Arvet efter Sir Howard Hodgkin

Den berömda brittiska abstrakta målaren och grafikern Howard Hodgkin var bland de mest dekorerade konstnärerna i sin generation. Han representerade Storbritannien på Venedigbiennalen 1984 och vann Turnerpriset 1985. År 1976 blev han invald i den mest utmärkta orden av det brittiska imperiet (CBE); han blev adlad 1992; och 2003 utnämnde drottning Elizabeth II honom till orden av hederskamrater, där han anslöt sig till en utvald lista av endast tre andra abstrakta konstnärer—Henry Moore, Victor Pasmore och Bridget Riley—som fått samma utmärkelse. Den firade ställning som Hodgkin slutligen uppnådde i sin karriär står i skarp kontrast till de svårigheter han mötte i sitt tidiga yrkesliv. År 1981 sade Hodgkin: “Jag tror att jag har haft turen att jag inte alls var framgångsrik förrän jag var medelålders, men det fanns många bittra stunder att leva igenom när det dröjde så länge innan någon verkade vilja titta på mina bilder överhuvudtaget.” I sina 30-årsåldern var han så nedslagen av avvisande att han övervägde självmord. Men istället för att ge efter för förtvivlan, återinvigde han sig själv till den estetiska uttryck för sitt inre. Ju mer Hodgkin grävde inåt, desto mer intuitivt förstod han relationen mellan känsla och de formella grunderna för konst, såsom färg och färg; och ju mer abstrakt hans arbete blev. I slutet av sitt liv skapade Hodgkin ett distinkt verk baserat på en nedskuren stil som kommunicerade rå känsla i de enklaste och mest direkta termer.

Figurer och Känslor

Det har länge pågått en debatt om huruvida vi ska hänvisa till Howard Hodgkin som en figurativ eller abstrakt konstnär. Hans tidiga verk var tydligt verklighetsbaserade, med figurer i inre rum, ibland i sociala omständigheter. Men när hans karriär utvecklades suddade han ut gränsen mellan abstraktion och figurativitet, och skapade målningar som befann sig i en sorts korsning mellan de två. Istället för att enbart hantera specifikt innehåll från hans liv, utforskade han hur formella element som färg, mönster och yta kunde väcka känslomässiga element inom hans bilder. Under fler decennier innehöll hans målningar små figurativa element insvepta inom abstrakta färgfält, former och mönster. Men även när han målade något som de flesta betraktare skulle anse vara helt abstrakt, älskade Hodgkin själv att säga att verket fortfarande var figurativt, eftersom allt relaterade intimt till en pågående berättelse som informerades av hans personliga verklighet.

Hodgkin började ställa ut sina målningar 1950 vid 18 års ålder, medan han fortfarande var student. Faktum är att ett av hans tidigaste verk, en gouache-målning på skiva med titeln Memoirs, målad när han bara var 16, anses av vissa fans vara bland hans bästa. Han fick sin första separatutställning 1962, på den berömda Arthur Tooth & Sons Gallery i London. Den unika blandningen av figuration och abstraktion som definierade verken i den utställningen gjorde att Hodgkin framstod som unik och djärv. Men den brittiska allmänheten förstod inte omedelbart verket, och utställningen blev ingen kommersiell succé. Det skulle dröja nästan ett decennium innan åskådarna i hans hemland skulle börja uppskatta hans distinkta talang.

Howard Hodgkin - Memoirs, 1949, Gouache on board, 8 5/8 x 9 7/8 in, © The Estate of Howard Hodgkin

Minnen från Indien

Tidigt i livet insåg Howard Hodgkin att de målningar han ville måla mer liknade estetiska reliker av sina egna minnen. Som någon som särskilt älskade att resa, handlade många av hans mest kraftfulla minnen om det spektakulära landskapet och de extraordinära människor han mötte utomlands. Några av de mest framgångsrika trycken han gjorde handlade om resor han gjorde till Indien. I en serie screentryck han skapade med titeln Indiska Utsikter tog han upp de små, horisontella fönstren som är vanliga på sidorna av tåg i det landet. Bilderna läses som enkla landskap med horisontlinjer, men kan också betraktas som abstrakta färgfält.

Förutom deras känslomässiga användning av färg, är hans Indian View screentryck också anmärkningsvärda genom att de innehåller det arketypiska estetiska elementet av ramen, vilket över tid blev avgörande för Hodgkin. I många av hans abstrakta målningar målade han en rektangulär ram som innehöll bilden. Sedan började han senare att rama in sina ytor i faktiska träramar och målade sedan bilden på ytan och ramen lika, vilket kombinerade de två. Den målade ramen definierade hans målningar som objekt som var motståndskraftiga mot yttre påverkan, och klargjorde att deras betydelse helt och hållet var innesluten inom dem själva.

Howard Hodgkin - Indian View H, 1971, Screenprint on paper, 581 x 780 mm, © The Estate of Howard Hodgkin

Utomstående erkännande

Trots den bristande förståelse Hodgkin initialt fick från allmänheten, fortsatte han att ställa ut och fortsatte att följa sin unika stil, skapa hybrida abstrakt-figurativa bilder och utveckla ett känslomässigt, färgglatt visuellt språk baserat på känslor. År 1971 blev han för första gången inbjuden att ställa ut utomlands, i Köln, Tyskland. Den utställningen var en succé, och året därpå ställde han ut i en grupputställning i Paris. Och året efter ställde han ut för första gången i USA, på ett galleri i New York.

Till hans glädje hade utländska åskådare en helt annan uppfattning om hans arbete. Efter sin debut i New York sade Hodgkin: “de insåg genast vilken sorts konstnär jag var... reaktionen var sådan att jag kände att jag kommunicerade med en publik. Jag har sällan känt så i England.” Kanske på grund av denna internationella uppmärksamhet, eller kanske för att brittiska åskådare helt enkelt insåg vad de hade missat, såg Hodgkin under de kommande åren sin rykte i Storbritannien förbättras. År 1976 hade han tilldelats CBE och hade fått sin första retrospektivutställning på Oxford Museum of Modern Art.

Howard Hodgkin - Not at Table, 1972, oil on wood, 33 x 36 in, © The Estate of Howard Hodgkin

Londonkonsten

Även 1976 fick Hodgkin äran att inkluderas bland en grupp brittiska konstnärer kopplade till något som kallades School of London. Målaren R. B. Kitaj myntade termen School of London i ett katalogessä han skrev för en utställning med titeln The Human Clay. Kitaj avsåg att termen skulle uppmärksamma det faktum att i kontrast till globala trender mot Pop Art, Minimalism, Konceptuell konst och andra populära stilar, hade en grupp begåvade brittiska konstnärer flitigt utforskat den moderna relevansen av den mänskliga figuren i konsten.

Mänsklig lera inkluderade verken av 48 konstnärer; bland dem fanns Kitaj och Hodgkin, samt flera andra som senare blev avgörande inflytelserika internationellt, såsom Frank Auerbach, David Hockney, Francis Bacon, Henry Moore och Lucian Freud. Var och en hade, vid den tiden, verkligen utforskat figuration på unikt moderna sätt. Men de flesta avvisade ändå etiketten Skolan i London när de först hörde den. Howard Hodgkin avvisade etiketten, även om han hade fem verk i utställningen, det näst högsta antalet av någon konstnär. Att vara med i utställningen var ändå en boost för Hodgkin, och en stor offentlig validering av hans insatser.

Howard Hodgkin - The Last Time I Saw Paris, 1988-1991, Oil on wood, 44 1/4 x 50 in, © The Estate of Howard Hodgkin

Less is More

Under hela sin karriär sökte Hodgkin efter sätt att uttrycka mer samtidigt som han visade mindre, och reducerade så småningom de figurativa elementen i sitt arbete tills de knappt var närvarande alls. I takt med den bredare offentliga erkänslan han upplevde i slutet av 1970-talet genomgick Hodgkin också en övergång i sitt privatliv. Efter 20 år av äktenskap med sin fru Julia kom Hodgkin ut som homosexuell och gav Julia vårdnaden om deras två söner. Hans liv blev samtidigt enklare och mer komplext. Även om titlarna på hans verk från denna tid behöll den personliga berättande kvalitet som hans arbete hade blivit känt för, med referenser till specifika personliga minnen, blev innehållet i hans bilder dramatiskt mer abstrakt.

Även om han förmodligen skulle ha förnekat en sådan anklagelse, är det lätt att se hur det att frigöra sig från en personlig osanning också skulle kunna ha befriat honom från behovet att investera sin bildspråk med antydningar, vilket gjorde att han kunde bli mer direkt med sina känslor. Oavsett om det hade något att göra med den omständigheten eller inte, under de sista decennierna av sitt liv, förenklade Hodgkin sitt visuella språk mer dramatiskt än någonsin tidigare. Han blev mer skicklig på att förmedla den uttrycksfulla potentialen av färg, penseldrag, yta, komposition och färg. Under sina sista år var hans kompositioner de enklaste, och kanske mest djupgående, som skickligt kommunicerade hans grundläggande idé om det flyktiga minnet och känslans kraft.

Howard Hodgkin - Love and Death, 2015, Oil on wood, 31 x 35 in, © The Estate of Howard Hodgkin

Utvald bild: Howard Hodgkin Brigid Seagrave (detalj), 1961-62, Olja på duk, 34 x 39 tum
Alla bilder används endast för illustrativa ändamål
Av Philip Barcio