совершенно иное впечатление о его работе. После своего дебюта в Нью-Йорке Ходжкин сказал: “они сразу поняли, каким художником я был... реакция была такой, что я почувствовал, что общаюсь с аудиторией. Я редко чувствовал это в Англии.” Возможно, из-за этого международного внимания, или, возможно, потому что британские зрители просто осознали, что они упускали, в течение следующих нескольких лет репутация Ходжкина в Британии улучшилась. К 1976 году он был награжден CBE и получил свою первую ретроспективную выставку в Оксфордском музее современного искусства.

Говард Ходжкин - Не за столом, 1972, масло на дереве, 33 x 36 дюймов, © Наследие Говарда Ходжкина

Школа Лондона

Также в 1976 году Ходжкин получил честь быть включенным в группу британских художников, связанных с чем-то, называемым Школой Лондона. Художник Р. Б. Китаи ввел термин Школа Лондона в эссе каталога, которое он написал для выставки под названием Человеческая глина. Китаи намеревался привлечь внимание к тому факту, что в отличие от глобальных тенденций к Поп-арту, Минимализму, Концептуальному искусству и другим популярным стилям, группа талантливых британских художников усердно исследовала современную значимость человеческой фигуры в искусстве.

«Человеческая глина» включала работы 48 художников; среди них были Китадж и Ходжкин, а также несколько других, которые впоследствии стали жизненно важными международными фигурами, таких как Фрэнк Ауэрбах, Дэвид Хокни, Фрэнсис Бэкон, Генри Мур и Люсиан Фрейд. Каждый из них в то время действительно исследовал фигурацию уникально современными способами. Но большинство тем не менее отвергли ярлык «Лондонская школа», когда впервые его услышали. Говард Ходжкин отверг этот ярлык, хотя у него было пять работ на выставке, что было вторым по количеству работ среди всех художников. Тем не менее, участие в выставке стало для Ходжкина поддержкой и великой общественной валидацией его усилий.

Ховард Ходжкин - Последний раз, когда я видел Париж, 1988-1991, Масло на дереве, 44 1/4 x 50 дюймов, © Наследие Ховарда Ходжкина

Меньше значит больше

На протяжении своей карьеры Ходжкин искал способы выразить больше, показывая меньше, в конечном итоге сведя фигуративные элементы в своем творчестве до почти полного отсутствия. Совпадая с более широким общественным признанием, которое он испытал в конце 1970-х годов, Ходжкин также пережил переход в своей личной жизни. После 20 лет брака с женой Джулией Ходжкин признался в своей гомосексуальности и предоставил Джулии опеку над их двумя сыновьями. Его жизнь одновременно стала проще и сложнее. Хотя названия его работ с этого момента сохранили личное нарративное качество, за которое его творчество стало известно, ссылаясь на конкретные личные воспоминания, содержание его изображений стало драматически более абстрактным.

Хотя он, вероятно, отрицал бы такое обвинение, легко увидеть, как освобождение от личной лжи могло также освободить его от необходимости наполнять свои образы намеками, позволяя ему стать более прямым в своих эмоциях. Имело ли это какое-либо отношение к этой ситуации или нет, в последние десятилетия своей жизни Ходжкин значительно упростил свой визуальный язык, как никогда прежде. Он стал более искусным в передаче выразительного потенциала цвета, мазка, поверхности, композиции и краски. В последние годы его композиции были самыми простыми и, возможно, самыми глубокими, ловко передавая его основную идею мимолетной силы памяти и эмоций.

Ховард Ходжкин - Любовь и Смерть, 2015, Масло на дереве, 31 x 35 дюймов, © Наследие Ховарда Ходжкина

Изображение: Говард Ходжкин Бриджид Сигрейв (деталь), 1961-62, Масло на холсте, 34 x 39 дюймов
Все изображения используются только в иллюстративных целях.
От Филлипа Barcio