Arvet efter Sir Howard Hodgkin

Den berömde brittiske abstrakte målaren och grafiker Howard Hodgkin var en av de mest prisbelönta konstnärerna i sin generation. Han representerade Storbritannien vid Venedigbiennalen 1984 och vann Turnerpriset 1985. År 1976 blev han upptagen i Most Excellent Order of the British Empire (CBE); han adlades 1992; och 2003 upptog drottning Elizabeth II honom i Order of the Companions of Honour, där han anslöt sig till en exklusiv skara av endast tre andra abstrakta konstnärer—Henry Moore, Victor Pasmore och Bridget Riley—som fått samma utmärkelse. Den berömda status Hodgkin slutligen uppnådde i sin karriär står i skarp kontrast till de svårigheter han mötte i sitt tidiga yrkesliv. 1981 sade Hodgkin, ”Jag tror att jag haft tur eftersom jag inte alls var framgångsrik förrän jag var medelålders, men det fanns många bittra stunder att uthärda när det tog så lång tid innan någon verkade vilja titta på mina bilder alls.” Under sina trettioårsåldern var han så nedstämd av avslag att han övervägde självmord. Men istället för att ge efter för förtvivlan ägnade han sig på nytt åt den estetiska uttrycksformen för sitt inre jag. Ju mer Hodgkin grävde inåt, desto mer intuitivt förstod han sambandet mellan känsla och konstens formella grundelement, såsom färg och färgämne; och desto mer abstrakt blev hans verk därefter. Mot slutet av sitt liv skapade Hodgkin en särpräglad produktion baserad på en avskalad stil som förmedlade råa känslor på det enklaste och mest direkta sättet.

Figurer och Känslor

Det har länge funnits en debatt om huruvida vi bör kalla Howard Hodgkin för en figurativ eller abstrakt konstnär. Hans tidiga verk var tydligt verklighetsbaserade och visade figurer i inomhusmiljöer, ibland i sociala sammanhang. Men i takt med att hans karriär utvecklades suddades gränsen mellan abstraktion och figurativ konst ut, och han skapade målningar som befann sig i en slags korsning mellan de två. Istället för att enbart behandla specifikt innehåll från sitt liv utforskade han hur formella element som färg, mönster och yta kunde framkalla känslomässiga inslag i hans bilder. Under flera decennier innehöll hans målningar små figurativa inslag inbäddade i abstrakta färgfält, former och mönster. Men även när han målade något som de flesta betraktare skulle anse vara rent abstrakt, brukade Hodgkin själv säga att verket ändå var figurativt, eftersom allt var intimt kopplat till en pågående berättelse formad av hans personliga verklighet.

Hodgkin började visa sina målningar 1950 vid 18 års ålder, medan han fortfarande var student. Faktum är att ett av hans tidigaste verk, en gouache-målning på board med titeln Memoirs, målad när han bara var 16 år, av vissa beundrare anses vara bland hans bästa. Han fick sin första separatutställning 1962 på den välrenommerade Arthur Tooth & Sons Gallery i London. Den unika blandningen av figuration och abstraktion som präglade verken i den utställningen gjorde Hodgkin unik och djärv. Men den brittiska allmänheten förstod inte genast verken, och utställningen blev ingen kommersiell framgång. Det skulle dröja nästan ett decennium innan betraktare i hans hemland började uppskatta hans särpräglade talang.

Howard Hodgkin - Memoirs, 1949, Gouache på board, 8 5/8 x 9 7/8 tum, © The Estate of Howard Hodgkin

Minnen från Indien

Tidigt i livet insåg Howard Hodgkin att de målningar han ville skapa snarare var estetiska reliker av hans egna minnen. Som någon som särskilt älskade att resa handlade många av hans starkaste minnen om den storslagna naturen och de extraordinära människor han mötte utomlands. Några av de mest framgångsrika trycken han gjorde handlade om resor han gjorde till Indien. I en serie screentryck han skapade med titeln Indian Views tog han upp de små, horisontella fönstren som är vanliga på sidorna av tåg i det landet. Bilderna kan läsas som enkla landskap med horisontlinjer, men kan också betraktas som abstrakta färgfält.

Förutom deras känslomässiga användning av färg är hans Indian View-screentryck också anmärkningsvärda eftersom de innehåller det arketypiska estetiska elementet ramen, vilket med tiden blev avgörande för Hodgkin. I många av hans abstrakta målningar målade han en rektangulär ram som omslöt bilden. Senare började han rama in sina ytor i faktiska träramar och målade sedan bilden både på ytan och ramen, och förenade de två. Den målade ramen definierade hans målningar som föremål som stod emot yttre påverkan och klargjorde att deras mening helt och hållet fanns inom dem själva.

Howard Hodgkin - Indian View H, 1971, Screentryck på papper, 581 x 780 mm, © The Estate of Howard Hodgkin

Utomstående Erkännande

Trots den bristande förståelse Hodgkin initialt mötte från allmänheten fortsatte han att ställa ut och fortsatte att utveckla sin unika stil, skapande hybrida abstrakt-figurativa bilder och utvecklande ett känslomässigt, färgstarkt bildspråk baserat på känslor. 1971 blev han inbjuden att för första gången ställa ut utomlands, i Köln, Tyskland. Den utställningen blev en framgång, och året därpå ställde han ut i en grupputställning i Paris. Och året efter det ställde han för första gången ut i USA, på ett galleri i New York.

Till sin glädje hade utländska betraktare en helt annan uppfattning om hans verk. Efter sin debut i New York sade Hodgkin, ”de insåg genast vilken sorts konstnär jag var… reaktionen var sådan att jag kände att jag kommunicerade med en publik. Det har jag sällan känt i England.” Kanske på grund av denna internationella uppmärksamhet, eller kanske för att brittiska betraktare helt enkelt insåg vad de hade gått miste om, förbättrades Hodgkins rykte i Storbritannien under de följande åren. År 1976 hade han tilldelats CBE och fått sin första retrospektiva utställning på Oxford Museum of Modern Art.

Howard Hodgkin - Not at Table, 1972, olja på trä, 33 x 36 tum, © The Estate of Howard Hodgkin

London-skolan

Även 1976 fick Hodgkin äran att räknas till en grupp brittiska konstnärer som förknippades med något som kallades London-skolan. Målaren R. B. Kitaj myntade begreppet London-skolan i en katalogessä han skrev för en utställning med titeln The Human Clay. Kitaj avsåg med termen att uppmärksamma att, i motsats till globala trender mot Popkonst, minimalism, konceptuell konst och andra populära stilar, hade en grupp begåvade brittiska konstnärer noggrant utforskat den moderna relevansen av människokroppen i konsten.

The Human Clay inkluderade verk av 48 konstnärer; bland dem fanns Kitaj och Hodgkin, liksom flera andra som senare blev mycket inflytelserika internationellt, såsom Frank Auerbach, David Hockney, Francis Bacon, Henry Moore och Lucian Freud. Var och en hade vid den tiden verkligen utforskat figuration på unikt moderna sätt. Men de flesta avvisade ändå etiketten London-skolan när de först hörde den. Howard Hodgkin avvisade etiketten, trots att han hade fem verk i utställningen, näst flest av alla konstnärer. Att ingå i utställningen var ändå en uppmuntran för Hodgkin och en stor offentlig bekräftelse av hans insatser.

Howard Hodgkin - The Last Time I Saw Paris, 1988-1991, olja på trä, 44 1/4 x 50 tum, © The Estate of Howard Hodgkin

Mindre är Mer

Under hela sin karriär sökte Hodgkin efter sätt att uttrycka mer genom att visa mindre, och reducerade så småningom de figurativa inslagen i sina verk tills de knappt var närvarande alls. Samtidigt som han fick bredare erkännande i slutet av 1970-talet genomgick Hodgkin också en förändring i sitt privatliv. Efter 20 år som gift med sin hustru Julia kom Hodgkin ut som homosexuell och gav Julia vårdnaden om deras två söner. Hans liv blev samtidigt enklare och mer komplicerat. Även om titlarna på hans verk från denna tid behöll den personliga berättarkvalitet som hans konst blivit känd för, med hänvisningar till specifika personliga minnen, blev innehållet i hans bilder dramatiskt mer abstrakt.

Även om han troligen skulle ha förnekat en sådan anklagelse är det lätt att se hur det att befria sig från en personlig lögn också kunde ha frigjort honom från behovet att fylla sina bilder med antydningar, vilket gjorde det möjligt för honom att bli mer direkt med sina känslor. Oavsett om det hade något att göra med den omständigheten eller inte, minskade Hodgkin under de sista decennierna av sitt liv sitt bildspråk mer dramatiskt än någonsin tidigare. Han blev skickligare på att förmedla färgens, penseldragets, ytan, kompositionens och färgens uttryckspotential. Under sina sista år var hans kompositioner hans enklaste och kanske mest djupgående, och förmedlade skickligt hans grundläggande idé om minnets och känslans flyktiga kraft.

Howard Hodgkin - Love and Death, 2015, olja på trä, 31 x 35 tum, © The Estate of Howard Hodgkin

Framträdande bild: Howard Hodgkin Brigid Seagrave (detalj), 1961-62, olja på duk, 34 x 39 tum
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio