Banbrytande men Glömd - Konsten av Mark Tobey

I sommar visar Peggy Guggenheim-samlingen i Venedig, Italien, den första stora europeiska retrospektiven av Mark Tobeys målningar på mer än 20 år. Utställningen, med titeln Mark Tobey: Threading Light, omfattar 66 stora verk skapade av Tobey från slutet av 1920-talet till början av 1970-talet. Urvalet av verk syftar till att belysa de olika utvecklingssteg Tobey gick igenom under sin karriär när han sökte sätt att uttrycka människans existens universella aspekter. Efter att ha inlett sin karriär som kommersiell illustratör och porträttmålare övergick han till måleri i 30-årsåldern. Han började med figurativa verk, men fann snart sig själv engagerad i den modernistiska diskussionen om hur man utvecklar nya estetiska synsätt. Hans slutgiltiga framgångar i detta avseende var enorma, vilket gör det desto märkligare att så många idag antingen helt glömt bort Tobey eller aldrig hört talas om honom. Inte så länge sedan ansågs han vara en av världens viktigaste och mest inflytelserika målare. Denna fakta gör tidpunkten och platsen för denna utställning särskilt passande. Den sammanfaller med Venedigs biennal 2017, en subtil påminnelse om att det var vid en tidigare Venedigs biennal 1958 som Mark Tobey skrev historia. Tobey representerade USA vid den mässan tillsammans med Mark Rothko. Men medan Rothko idag är betydligt mer känd i USA, var det en målning av Tobey med titeln Capricorn som vann 1958 års Venedigs stadspris för målning – första gången, för övrigt, sedan den första Venedigs biennal 1895 som guldpriset gick till en amerikansk målare.

Ett öppet sinne

Mark Tobey föddes i den amerikanska mellanvästern i staden Centerville, Wisconsin, 1890. Även om han snart lämnade Wisconsin, mindes han det med värme och refererade ofta till dess landskap i sina tidiga målningar. Men till skillnad från många amerikanska abstrakta målare i hans generation som föredrog att leva och arbeta helt i New York, valde Mark Tobey under större delen av sitt vuxna liv att bo och arbeta i Seattle. Det var kanske detta ödesdigra val som ledde till mycket av den frihet och öppenhet som präglade hans utveckling som konstnär. En annan frekvent Seattle-bo, kampsportaren Bruce Lee, hade en liknande livssyn som Mark Tobey. Lee grundade en kampsportsmetod kallad Jeet Kun Do, som han beskrev som ”stilen utan stil”, vilket betyder att en kämpe bör förkasta dogmer och vara öppen för att lära sig allt möjligt, sedan behålla det som fungerar och förkasta det som inte gör det. ”Stilen utan stil” växte fram ur läror Lee först lärde sig när han studerade zenbuddhism, och den liknar slående mycket det synsätt Mark Tobey utvecklade mot måleriet många år tidigare.

Tobey reste första gången till Asien på 1930-talet. Den resan kom under en tid då han kämpade som målare med att förstå hur han skulle hantera rymd. Han kunde inte bestämma sig för om han skulle försöka uppnå djup och dimension i sina verk eller överge det och istället omfamna platthet. Under besöken i Japan, Shanghai och Hongkong fick han en ny och djup förståelse för de olika sätt asiatiska konstnärer genom historien behandlat rymd i sina verk. Han hade tidigare redan lärt sig teknikerna för kinesisk kalligrafi medan han bodde i Seattle på 1920-talet, men denna resa gav honom en mer fullständig insikt i hur skrift och symbolik passar in i de större estetiska tillvägagångssätten inom asiatisk konst. Denna insikt öppnade Tobey för tanken att han inte bara skulle studera hur hans egen kultur skapar konst, utan snarare öppna sig för att lära sig allt möjligt om hur alla olika kulturer skapar konst.

Mark Tobey - Crystallizations, 1944, Iris och B. Gerald Cantor Center for Visual Arts vid Stanford University, Mabel Ashley Kizer-fonden, gåva från Mellita och Rex Vaughan, samt Modern and Contemporary Acquisitions Fund

Allt täckande måleri

Strax efter hemkomsten från Asien skapade Tobey en av sina mest inflytelserika målningar, med titeln Broadway. Den är en något figurativ uttryck för former, färger och ljus från den berömda gatan i New York. Men den är omvandlande i sitt tillvägagångssätt. Kompositionen består av hundratals små, gestiska, vita märken. Likheten med skrift är tydlig, men markeringarna bildar inga konkreta ord och representerar inte heller direkt verkliga former. De är suggestiva och poetiska. Målningen ses idag som föregångaren till en estetisk stil som Mark Tobey fortsatte att utforska på olika sätt under hela sin karriär, vilken han kallade ”vit skrift.”

Broadway målades 1936. Under de följande åren fortsatte Tobey att utveckla det tillvägagångssätt som definierade det verket. Han abstraherade sina kalligrafiska markeringar bortom igenkänning och övergav snart alla figurativa former. Han blev engagerad i att förmedla känsla snarare än bara bilder. Viktigast av allt var att han gjorde en poäng av att täcka hela ytan på sina dukar med kompositioner som inte gav någon särskild del av ytan företräde. Den idén lyftes senare fram av konstkritikern Clement Greenberg när han beskrev de ”all-over-bilder” som Jackson Pollock skapade på 1940-talet. Men det var Mark Tobey, vars målningar Pollock sett år tidigare, som banade väg för detta tillvägagångssätt.

Mark Tobey - Threading-Light, 1942, Museum of Modern Art, New York

Skolan utan skola

Mark Tobey kände utan tvekan Jackson Pollock och alla andra konstnärer från New York-skolan. Verk av Tobey ingick i utställningen Fourteen Americans 1946 på Museum of Modern Art i New York, en utställning som också inkluderade Arshile Gorky och Robert Motherwell. Men medan dessa New York-konstnärer och deras förespråkare Greenberg omfamnade myten att de var en del av framväxten av en slags inneboende amerikansk konst, avvisade Tobey detta synsätt. Han insisterade på att konst inte borde definieras i så snäva termer eller begränsas av småaktiga föreställningar som nationalism, politik, kultur eller geografi. Han vägrade att associera sig med idén om New York-skolan, även om hans verk så tydligt var en föregångare till dess medlemmars idéer.

Istället antog Tobey samma synsätt som Bruce Lee senare beskrev. Kalla det Skolan utan skola. Tobey reste, läste, experimenterade, lärde sig så många olika tillvägagångssätt han kunde och behöll sedan det som fungerade och övergav det som inte gjorde det. Han studerade till och med zenbuddhism och bemästrade japanskt Sumi-e (svart bläck) måleri. Hans öppenhet och sökande är tydligt i urvalet av verk som ingår i Mark Tobey: Threading Light, som även inkluderar några av hans Sumi-e-verk samt olika målningar som utvecklats från tekniken, såsom City Reflections, som direkt innehåller stänk av svart bläck, och Lumber Barons, som mer försiktigt refererar till Sumi-e på ett sätt som är mer kopplat till vit skrift.

Mark Tobey - Wild Field, 1959, Museum of Modern Art, NY, Sidney och Harriet Janis-samlingen

Ett universellt estetiskt språk

Förutom hans förakt för nationalistiska eller regionala etiketter, är en annan stor anledning till att vissa kritiker tror att Mark Tobey till slut glömdes bort av många amerikanska konsthistoriker hans uttalade andlighet. Det betyder inte att den amerikanska konstvärlden är en andefattig plats: det är uppenbarligen inte sant. Men den särskilda form av andlighet som Mark Tobey förespråkade satte honom i konflikt med nästan alla, från konstnärer, kuratorer, gallerister och kritiker till människor utanför konstvärlden. Tobey tillhörde en tro som kallas Bahá'í. Kärntron i den monoteistiska Bahá'í-religionen är en bestående respekt för värdet och betydelsen av alla människors religioner, och medlemmarnas mål är varaktig fred genom enhet bland alla människor. Det låter kanske inte kontroversiellt för en förnuftig person, men religionen insisterar också på att alla religioner kommer från en enda gudomlig källa, och att alla profeter är lika manifestationer av samma gudom, en tro som motsäger kärnprinciperna i nästan alla stora religioner, särskilt kristendom, judendom och islam.

När det gäller den amerikanska konstvärlden är det okej att tala om ande, som Wassily Kandinsky och Piet Mondrian verkligen gjorde; och det är bra att tala om universalitet, som Agnes Martin och många andra gjorde; och det är fint att tala om överskridande och eftertanke som Mark Rothko gjorde. Men ordet religion skrämmer folk. Amerikanska institutioner undviker saker som kan hota dem kommersiellt. Och även om det kan vara annorlunda nu, ansågs uttalade religiösa agendor i mitten av 1900-talet generellt inte vara bra för affärerna. Men Mark Tobey brydde sig aldrig om det. Han tvekade inte att ta upp sina religiösa övertygelser, och han förkunnade ofta att hans mål var att använda sin konst som ett sätt att bidra till skapandet av ett universellt språk som kunde hjälpa mänskligheten att uppnå enhet och fred. Men naturligtvis är det bara spekulation om detta är anledningen till att han har försummats i USA. Lyckligtvis, trots avvisandet från hans hemland, hade Tobey en lång och fruktbar karriär på andra håll, särskilt i Europa, där han var högt aktad under sin livstid och där han idag anses vara föregångare till rörelser som Tachisme och Art Informel. Mark Tobey: Threading Light visas på Peggy Guggenheim-samlingen i Venedig, Italien, fram till 10 september 2017.

Mark Tobey - World, 1959, Privat samling, New York

Omslagsbild: Mark Tobey - Untitled, Sumi-teckning (detalj), 1944, Martha Jackson-samlingen vid Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY

Av Phillip Barcio