Наследие сэра Говарда Ходжкина

Знаменитый британский художник-абстракционист и гравёр Говард Ходжкин был одним из самых награждённых художников своего поколения. Он представлял Великобританию на Венецианской биеннале 1984 года и получил премию Тернера в 1985 году. В 1976 году он был принят в Орден Британской империи (CBE); в 1992 году ему было присвоено рыцарское звание; а в 2003 году королева Елизавета II включила его в Орден Компаньонов Почёта, где он присоединился к избранному списку всего трёх других абстрактных художников — Генри Мура, Виктора Пазмора и Бриджит Райли — удостоенных такой же чести. Знаменитый статус, которого Ходжкин в итоге достиг в своей карьере, резко контрастирует с трудностями его ранней профессиональной жизни. В 1981 году Ходжкин заявил: «Я думаю, мне повезло, что я не добился успеха до среднего возраста, но было много горьких моментов, когда казалось, что никто вообще не хочет смотреть на мои картины.» В свои 30 лет он был настолько подавлен отказами, что даже думал о самоубийстве. Но вместо того чтобы поддаться отчаянию, он вновь посвятил себя эстетическому выражению своего внутреннего мира. Чем глубже Ходжкин погружался в себя, тем интуитивнее он понимал связь между эмоциями и формальными основами искусства, такими как цвет и краска; и тем более абстрактными становились его работы. К концу жизни Ходжкин создал уникальное наследие, основанное на сдержанном стиле, который передавал чистые чувства в самых простых и прямых формах.

Фигуры и чувства

Долгое время велись споры о том, следует ли называть Говарда Ходжкина фигуративным или абстрактным художником. Его ранние работы явно основывались на реальности, изображая фигуры в интерьерах, иногда в социальных ситуациях. Но по мере развития карьеры он размывал границу между абстракцией и фигурацией, создавая картины, которые находились на пересечении этих двух направлений. Вместо того чтобы заниматься исключительно конкретным содержанием из своей жизни, он исследовал, как формальные элементы, такие как цвет, узор и поверхность, могут вызывать эмоциональные отклики в его образах. В течение многих десятилетий его картины содержали крошечные фигуративные элементы, спрятанные в абстрактных цветовых полях, формах и узорах. Но даже когда он писал что-то, что большинство зрителей считали чисто абстрактным, сам Ходжкин любил говорить, что работа всё равно была фигуративной, так как она тесно связана с продолжающимся повествованием, основанным на его личной реальности.

Ходжкин начал показывать свои картины в 1950 году в возрасте 18 лет, будучи ещё студентом. На самом деле одна из его самых ранних работ — гуашь на доске под названием Воспоминания, написанная, когда ему было всего 16 лет, — считается некоторыми поклонниками одной из лучших. Его первая персональная выставка состоялась в 1962 году в известной галерее Arthur Tooth & Sons в Лондоне. Уникальное сочетание фигуративности и абстракции, определявшее работы на той выставке, выделяло Ходжкина как уникального и смелого художника. Но британская публика сразу не поняла его творчество, и выставка не имела коммерческого успеха. Почти через десять лет зрители на родине начали по-настоящему ценить его неповторимый талант.

Говард Ходжкин - Воспоминания, 1949, гуашь на доске, 22 x 25 см, © Наследие Говарда Ходжкина

Воспоминания об Индии

Рано в жизни Говард Ходжкин понял, что картины, которые он хочет писать, больше похожи на эстетические реликвии его собственных воспоминаний. Будучи человеком, который особенно любил путешествовать, многие из его самых сильных воспоминаний связаны с великолепными пейзажами и необыкновенными людьми, которых он встречал за границей. Одни из самых удачных его гравюр посвящены поездкам в Индию. В серии шелкографий под названием Индийские виды он обращался к маленьким горизонтальным окнам, часто встречающимся в поездах этой страны. Эти изображения можно воспринимать как простые пейзажи с линией горизонта, но их также можно рассматривать как абстрактные цветовые поля.

Помимо выразительного использования цвета, его шелкографии из серии Индийские виды примечательны тем, что содержат архетипический эстетический элемент — рамку, которая со временем стала жизненно важной для Ходжкина. Во многих его абстрактных картинах он рисовал прямоугольную рамку, окружающую изображение. Позже он начал оформлять свои работы в настоящие деревянные рамы, а затем расписывал краской как поверхность, так и раму, объединяя их. Нарисованная рамка определяла его картины как объекты, устойчивые к внешнему вмешательству, и подчёркивала, что их смысл полностью содержится внутри них самих.

Говард Ходжкин - Индийский вид H, 1971, шелкография на бумаге, 58,1 x 78 см, © Наследие Говарда Ходжкина

Признание за рубежом

Несмотря на непонимание, с которым Ходжкин столкнулся вначале со стороны публики, он продолжал выставляться и развивать свой уникальный стиль, создавая гибридные абстрактно-figurативные образы и развивая выразительный, красочный визуальный язык, основанный на чувствах. В 1971 году его впервые пригласили выставляться за границей, в Кёльне, Германия. Эта выставка имела успех, а в следующем году он участвовал в групповой выставке в Париже. А через год впервые показал свои работы в Соединённых Штатах, в галерее в Нью-Йорке.

К его радости, зарубежные зрители восприняли его творчество совсем иначе. После дебюта в Нью-Йорке Ходжкин сказал: «они сразу поняли, каким художником я являюсь… реакция была такой, что я почувствовал, что общаюсь с аудиторией. В Англии я редко это ощущал». Возможно, благодаря этому международному вниманию или просто потому, что британские зрители наконец поняли, что упускали, за следующие несколько лет репутация Ходжкина в Великобритании улучшилась. К 1976 году он был награждён CBE и получил первую ретроспективную выставку в Музее современного искусства Оксфорда.

Говард Ходжкин - Не за столом, 1972, масло на дереве, 84 x 91 см, © Наследие Говарда Ходжкина

Лондонская школа

Также в 1976 году Ходжкин был удостоен чести войти в группу британских художников, связанных с так называемой Лондонской школой. Термин «Лондонская школа» был введён художником Р. Б. Китаджем в эссе к каталогу выставки под названием «Человеческая глина». Китадж хотел привлечь внимание к тому, что в отличие от мировых тенденций в сторону поп-арта, минимализма, концептуального искусства и других популярных стилей, группа талантливых британских художников усердно исследовала современное значение человеческой фигуры в искусстве.

«Человеческая глина» включала работы 48 художников; среди них были Китадж и Ходжкин, а также несколько других, которые впоследствии стали важными международными фигурами, такие как Фрэнк Ауэрбах, Дэвид Хокни, Фрэнсис Бэкон, Генри Мур и Люсьен Фрейд. Каждый из них в то время действительно исследовал фигуративность уникальными современными способами. Но большинство из них всё же отвергали ярлык «Лондонская школа», когда впервые услышали его. Говард Ходжкин также отвергал этот ярлык, хотя в выставке было представлено пять его работ — второе по численности участие после любого другого художника. Тем не менее участие в выставке стало для Ходжкина поддержкой и значительным общественным признанием его усилий.

Говард Ходжкин - В последний раз, когда я видел Париж, 1988-1991, масло на дереве, 112 x 127 см, © Наследие Говарда Ходжкина

Меньше значит больше

На протяжении всей своей карьеры Ходжкин искал способы выразить больше, показывая меньше, постепенно сокращая фигуративные элементы в своих работах до почти полного отсутствия. Совпав с более широким признанием публики в конце 1970-х, в личной жизни Ходжкина также произошли перемены. После 20 лет брака с женой Джулией он признался в своей гомосексуальности и передал Джулии опеку над их двумя сыновьями. Его жизнь стала одновременно проще и сложнее. Хотя названия его работ с этого момента сохраняли личностный повествовательный характер, за который его творчество стало известно, ссылаясь на конкретные личные воспоминания, содержание его образов стало значительно более абстрактным.

Хотя он, вероятно, отверг бы такое обвинение, легко понять, как освобождение от личной лжи могло также освободить его от необходимости вкладывать в свои образы намёки, позволяя ему быть более прямым в выражении своих чувств. Независимо от того, связано ли это с этим обстоятельством или нет, в последние десятилетия жизни Ходжкин ещё более радикально упростил свой визуальный язык. Он стал более искусным в передаче выразительного потенциала цвета, мазка кисти, поверхности, композиции и краски. В последние годы его композиции были самыми простыми и, возможно, самыми глубокими, умело передавая его основную идею мимолётной силы памяти и эмоций.

Говард Ходжкин - Любовь и смерть, 2015, масло на дереве, 79 x 89 см, © Наследие Говарда Ходжкина

Изображение на обложке: Говард Ходжкин Бриджид Сигрейв (фрагмент), 1961-62, масло на холсте, 86 x 99 см
Все изображения используются только в иллюстративных целях
Автор: Филлип Барцио