Уитни отмечает цветные картины 1960-х годов на новой выставке

Боб Томпсон умер от передозировки героином в возрасте 28 лет, но за свою короткую карьеру он создал почти 1000 картин и рисунков. Музей американского искусства Уитни отметил его творчество ретроспективой в 1996 году, а этой весной его картины и слова станут основой крупной выставки Уитни, посвящённой цвету. «Переполнение: живопись цвета 1960-х» получила своё название по цитате Томпсона: «Во мне что-то есть, что просто рвётся наружу, извивается, прилипает, переполняется, чтобы выйти. В души, рты и глаза, которые никогда раньше не видели». Поэзия и страсть в этих словах ярко проявляются в его картинах, многие из которых заимствуют композиции старых мастеров, абстрагируя фигуры и пейзажи, чтобы создать экспрессионистские, вдохновлённые джазом миры, определяемые яркими и иллюзорными цветовыми палитрами. Томпсон идеально представляет эту выставку, поскольку кураторы игнорируют традиционные обозначения, связанные с направлениями и стилями. Томпсон никогда не был привязан к какому-либо одному направлению или методу — он черпал вдохновение из поп-арта, фовизма, экспрессионизма, фигуративного искусства, абстракции и всего, что служило его видению. Аналогично, «Переполнение: живопись цвета 1960-х» осветит множество эстетических позиций, включая оп-арт, жёсткую абстракцию, живопись цветового поля, постживописную абстракцию, абстрактный экспрессионизм, минимализм, феминистское искусство, движение узора и декорации, а также раннюю модернистскую геометрическую абстракцию. В экспозицию войдут работы столь же широкого и разнообразного круга художников, некоторых известных, таких как Джозеф Альберс, Хелен Франкенталер, Сэм Гиллиам, Эллсворт Келли, Моррис Луис, Кеннет Ноланд и Фрэнк Стелла, и менее известных, таких как Кей Уолкинстик, Эмма Амос, Ричард Анушкевич, Фрэнк Боуллинг, Марсия Хафиф, Эл Хелд, Элвин Ловинг и Мириам Шапиро. Все работы взяты из существующей коллекции музея Уитни и предлагают всесторонний взгляд на истинное разнообразие художественного выражения, существовавшее в одну из самых плодотворных эпох в истории искусства XX века. В подготовке представлены краткие профили шести менее известных художников, представленных на выставке.

Эмма Амос

Когда Эмма Амос впервые приехала в Нью-Йорк в начале 1960-х, она столкнулась с сопротивлением со стороны колледжей, которые говорили, что она слишком молода для преподавания, и галеристов, которые не хотели показывать её работы либо из-за того, что она была чернокожей, либо из-за того, что была женщиной. Её убежищем стало общество других художников, которые расширили её уже обширное художественное образование, делясь с Амос уроками своего мастерства. Она изучала текстиль у Дороти Либес; графику у Леттерио Калапаи; а также нюансы обращения с социальными вопросами и политикой в творчестве у членов группы Spiral, в которой Амос была единственной женщиной. Амос давно выделяется своей радикальной фантазией и смелостью, с которой она осваивала множество различных стилей, техник и исторических отсылок. Она — одна из великих живущих первопроходцев постмодернизма.

Эмма Амос — Малыш, 1966. Масло на холсте. 118,1 × 129,5 см. Музей американского искусства Уитни, Нью-Йорк; приобретено совместно Музеем американского искусства Уитни при поддержке Комитета по живописи и скульптуре и Студийным музеем в Гарлеме, приобретение музея при поддержке Энн Тененбаум и Томаса Х. Ли. T.2018.33a-b. © Эмма Амос; предоставлено художницей и галереей RYAN LEE, Нью-Йорк.

Ричард Анушкевич

Вместе с Бриджет Райли, Ричард Анушкевич — один из последних живущих первопроходцев оп-арта. В молодости Анушкевич заметил, что цвет — это то, что ускользает от его понимания, поэтому он отправился в Йель изучать теорию цвета у великого Джозефа Альберса. Уникальный визуальный язык, который разработал Анушкевич, сделал его работы новаторскими для своего времени. Многие восхищались их блеском, но с его первой персональной выставки была продана только одна картина. К счастью для Анушкевича, этот единственный покупатель был Альфред Ф. Барр-младший, директор Музея современного искусства. Этот единственный, но влиятельный поклонник привлёк внимание кураторов Уитни, которые незамедлительно включили его в крупную групповую выставку по геометрической абстракции и обеспечили его участие в выставке «Отзывчивый глаз», которая сделала оп-арт известным.

Ричард Анушкевич — Четвёртый из трёх, 1963. Акрил на композиционной доске. 122,1 × 122,1 см. Музей американского искусства Уитни, Нью-Йорк; приобретено на средства друзей музея Уитни 64.4. © 2019 Ричард Анушкевич/Лицензировано VAGA в Artists Rights Society (ARS), Нью-Йорк.

Фрэнк Боуллинг

В возрасте 85 лет Фрэнк Боуллинг наконец получает мировое признание, которого заслуживал десятилетиями. Его светящиеся полотна излучают цвет и атмосферу. Бесшовно сочетая множество методов, они объединяют разные эстетические позиции, такие как поп-арт, живопись цветового поля, абстрактный экспрессионизм, арте повера и постживописную абстракцию. Позднее в этом году Боуллинг будет представлен на монументальной ретроспективной выставке в Tate Britain, охватывающей 60 лет его карьеры.

Фрэнк Боуллинг — Сюрприз Дэна Джонсона, 1969. Акрил на холсте. 294,5 × 264,5 см. Музей американского искусства Уитни, Нью-Йорк; приобретено на средства друзей музея Уитни 70.14. © 2019 Фрэнк Боуллинг/Лицензирование Artists Rights Society (ARS), Нью-Йорк.

Кей Уолкинстик

Среди самых последних приобретений, включённых в эту выставку, будут работы Кей Уолкинстик, коренной американской художницы, чьё творчество создаёт возвышенные мосты между эстетическими традициями её черокийских корней и эстетикой мирового постмодернизма. Уолкинстик является предшественницей и вдохновительницей молодых коренных художников, таких как Джеффри Гибсон, которые стремятся исследовать последствия универсальностей, общих для древних и современных художественных традиций. Поиск универсализма всегда был важен для Уолкинстик, которая говорила: «Я хочу, чтобы все люди сохраняли свои культуры — но я также хочу поощрять взаимное признание общего бытия».

Кей Уолкинстик — Ночь/ORT (Usvi), 1991. Масло, акрил, воск и медь на холсте. 92 × 183 × 5 см. Предоставлено Музеем искусств Монтклера, приобретено на средства, предоставленные Альбертой Стаут.

Элвин Ловинг

Элвин Ловинг создал визуально впечатляющее собрание работ, которое, среди прочего, определило цвет как главный объединяющий фактор между абстрактным экспрессионизмом и жёсткой геометрической абстракцией. Его энергичные, жестовые картины и коллажи с акцентом на материалы эмоциональны и лиричны. Его геометрические абстрактные работы, напротив, расчётливы и смелы, и легко входят в число самых заметных и интеллектуально стимулирующих произведений его поколения. Современник таких художников, как Сол Левитт и Виктор Васарели, Ловинг поднял их идеи и исследования на новый уровень, наполнив свои работы визуальной энергией, которая делает их свежими и живыми даже сегодня, почти через поколение после его смерти.

Элвин Ловинг — Септэдрон 34, 1970. Акрил на холсте нестандартной формы. 225,1 × 260,4 см. Музей американского искусства Уитни, Нью-Йорк; подарок компании William Zierler, Inc. в честь Джона И. Х. Баура 74.65. Предоставлено наследием Элвина Ловинга и галереей Garth Greenan, Нью-Йорк.

Мириам Шапиро

Икона феминистского искусства Мириам Шапиро участвовала в новаторской инсталляции Womanhouse и стала одним из самых влиятельных голосов в движении узора и декорации. Шапиро противостояла гендерным предубеждениям в мире искусства, используя материалы и техники, связанные с домашним хозяйством и ремёслами. Несомненное мастерство, красота и интеллектуальная честность её работ обнажали абсурдные патриархальные предрассудки, которые всегда доминировали в мире искусства. Цвет был ключевым элементом её творчества, наполняя работы электрической, почти вибрирующей энергией действия и привлекая внимание к способности формальных эстетических элементов становиться инструментами социальных и политических перемен.

Мириам Шапиро — Механо/Цветочный веер, 1979. Акрил и тканевый коллаж на бумаге. 76 × 112 см. Подарок Мэри Росс Тейлор в честь её матери, Бетти С. Эбботт. Национальный музей женщин в искусстве.

Изображение на обложке: Моррис Луис — Гамма Дельта, 1959-60. Магна на холсте. 262 × 387,4 см. Музей американского искусства Уитни, Нью-Йорк; приобретено на средства фонда Глен Олден и фонда МакКрори, Inc. 69.57. © 2018 Институт искусств штата Мэриленд (MICA) / Artists Rights Society (ARS), Нью-Йорк.
Все изображения используются только в иллюстративных целях
Автор Филлип Барцио