Banbrytande men Glömd - Konsten av Mark Tobey

I sommar visar Peggy Guggenheim Collection i Venedig, Italien, den första stora europeiska retrospektiven av målningar av Mark Tobey på mer än 20 år. Utställningen, med titeln Mark Tobey: Threading Light, inkluderar 66 stora verk skapade av Tobey mellan slutet av 1920-talet och början av 1970-talet. Urvalet av verk syftar till att belysa de olika utvecklingar Tobey genomgick i sin karriär när han sökte efter sätt att uttrycka mänsklighetens universaliteter. Efter att ha inlett sin karriär som kommersiell illustratör och porträttkonstnär, övergick han till måleri i 30-årsåldern. Han började med figurativt arbete, men fann snart sig själv engagerad i den modernistiska diskussionen om hur man utvecklar nya estetiska synsätt. Hans slutliga prestationer i detta avseende var enorma, vilket gör det ännu mer märkligt att så många människor idag antingen helt har glömt bort Tobey eller aldrig har hört talas om honom. För inte så länge sedan ansågs han vara en av de mest viktiga och inflytelserika målarna i världen. Denna fakta gör tidpunkten och platsen för denna aktuella utställning särskilt passande. Utställningens längd är tidsinställd för att sammanfalla med Venedigbiennalen 2017, en subtil påminnelse om att det var vid en tidigare Venedigbiennale 1958 som Mark Tobey gjorde historia. Tobey representerade USA vid den mässan tillsammans med Mark Rothko. Men medan Rothko idag kanske njuter av mycket mer berömmelse i USA, var det en Tobey-målning med titeln Capricorn som vann 1958 års City of Venice Prize för måleri—den första gången, för övrigt, sedan den första Venedigbiennalen 1895 som guldpriset gick till en amerikansk målare.

Ett öppet sinne

Mark Tobey föddes i den amerikanska staden Centerville, Wisconsin, i mitten av 1890-talet. Även om han snart lämnade Wisconsin, kom han ihåg det med värme och refererade ofta till dess landskap i sina tidiga målningar. Men till skillnad från många amerikanska abstrakta målare i sin generation som föredrog att leva och arbeta helt i New York, valde Mark Tobey under större delen av sitt vuxna liv att bo och arbeta i Seattle. Det var kanske det ödesdigra valet som ledde till mycket av den frihet och öppensinnighet som definierade hans utveckling som konstnär. En annan vanlig Seattle-invånare, kampsportaren Bruce Lee, hade en liknande syn på livet som Mark Tobey. Lee grundade en kampmetod kallad Jeet Kun Do, som han beskrev som "stilen utan stil", vilket betyder att en fighter bör avvisa dogmer och vara öppen för att lära sig allt möjligt och sedan behålla det som fungerar och kassera det som inte gör det. "Stilen utan stil" växte fram ur läror som Lee först lärde sig när han studerade zenbuddhism, och den är slående lik den metod som Mark Tobey utvecklade för målning många år tidigare.

Tobey reste först till Asien på 1930-talet. Den resan kom under en tid då han kämpade som målare för att lista ut vad han skulle göra med rymd. Han kunde inte bestämma sig för om han skulle försöka uppnå djup och dimension i sina verk eller överge det och istället omfamna platthet. Under sitt besök i Japan, Shanghai och Hongkong fick han en ny och djup förståelse för de olika sätt som asiatiska konstnärer har behandlat rymd i sina verk genom historien. Han hade tidigare redan lärt sig teknikerna för kinesisk kalligrafi medan han bodde i Seattle på 1920-talet, men denna resa utsatte honom för en mer komplett medvetenhet om hur skrivande och symbolik passar in i de större estetiska tillvägagångssätten inom asiatisk konst. Denna uppenbarelse öppnade Tobey för idén att han inte bara skulle studera hur hans kultur skapar konst, utan snarare öppna sig för att lära sig allt möjligt om hur alla olika kulturer skapar konst.

Mark Tobey - Kristallisationer, 1944, Iris och B. Gerald Cantor Center for Visual Arts vid Stanford University, Mabel Ashley Kizer-fonden, gåva från Mellita och Rex Vaughan, samt fonden för moderna och samtida förvärv.

Överallt målning

Kort efter att ha återvänt från Asien skapade Tobey en av sina mest inflytelserika målningar, med titeln Broadway. Det är en något figurativ uttryck för formerna, färgerna och ljusen på den berömda gatan i New York. Men den är transformativ i sitt tillvägagångssätt. Kompositionen består av hundratals små, gestural, vita märken. Likheten med skrivande är tydlig, men markeringarna stavar inte något konkret, och de representerar inte direkt verkliga former. De är suggestiva och poetiska. Målningen ses idag som föregångaren till en estetisk stil som Mark Tobey skulle fortsätta att sträva efter på olika sätt under sin karriär, som han kallade "vit skrivning."

Broadway målades 1936. Under de följande åren fortsatte Tobey att utveckla det tillvägagångssätt som definierade det verket. Han abstraherade sina kalligrafiska markeringar bortom igenkänning och övergav snart alla figurativa former. Han blev engagerad i att kommunicera känslor mer än bara bilder. Mest viktigt var att han betonade att täcka hela ytan av sina dukar med kompositioner som inte gav fördelaktig behandling till något särskilt område av ytan. Den idén lyftes senare fram av konstkritikern Clement Greenberg när han beskrev de "all-over pictures" Jackson Pollock gjorde på 1940-talet. Men det var Mark Tobey, vars målningar Pollock hade sett år tidigare, som banade väg för detta tillvägagångssätt.

Mark Tobey - Threading-Light, 1942, Museum of Modern Art, New York

Skolan utan skola

Mark Tobey var definitivt bekant med Jackson Pollock och alla andra konstnärer från New York-skolan. Verk av Tobey ingick i utställningen 1946 Fourteen Americans på New York Museum of Modern Art, en utställning som också inkluderade Arshile Gorky och Robert Motherwell. Men medan dessa New York-konstnärer och deras hejarklack Greenberg omfamnade myten att de var en del av framväxten av en typ av inneboende amerikansk konst, avvisade Tobey det konceptet. Han insisterade på att konst inte borde definieras i så snäva termer, eller begränsas av småaktiga uppfattningar som nationalism, politik, kultur eller geografi. Han vägrade att associera sig med idén om New York-skolan, även om hans arbete så tydligt var en föregångare till idéerna hos dess medlemmar.

Istället antog Tobey samma tillvägagångssätt som Bruce Lee senare beskrev. Kalla det Skolan utan Skola. Tobey reste, läste, experimenterade, lärde sig så många olika tillvägagångssätt som han kunde och behöll sedan det som fungerade och övergav det som inte gjorde det. Han studerade till och med Zen-buddhism och behärskade japansk Sumi-e (svart bläck) målning. Hans öppenhet och hans sökande är tydliga i urvalet av verk som ingår i Mark Tobey: Threading Light, som till och med inkluderar några av hans Sumi-e verk samt olika målningar som utvecklades från tekniken, såsom City Reflections, som direkt inkorporerar stänkt svart bläck, och Lumber Barons, som mer subtilt refererar till Sumi-e på ett sätt som är mer kopplat till vit skrivning.

Mark Tobey - Vild äng, 1959, Museum of Modern Art, NY, Sidney och Harriet Janis samling

Ett universellt estetiskt språk

Förutom hans förakt för nationalistiska eller regionala etiketter, är en annan stor anledning till att vissa kritiker anser att Mark Tobey i slutändan glömdes av många skribenter inom amerikansk konsthistoria kopplad till hans öppna spiritualitet. Det är inte för att säga att den amerikanska konstvärlden är en osjälvständig plats: uppenbarligen är det inte sant. Men den särskilda typen av spiritualitet som Mark Tobey förespråkade satte honom i konflikt med nästan alla, från konstnärer, kuratorer, gallerister och kritiker till människor utanför konstvärlden. Tobey tillhörde en tro som kallas Bahá'í. Den centrala tron i den monoteistiska Bahá'í-religionen är en bestående respekt för värdet och värdigheten av alla mänskliga religioner, och målet för medlemmarna är varaktig fred genom enhet bland alla människor. Det kanske inte låter kontroversiellt för en förnuftig person, men religionen insisterar också på att alla religioner kommer från en enda gudomlig källa, och att alla profeter är lika manifestationer av samma gudomlighet, övertygelser som motsäger kärnprinciperna i nästan varje stor religion, särskilt kristendomen, judendomen och islam.

När det gäller den amerikanska konstvärlden är det okej att prata om anden, som Wassily Kandinsky och Piet Mondrian definitivt gjorde; och det är bra att prata om universalitet, som Agnes Martin och så många andra gjorde; och det är fantastiskt att prata om transcendens och kontemplation som Mark Rothko gjorde. Men ordet religion skrämmer människor. Amerikanska institutioner undviker saker som kan hota dem kommersiellt. Och även om saker kan vara annorlunda nu, så ansågs öppna religiösa agendor under mitten av 1900-talet generellt inte vara bra för affärer. Men Mark Tobey brydde sig aldrig om det. Han tveka inte att ta upp sina religiösa övertygelser, och ganska ofta professade han att det var hans mål att använda sin konst som ett sätt att bidra till skapandet av ett universellt språk som kunde hjälpa mänskligheten att uppnå enhet och fred. Men självklart är det bara spekulation om detta är anledningen till att han har blivit försummad i USA. Lyckligtvis, trots snubben från sitt hemland, hade Tobey en lång och fruktbar karriär på andra ställen, särskilt i Europa, där han var vördad under sin livstid och där han idag anses vara ursprunget till rörelser som Tachisme och Art Informel. Mark Tobey: Threading Light visas på Peggy Guggenheim Collection i Venedig, Italien, fram till 10 september 2017.

Mark Tobey - Världen, 1959, Privat samling, New York

Utvald bild: Mark Tobey - Utan titel, Sumi-teckning (detalj), 1944, The Martha Jackson Collection vid The Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY

Av Philip Barcio